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Il valore artistico delle magnifiche sculture di Anfipoli

Il valore artistico delle magnifiche sculture di Anfipoli

Lo scrittore romano Plinio il Vecchio (1 ns secolo d.C.), nei suoi scritti sull'arte greca antica, affermava che dopo lo scultore greco Lisippo, l'arte cessò di esistere ("deinde cessarit ars"). Credeva che dopo le grandi creazioni di Lisippo, lo scultore personale di Alessandro Magno, ciò che caratterizzava l'arte del periodo ellenistico fosse nella migliore delle ipotesi una forma classica, una versione decadente dell'arte classica superiore.

Lo scrittore romano esprimeva un'opinione piuttosto conservatrice dell'arte della sua epoca. Apparentemente, non fu impressionato dalle innovazioni del periodo ellenistico e insistette per tornare allo stile autentico dell'arte che suggellava con la sua alta qualità espressiva un'epoca che era almeno tre secoli prima della sua. Il motivo per cui ho iniziato questo articolo con un riferimento a Plinio, è per i chiari confini che ha posto tra le due epoche artistiche, il classico e l'ellenistico, utilizzando l'opera dello scultore in bronzo, Lisippo, come ultimo esempio di arte classica di alta qualità.

Il lasso di tempo in cui Lisippo era attivo, durante la seconda metà del 4 ns secolo a.C., ci porta contemporaneamente all'epoca in cui il team archeologico ha previsto la creazione della tomba di Anfipoli in Grecia, che va dal 325 al 300 a.C. Le sculture rinvenute all'interno della tomba non appartengono certamente alla descrizione dell'arte classica fornita da Lisippo, e non sono coerenti con le caratteristiche realistiche e personalizzate dell'arte classica come la conosciamo. Ma d'altra parte anche loro non appartengono al periodo ellenistico maturo. Quindi cosa potrebbe significare?

Sculture di cariatidi trovate all'interno della tomba di Anfipoli in Grecia. Credito: Ministero della Cultura greco

Quello che è successo qui è probabilmente lo stesso di quanto accade tipicamente alle opere d'arte create durante un periodo di transizione tra uno stile artistico più antico e uno nuovo: sembrano avere una combinazione di caratteristiche che rendono la loro datazione anfotera; in altre parole, potrebbero appartenere a entrambi i periodi. Opinioni diverse parlano di uno stile "classicizzante" delle cariatidi (statue femminili che fungono da supporti architettonici) ad Anfipoli, sostenendo l'idea che esse mimino semplicemente il più antico stile classico genuino, apprezzato con nostalgia durante il periodo romano, come abbiamo visto con Plinio. C'è anche l'opinione che le sculture siano creazioni di artisti dell'isola di Paros, mentre alcuni hanno menzionato anche le botteghe "ateniesi". L'isola di Taso, dove troveremo le cave che servivano alla costruzione del monumento, aveva un collegamento diretto con l'isola di Paros, entrambe appartenenti allo stesso Comune. È chiaro che gli artisti di Paros, alla fine del IV secolo a.C., seguivano una tradizione scultorea che conservava ancora le memorie dello stile arcaico, in un periodo in cui la Macedonia non aveva laboratori di scultura di rilievo. Tendo ad apprezzare la seconda opinione come la più appropriata per spiegare lo stile di scultura.

La proposizione che la statua marmorea del Leone ad Anfipoli fosse collocata in cima alla collina, inoltre, pone con sicurezza la costruzione della tomba alla fine del IV secolo a.C. In ogni caso, altre caratteristiche delle cariatidi come il panneggio delle loro tuniche e come sono scolpite sulla statua, mostrano una distanza dai motivi classici delle cariatidi del V secolo a.C. Improntano uno stile vivace di espressione artistica e di sperimentazione che unisce le precedenti realizzazioni classiche con qualsiasi innovazione classica che aveva già iniziato ad apparire nelle arti alla fine del IV secolo, preparando l'era del periodo ellenistico. La tomba è particolare per l'esistenza di statue e sicuramente si distingue per le innovazioni rispetto ad altre tombe macedoni, e allo stesso tempo è il più grande monumento del genere che sia mai stato scoperto in Grecia.

Rappresentazione in scala di come sarebbero apparse le sculture delle cariatidi all'interno della tomba di Anfipoli. © Gerasimos G. Gerolymatos.

Le cariatidi per l'epoca di cui stiamo parlando, rappresentano un ottimo esemplare antico che potrebbe rivelare una delle prime entrate nello sviluppo verso il periodo ellenistico, e questo è probabilmente il maggior valore artistico delle sculture del monumento funerario di Anfipoli, poiché potrebbero aiutare gli storici dell'arte a comprendere meglio il passaggio dall'arte classica a quella ellenistica. Ho anche suggerito come appropriato lo studio delle figurine Tanagra, al fine di esaminare le comunanze con le direzioni morfologiche delle cariatidi. Sappiamo spesso che a causa della libertà di espressione, arti come la ceramica e la pittura su ceramica furono le prime a segnalare qualsiasi cambiamento di stile, mentre l'alta arte dei grandi templi e degli edifici pubblici non era così disposta a cambiare il proprio stile ufficiale stabilito.

Le opere d'arte rinvenute nel monumento comprendono due sfingi all'ingresso della tomba, le due grandi cariatidi e il meraviglioso mosaico figurativo del Ratto di Persefone davanti alla camera della tomba maggiore. Il mosaico, così come altre opere pittoriche di quel periodo, rivela chiaramente che gli antichi artisti greci avevano la conoscenza della prospettiva e della rappresentazione a tre dimensioni. Il carro e i cavalli sono rappresentati con una prospettiva a , cosa che sarebbe una sfida anche per gli artisti del primo Rinascimento.

Dalle rappresentazioni in scala che ho creato, la prima (sopra) è chiaramente un disegno, mentre la seconda (l'immagine in evidenza) è a colori. Si basano sugli annunci degli archeologi in riferimento alle dimensioni, ai colori e ai reperti, così come sono stati pubblicati con le rispettive foto. La terza rappresentazione colorata (sotto) è, in larga misura, speculativa ed è una combinazione di pochi colori reali così come sono presentati nella seconda rappresentazione, così come alcuni colori che ho aggiunto sulla base di speculazioni logiche e usando decorazioni elementi provenienti da altre tombe macedoni che erano probabilmente comuni in termini di tradizioni funerarie di quell'epoca.

Rappresentazione speculativa degli elementi decorativi all'interno della tomba di Anfipoli, combinando ritrovamenti di tracce di colore reali con ipotesi logiche basate su elementi decorativi di altre tombe macedoni © Gerasimos G.

In relazione ai colori, la tomba di Anfipoli sembra seguire l'insieme di colori di base di altre tombe macedoni di quell'epoca, che sono principalmente bianche, blu e rosse. Il resto si arricchisce con l'utilizzo di altri colori in elementi secondari, come nero, giallo, rosso ocra e verde, creando un interessante risultato cromatico. Il bianco del marmo domina ed è il colore di fondo di base su cui si sviluppano il blu e il rosso, i due colori utilizzati in maggior quantità rispetto a tutti gli altri. Le diverse proporzioni di ciascuno dei colori che ricoprono le superfici, sembrano applicarsi anche alle variazioni cromatiche all'interno della tomba. Mentre disegnavo la rappresentazione dell'interno del monumento, mi sono reso conto che l'uso proporzionale di questi colori non era affatto casuale, poiché sembra seguire un'intenzione consapevole di dare ai colori - tra l'altro, un significato e un carattere simbolico .

C'è una teatralità pervasiva con l'intenzione di impressionare il visitatore - che con i molteplici scenari, ricorda uno stile primo barocco. Così quando entriamo nella tomba dalla porta delle due Sfingi – che sono le guardiane della tomba, molto probabilmente dipinta di rosso – percorriamo il primo corridoio con il pavimento a mosaico. Raggiungiamo quindi l'imponente portale delle cariatidi, che sono dipinte intensamente con una sensazione di 'pop art', tendenzialmente di colore blu scuro, entrando poi nella seconda camera dove prevale lo sfondo blu del Rapimento di Persefone ed è il vestibolo della tomba principale. La presenza di due principali colori caldi e freddi, il rosso e il blu, definisce proporzionalmente e simbolicamente le due diverse aree. Presumo che in questo modo i due vestiboli della tomba non rappresentino altro che un simbolo della vita del defunto, dove la prima camera con il calore rappresenta la sua vita e le sue azioni, mentre la seconda rappresenta l'ingresso alla morte, poiché il mosaico presenta il rapimento involontario di Persefone da parte di Plutone. Questo passaggio dalla vita alla morte, che i morti seguivano, era sigillato con la gloria dell'immortalità dietro la pesante porta di marmo, che conduceva sotto l'ingresso delle cariatidi, che aveva a mio parere un carattere glorificato. Per questo motivo, e notando la posizione specifica delle loro braccia, presumo che le cariatidi reggessero un oggetto e precisamente una corona di gloria per l'eroe morto.

Visita il sito blog di Gerasimos G. Gerolymatos qui.

Immagine in evidenza: Rappresentazione artistica delle cariatidi nella tomba di Anfipoli, © Gerasimos G.

di Gerasimos Gerolymatos


La tomba

Il mondo sta cercando la risposta a un antico mistero! Cosa o chi c'è nell'antica tomba di Anfipoli in Grecia? È in corso uno scavo archeologico su larga scala nella speranza di rispondere alla vecchia domanda... Chi è sepolto in questa magnifica tomba? È Roxanne, la moglie di Alessandro Magno, o è suo figlio, o sua madre o addirittura Alessandro Magno. lui stesso? O è qualcun altro.

La tomba a tumulo di Anfipoli si trova sulla collina di Kasta all'interno di un muro di cinta lungo 500 metri di marmo e calcare. Il muro di marmo è un cerchio quasi perfetto alto 3 metri con una cornice di marmo proveniente dall'isola egea di Thassos. Questa grande tomba e il muro di cinta con la sua base speciale e il design unico sono probabilmente opera dell'architetto Deinokratis, vissuto al tempo di Alessandro Magno. Deinokratis ed era l'architetto prescelto da Alessandro e anche una persona molto importante al tempo di Alessandro.

L'ingresso della tomba si trova a 13 gradini dal muro circostante. L'arco d'ingresso contiene due sfingi senza testa/ali, incredibili opere d'arte classica. Di fronte al portale dell'arco e della sfinge c'è un muro di calcare che protegge e nasconde l'intero ingresso di questa vasta tomba. Il design dell'ingresso e del muro di cinta sono unici per il mondo dell'antica Grecia.

In origine sulla sommità della Tomba vi era un grande Leone di Pietra, il Leone di Anfipoli. Il leone in sé è alto 5,3 metri e ha una base in pietra che fa un'altezza totale [con il leone] di 15,84 metri. La scultura che ha scolpito le due Sfingi d'ingresso è la [stessa?] persona che ha scolpito il leone colossale. Di solito associamo un leone a una battaglia, come la battaglia di Cheronea o per qualche grande generale. Poiché non c'era battaglia nel periodo in cui la tomba fu costruita, gli archeologi suggeriscono che la persona all'interno della tomba potrebbe anche essere un grande generale dell'epoca di Alessandro.

Il fatto che la Tomba sia ancora sigillata è molto importante perché significa che può contenere oggetti e informazioni di grande valore storico e che sono ancora al loro posto. Poiché la tomba era ancora sigillata e piena di sabbia/terra, i tombaroli non sarebbero entrati molto all'interno. Solo la fine dello scavo racconterà tutta la storia di . Chi e quando.

Questa vasta tomba, il Leone e le due Sfingi rappresentano una straordinaria bellezza del mondo antico e potrebbero essere i custodi dei contenuti di uno dei più grandi scavi archeologici del nostro tempo.


Post taggati con: Anfipoli

Esattamente un anno fa ho scritto un post per questo blog in cui ho ipotizzato cosa sarebbe potuto succedere al corpo di Efestione dopo la sua morte.

Potete leggere il post qui ma in breve, ho detto che non pensavo che il suo magnifico funerale (Diodoro XVII.115) avesse avuto luogo, e che dopo la morte di Alessandro, Efestione fu probabilmente tranquillamente cremato e sepolto dai Successori a Babilonia prima di essere dimenticato.

Quando ho scritto il mio post, non avrei mai immaginato che un anno dopo avrei avuto motivo di tornarci. Tuttavia, la scoperta di uno scheletro nella tomba del leone ad Anfipoli, e il suggerimento che potrebbe essere di Efestione, mi ha riportato all'argomento.

La persona a cui devo l'idea che Efestione possa essere sepolto ad Anfipoli è Dorothy King – vedi il suo post qui.

Come vedrai, teorizza che la tomba del leone sia stata originariamente costruita per Alessandro. Se ciò è corretto, la presenza del corpo di Efestione significherebbe presumibilmente che Alessandro intendeva essere sepolto con il suo amico.

Dato che Alessandro si è identificato con Achille e ha trattato Efestione come Patroclo*, insieme al fatto che Achille e Patroclo furono sepolti insieme a Troia**, questa idea ha perfettamente senso.

Ma le ossa appartengono a Efestione?

Al momento sono in corso test su di loro. Inutile dire che non ci diranno il nome del defunto, ma si spera che ci forniranno informazioni che aiuteranno nel processo di identificazione.

Ad esempio (e di nuovo, si spera) ci diranno il sesso della persona, la sua età approssimativa al momento della morte e forse di quali lesioni o malattie ha sofferto nella sua vita.

Se il sesso della persona è femminile, ciò esclude ovviamente che il defunto sia Efestione.

Se, tuttavia, è un maschio e la persona muore intorno ai 30 anni, ciò renderebbe possibile che le ossa siano sue poiché aveva circa l'età di Alessandro e sappiamo che nel 324 a.C. Alessandro aveva 32 anni.

Oltre a ciò, se c'è segno di lesione in almeno una delle ossa del braccio, ciò renderebbe anche possibile che lo scheletro sia di Efestione come dice Curtius che ha subito una ferita da lancia al braccio la battaglia di Gaugamela (IV.16.32).

Va sottolineato, tuttavia, che anche se i test indicano che lo scheletro è di Efestione, non possiamo ottenere alcuna certezza in merito da essi. Quello che dobbiamo davvero sperare è il ritrovamento di un'iscrizione che indichi chiaramente a chi appartiene la tomba. Altrimenti, ci sarà sempre un elemento di dubbio.

Ma facciamo un passo indietro, come possiamo parlare dello scheletro di Efestione che si trova ad Anfipoli quando le fonti hanno il suo funerale e la cremazione che si svolgono a Babilonia?

Questa è una buona domanda. Quello che potrebbe essere successo è che dopo il funerale le sue spoglie sono state trasportate ad Anfipoli e lì depositate. Questo, tuttavia, non risponde alla domanda su come sia possibile che abbiamo uno scheletro nella tomba del leone quando Efestione fu cremato.

Allora, che dire delle ossa? Il dottor King fornisce una risposta. In un commento fatto il 13 novembre 2014 alle 10:30 (mi dispiace – non riesco a collegarmi direttamente ad esso) sotto il suddetto post sul blog afferma che le antiche cremazioni non avvenivano alle stesse temperature come quelli moderni.

Ciò significa che Efestione potrebbe essere stato cremato al punto che la sua carne si è bruciata ma che – a causa della temperatura più bassa della pira – le sue ossa sono sopravvissute.

Forse i test attualmente in corso sullo scheletro potranno dirci se le ossa sono state effettivamente sottoposte a fuoco?

Se accettiamo come possibilità la sopravvivenza delle ossa di Efestione, possiamo passare alla questione di come siano arrivate da Babilonia ad Anfipoli.

Si dà il caso, però, che dobbiamo correggere il punto di partenza del suo ultimo viaggio.

Diamo un'occhiata a ciò che i cinque principali storici di Alessandro dicono sulla morte di Efestione e cosa accadde al suo corpo in seguito.

Arriano (VII.14,15) afferma che Efestione si ammalò e morì a Ecbatana e che per lui fu costruita una pira funeraria a Babilonia. Non vi è alcun riferimento, tuttavia, al funerale effettivamente svolto una volta arrivato Alexander.

Curtius Sfortunatamente, una lacuna nel manoscritto significa che non abbiamo il suo resoconto della morte e del funerale di Efestione.

Diodoro fa morire Efestione a Ecbatana e il suo corpo viene trasportato a Babilonia (XVII.110) dove viene costruita la sua pira XVII.115). Non viene fatta menzione di ciò che è successo a Efestione rimane in seguito.

Giustino non dice esplicitamente dove morì Efestione. In termini di narrativa, la sua morte avviene nel capitolo 12. L'ultima città che Alessandro è stata identificata come quella che ha raggiunto prima di questo è Babilonia (nel capitolo 10), ma all'inizio del capitolo 13 Giustino sembra suggerire che Alessandro sia andato a Babilonia dopo La morte di Efestione.

Né Justin dice cosa è successo al corpo di Efestione. Tuttavia, menziona (nel capitolo 12) che un monumento è stato costruito in suo onore e che è costato 12.000 talenti.

Plutarco afferma che Efestione morì a Ecbatana (capitolo 72) ma non dice che il suo corpo fu portato a Babilonia. Afferma, tuttavia, che Alexander ha deciso di spendere 10.000 talenti per il funerale e la tomba del suo amico.

In sintesi, Arriano, Diodoro e Plutarco concordano sul fatto che Efestione morì a Ecbatana. Ma mentre Arriano e Diodoro affermano esplicitamente che il suo corpo è stato portato a Babilonia, Plutarco non fa tale affermazione. Implicitamente fa rimanere il corpo di Efestione a Ecbatana. Questo potrebbe essere ciò a cui Justin sta arrivando, anche se il suo resoconto è davvero troppo vago per essere di grande utilità.

Quindi, abbiamo un disaccordo. A chi, in tal caso, crediamo?

Fino a questa settimana, avrei accettato l'account di Arriano e Diodoro. Diodoro non è il miglior storico, ma Arriano ha un'ottima reputazione e ha basato la sua storia su persone che furono testimoni di ciò che accadde quattrocento anni prima, incluso uno che era al centro del potere macedone.

Tuttavia, la mia opinione è cambiata dopo aver letto un articolo di Paul McKechnie chiamato Diodoro Siculo e la Pira di Efestione, che offriva una ragione convincente per non accettare il resoconto di Arriano e Diodoro al valore nominale.

Mi sono imbattuto nell'articolo di McKechnie grazie a un link sul blog di Dorothy King qui.

Se ho capito correttamente McKechnie, egli sostiene che il resoconto del funerale di Efestione in Diodoro non è affatto un resoconto di un evento storico, ma una presunzione letteraria, progettata per prefigurare la morte di Alessandro***.

Vedere il funerale in questo modo ci permette di dare un senso a un'affermazione che Diodoro fa nel XVIII.4 del suo Biblioteca di Storia. Lì, dice che dopo la morte di Alessandro, Perdicca trovò tra le carte del defunto re

… ordini per il completamento della pira di Efestione.

Ora, ovviamente, se il funerale fosse avvenuto come da XVII.115 non ci sarebbe stato bisogno che questi ordini fossero nelle carte di Alessandro.

McKechnie sostiene inoltre che Diodoro abbia preso la storia della pira a Babilonia da uno scrittore di nome Efippo di Olinto, che visse intorno al tempo di Alessandro.

Il motivo per cui menziono Efippo è perché collega la narrativa di Diodoro a quella di Arriano. McKechnie suggerisce che Tolomeo lesse il racconto di Ephippo e decise di usarlo nella sua storia.

E in effetti, aveva una buona ragione per farlo. Proprio come Efippo collocò il funerale di Efestione a Babilonia per ragioni letterarie, Tolomeo lo collocò lì per ragioni politiche.

Quindi, ho portato il corpo di Alessandro da Babilonia a Memphis, potrebbe dire al dubbioso politico, Avevo un precedente – Alessandro stesso, che portò il corpo di Efestione da Ecbatana a Babilonia.

L'articolo di Paul McKechnie è davvero interessante e ve lo consiglio vivamente. Se non hai accesso a JSTOR, puoi leggerlo qui.

Quindi, allo stato attuale delle cose, abbiamo Efestione che muore a Ecbatana e il suo funerale si svolge lì. La presenza del Leone di Hamadan (che è l'odierna Ecbatana) sembrerebbe indicare che anche Alessandro vi seppellì il suo amico†.

Avendo corretto il punto di partenza del viaggio di Efestione, quindi, dobbiamo ora portarlo da Ecbatana ad Anfipoli.

Questa parte è molto difficile perché nessuna delle fonti sopravvissute afferma che il corpo di Efestione è stato riportato in Macedonia. Se vogliamo metterlo lì, dobbiamo farlo con altri mezzi.

Ecco tre ragioni per collocare Efestione ad Anfipoli.

  1. Alessandro non avrebbe considerato appropriato seppellire Efestione a Ecbatana. In vita si era visto come Achille ed Efestione come il suo Patroclo. Alla luce di ciò, ha più senso che voglia che quell'identificazione sia resa permanente nella morte
  2. La tomba del leone ad Anfipoli è così grande, così maestosa, che avrebbe potuto essere costruita solo per poche persone. Le altre possibilità sono: Olimpia, Filippo III Arrideo e Rossana e Alessandro IV.
    A quanto mi risulta, esistono iscrizioni che affermano (o indicano?) che Olimpia fu sepolta a Pidna, dove fu uccisa.
    Filippo III Arrideo è una possibilità poiché era un re ma forse sepolto a Vergina.
    Cassandro avrebbe onorato Alessandro IV (e attraverso di lui, Rossana) con una tomba così grande dopo averli uccisi?
  3. Sembra che la tomba del leone avrebbe potuto facilmente coprire il costo della sepoltura di Efestione come descritto da Plutarco e Giustino

Queste possono o non possono sembrare buone ragioni, ma se sei ancora nervoso per la mancanza di prove nelle fonti, forse vale la pena ricordare che sono le sopravvissuto fonti e che – come abbiamo visto – non sono d'accordo tra loro su ciò che accadde a Efestione dopo la sua morte. Non abbiamo quindi alcun obbligo di prenderli in parola.

Cosa penso? Onestamente non lo so. Mi piace l'idea che Efestione venga seppellito ad Anfipoli, ma vorrei "vorrei davvero" avere una prova letteraria più forte.

Al momento, però, e sebbene si supponga che sia stato sepolto a Vergina, sono molto tentato dall'idea che Alessandro IV sia sepolto lì.

Dopo il suo omicidio su ordine di Cassandro, passarono diversi anni prima che la morte di Alessandro IV diventasse nota. Quando è successo, non ci sono state guerre civili, disordini, sommosse, niente. Cassandro, Tolomeo, Lisimaco, Seleuco e Antigono si proclamarono tutti a tempo debito re dei loro regni individuali e basta.

La ragione di ciò è che il tempo era passato e la gente aveva lasciato andare il passato. Penso che forse Cassander l'abbia capito. E quando lo fece, decise che poteva permettersi di essere generoso con Alessandro IV nella morte come era stato crudele in vita, e depositò le sue spoglie nella tomba del leone ad Anfipoli.

Questo è quello che penso e, come sono sicuro che avrai notato, non ho offerto alcuna prova reale del fatto che Alessandro IV sia stato sepolto lì. In effetti, rileggendo ciò che ho scritto, comincio a pensare che ci sia un motivo più forte per la sepoltura di Efestione.

Un'ultima parola. Non ho più idea di chi sia sepolto nella Tomba del Leone come chiunque altro, e non vedo l'ora di sentire altre notizie dagli archeologi. Nel frattempo, quello che direi, è che Amphipolis è stata – e continua ad essere – una grande esperienza di apprendimento per me e sono in debito con Dorothy King che ha pubblicato post sul blog molto perspicaci e collegati ad articoli altrettanto buoni su Alexander & #8211 McKechnie’s in particolare. Spero di non smettere mai di imparare.

* Sto pensando qui a come fece deporre una corona a Efestione sulla tomba di Patroclo a Troia (Arrian I.12) e la sua risposta omerica alla morte di Efestione. Come Achille si tagliò i capelli in onore di Patroclo (Iliade XXIII.147-8)
** Vedere Iliade XXIII.243-44 e Odissea XXIV.73-5)
*** McKechnie nota come Diodoro enfatizzi lo status di Efestione come secondo sé di Alessandro, come Alessandro partecipi al funerale dopo aver sistemato i suoi affari e ordini che la Sacra Fiamma nelle città asiatiche venga estinta in onore di Efestione. 8211 qualcosa che è stato fatto solo alla morte del re
È McKechnie che usa il Leone di Hamadan come prova per i resti di Efestione a Ecbatana. Fornisce anche altri motivi. Ad esempio, un riferimento a Eliano, che

… nella sua storia della fusione dell'oro e dell'argento insieme al cadavere sulla pira di Efestione, parla di Alessandro che aveva demolito le pareti dell'acropoli di Ecbatana e non dà alcun accenno al fatto che la pira fosse stato a Babilonia


Una breve panoramica della cronologia dei periodi artistici

Come in molte aree della storia umana, è impossibile delineare con precisione i diversi periodi artistici. Le date presentate nelle parentesi sottostanti sono approssimazioni basate sulla progressione di ciascun movimento in diversi paesi. Molti dei periodi artistici si sovrappongono considerevolmente, con alcune delle epoche più recenti che si verificano contemporaneamente. Alcune ere durano qualche migliaio di anni, mentre altre si estendono per meno di dieci. L'arte è un continuo processo di esplorazione, dove i periodi più recenti nascono da quelli esistenti.

Periodo artistico Anni
romanico 100 – 1150
Gotico 1140 – 1600
Rinascimento 1495 – 1527
Manierismo 1520 – 1600
Barocco 1600 – 1725
Rococò 1720 – 1760
Neoclassicismo 1770 – 1840
Romanticismo 1800 – 1850
Realismo 1840 – 1870
preraffaellita 1848 – 1854
Impressionismo 1870 – 1900
Naturalismo 1880 – 1900
Post impressionismo 1880 – 1920
Simbolismo 1880 – 1910
Espressionismo 1890 – 1939
Art Nouveau 1895 – 1915
Cubismo 1905 – 1939
Futurismo 1909 – 1918
Dadaismo 1912 – 1923
Nuova obiettività 1918 – 1933
Precisionismo 1920 – 1950
Art Deco 1920 – 1935
Bauhaus 1920 – 1925
Surrealismo 1924 – 1945
Abstr. Espressionismo 1945 – 1960
Pop-Art / Op Art 1956 – 1969
Arte Povera 1960 – 1969
minimalismo 1960 – 1975
Fotorealismo 1968 – ora
Arte contemporanea 1978 – ora

Può sembrare strano che il nostro resoconto della linea temporale del periodo artistico finisca 30 anni fa. Il concetto di un'era artistica sembra inadeguato a catturare la varietà di stili artistici che sono cresciuti dall'inizio del XXI secolo. C'è la sensazione tra alcuni storici dell'arte che il concetto tradizionale di pittura sia morto nella nostra era di vita frenetica. Non assumiamo questa posizione. Invece, continuiamo a condividere le nostre esperienze umane uniche attraverso il mezzo dell'arte, proprio come hanno fatto le persone delle caverne, al di fuori del nostro moderno sistema di classificazione.

La terrazza fiorita nel giardino di Wannsee, esposta a sud-ovest (1919) di Max Liebermann [Dominio pubblico]


Chi è sepolto nella "magnifica tomba" dell'antica Grecia? 04:27

All'inizio del mese scorso, su una collina fuori da un minuscolo e ventoso villaggio di coltivatori di mandorle e tabacco nel nord-est della Grecia, l'archeologa veterana Katerina Peristeri ha annunciato che lei e il suo team avevano scoperto quella che si crede sia la più grande tomba della Grecia.

La "tomba enorme e magnifica", ha detto Peristeri ai giornalisti, è probabilmente collegata all'antico regno greco di Macedonia, che, nel IV secolo a.C. ha prodotto Alessandro Magno.

Poco dopo l'annuncio di Peristeri, il primo ministro greco Antonis Samaras ha tenuto la sua conferenza stampa nel sito - noto come Anfipoli - dichiarandolo una "scoperta eccezionalmente importante" dalla "terra della nostra Macedonia".

E da allora ci sono state notizie quotidiane sui media greci, anche se Peristeri e il suo team hanno rifiutato le interviste. Rilasciano ogni bocconcino di notizie - ogni scoperta di una cariatide, una sfinge e altri manufatti impressionanti - in comunicati stampa attraverso il Ministero della Cultura greco.

I turisti visitano il Leone di Anfipoli il 18 agosto. La grande tomba, il suo occupante sconosciuto, è stata trovata nelle vicinanze. Ma le autorità greche non hanno ancora permesso al pubblico di visitare il sito della tomba. (Haris Iordanidis/EPA/Landov)

La speculazione su chi sia sepolto nella tomba ha attirato un flusso costante di visitatori nella vicina Mesolakkia, dove il presidente del villaggio - Athanassios Zounatzis, un coltivatore di tabacco in pensione dai capelli d'argento - ora funge anche da guida turistica.

"Abbiamo visto autobus turistici pieni di turisti tedeschi, gli olandesi se ne sono andati, anche alcune famiglie americane", dice. "E tutti chiedono: 'Dov'è la tomba?' Ma se ne vanno delusi, perché non si intravedono nemmeno".

Questo perché la polizia greca ha istituito un posto di blocco allo scavo, che ha lasciato Bernard Boehler, uno storico dell'arte di Vienna, a guardare con desiderio una collina erbosa che oscurava il sito.

"Inutile dire che siamo più che curiosi di vedere un po' di più, ma ci rendiamo conto che c'è una forte sorveglianza e non possiamo avvicinarci", dice Boehler.

Gli archeologi affermano che la segretezza e la sicurezza che circondano la tomba riguardano la correttezza dei fatti. Sono anche preoccupati che i visitatori possano farsi male nel sito parzialmente scavato.

Ma l'operatore sanitario in pensione Giorgos Karaiskakis, che ha visitato tre volte il posto di blocco al sito, afferma di sospettare che le misure siano anche legate al conflitto con la vicina Macedonia – l'ex repubblica jugoslava – su chi possiede Alessandro Magno. Questa scoperta, dice, è solo un'ulteriore prova che Alessandro appartiene alla Grecia.

"Questa grande scoperta non ci tira fuori dalla crisi, perché se non hai soldi, cosa farai?" lui dice. "Ma mostra ancora una volta che la Macedonia è qui, ok? Non lassù con gli slavi."

Indipendentemente da dove si trovi la Macedonia, la tomba probabilmente non contiene il suo figlio più famoso, Alessandro, morto all'età di 32 anni a Babilonia, ora nell'odierno Iraq. Inoltre, non contiene probabilmente la sua famiglia immediata, come suo figlio Alessandro IV, che è probabilmente sepolto in una delle tombe reali di Aigai, l'antica prima capitale della Macedonia che si trova vicino all'attuale città greca settentrionale di Vergina , e probabilmente contiene anche i resti del padre di Alessandro, Filippo II.

Ci ricorda che siamo ricchi, almeno di storia.

Alexandros Kochliariades, un residente locale

Quindi chi potrebbe essere sepolto lì?

Robin Lane Fox, un noto storico dell'Università di Oxford ed esperto di antica Macedonia, afferma che la borsa di studio esistente suggerisce che la tomba potrebbe appartenere a un alto ammiraglio dell'esercito macedone in espansione dell'impero di Alessandro, qualcuno come Nearco, il migliore amico di Alessandro fin dall'infanzia.

In Plutarco La vita di Alessandro, un altro importante amico di Alessandro - Demarato di Corinto - è stato onorato con un tumulo tombale individuale sul suo luogo di sepoltura di dimensioni paragonabili a quello di Anfipoli, dice Lane Fox.

"Quindi il mio sospetto è che questo sia un compagno di alto rango nell'ex esercito di Alessandro, che è tornato indietro o è stato riportato come un corpo alla sua casa ad Anfipoli", dice.

Ma Olga Palagia, un'archeologa dell'Università di Atene, sospetta che la tomba di Anfipoli potrebbe non essere affatto greca, ma romana.

"Nessuno si è reso conto che Anfipoli era un luogo molto significativo nel I secolo a.C. perché era il quartier generale di un enorme esercito romano guidato da Marco Antonio e Ottaviano quando stavano combattendo contro Bruto e Cassio, che avevano ucciso Giulio Cesare", dice.

Athanasios Zournatzis dirige il villaggio di Mesolakkia vicino alla tomba. Sebbene al pubblico non sia stato permesso di visitare la tomba stessa, dice di aver visto un flusso costante di visitatori internazionali da quando è stata annunciata la scoperta. "Eravamo solo un sonnolento villaggio di coltivatori di tabacco e mandorle", dice. "Ora, improvvisamente siamo un'attrazione turistica." (Joanna Kakissis per NPR)

Palagia, un esperto di scultura antica, non ha visitato il sito, ma dice che le sculture di Anfipoli sembrano romane, non greche. Se la tomba è un monumento ai generali romani, dice, non significherà molto per la Grecia.

"I greci moderni sono molto insulari, introversi ed estremamente traumatizzati dalla crisi finanziaria", dice. "Penso che si sentiranno davvero imbrogliati se non è greco."

Peristeri, il principale archeologo di Anfipoli, insiste sul fatto che il sito è greco, senza dubbio.

Questo è anche il sentimento di Mesolakkia, dove i cittadini ricordano un archeologo greco di nome Dimitris Lazaridis, che per primo scoprì il tumulo di Anfipoli negli anni '50 ma finì i soldi per scavarlo. Lazaridis ha affermato di sospettare anche che la tomba contenesse una grande tomba macedone.

"Ne era sicuro", dice Alexandros Kochliariades, che ha lavorato per 30 anni come guardia per Lazaridis, che ha scavato altri siti nella zona. "Ora, a distanza di tanti anni, la sua ipotesi si sta rivelando vera".

Kochliarides sorseggia un caffè in un bar di una stazione di servizio vicino a Mesolakkia, il villaggio che ora è diventato il punto zero di quella che un archeologo ha chiamato "Anfipolimania". La guardia in pensione dice di capire perché la tomba significhi così tanto per i greci in questo momento, che hanno subito un pestaggio psicologico oltre che economico durante i quattro anni della crisi del debito.

"Ci ricorda che siamo ricchi, almeno nella storia", dice. "E quell'Anfipoli una volta era la mela di un impero."


Carmona

Carmonenses, quae est longa firmissima totius provincia civitas.”

(Carmona è di gran lunga la città più forte della provincia.)

- Giulio Cesare (Commenti di Bello Civile)

In passato, Carmona era uno dei principali insediamenti enclave sul basso Guadalquivir con quasi cinquemila anni di occupazione continua. Il suo “potente muro” fu menzionato da Giulio Cesare nel suo De Bello Civile mentre la città ricevette la dispensa per coniare una propria moneta che portasse il nome di “Carmo.” Carmo divenne un importante crocevia sulla Via Augusta e un importante avamposto nell'impero romano. A Carmona sono visibili due mosaici, uno al Museo Civico con un'allegoria della stagione estiva e un altro al Palazzo Comunale con la testa di Medusa.

Museo de la Ciudad de Carmona

Frammento di mosaico con allegoria della stagione estiva, II-III secolo d.C., Museo de la Ciudad de Carmona. Immagine © Li Taipo (CC BY-NC-ND 2.0).

Ayuntamiento de Carmona

Il cortile del Palazzo Comunale di Carmona custodisce un importante mosaico romano, ritrovato nel centro storico del paese.

Mosaico con la testa di Medusa circondata da allegorie delle Quattro Stagioni, Ayutamiento Carmona. Immagine © Carole Raddato.

Un altro mosaico mostra la testa di Medusa, una delle tre figlie della dea marina Forte, come motivo centrale. Il volto tondo e infantile di Medusa è raffigurato con tessarea di pasta vitrea multicolore di grande forza. Tuttavia, le tessarea che incorniciavano l'immagine di Medusa non sono sopravvissute. Il resto del pavimento è decorato con motivi geometrici, composti da rettangoli su fondo nero e quadrati a nodo di Salomone su fondo chiaro.

Mosaico con Medusa raffigurante dal volto rotondo e infantile, II secolo d.C., rinvenuto nel 1959 presso la Plaza de la Corredera, Salón de los Mosaicos (Sala dei Mosaici) – Alcazar dei Re Cristiani, Cordoba. Immagine © Carole Raddato.

Scultura dell'Antico Egitto


Osiride, Iside e Horus (874-850 a.C.)
Gioielli decorativi in ​​oro,
lapislazzuli e vetro.

ARTE EGIZIANA: CRONOLOGIA
Scultura, pittura e architettura
dell'antico Egitto è tradizionalmente
suddivisa in queste dure epoche.
ANTICO REGNO D'EGITTO
1a e 2a dinastia
2920-2650 aC
VECCHIO REGNO D'EGITTO
3a-11a dinastia
2650-1986 aC
MEDIO REGNO D'EGITTO
XI-XVII dinastia
1986-1539 a.C.
NUOVO REGNO D'EGITTO
18a-24a dinastia
1539-715 a.C.
TARDO REGNO D'EGITTO
25a-31a dinastia
712-332 aC
PERIODO FINALE
Era tolemaica (323-30 a.C.)
Periodo della dominazione romana (30 a.C. - 395 d.C.)

ARTE DELL'ISLAM
Per una breve rassegna delle influenze
e storia delle arti musulmane sull'Egitto,
vedi: Arte islamica.

I MIGLIORI SCULTORI DEL MONDO
Per un elenco dei 100 migliori artisti 3D
(500 aC - ora), vedere:
I più grandi scultori.

LA PI GRANDE ARTE 3D DEL MONDO
Per un elenco di capolavori
di famosi scultori, vedi:
Le più grandi sculture di sempre.

SVILUPPO STORICO
Per un elenco di date importanti nel
evoluzione della scultura/3D opere,
compresi i movimenti, le scuole,
e artisti famosi, vedere:
Storia dell'arte (Rassegna dei movimenti)
Cronologia dell'arte preistorica (fino al 500 a.C.)
Cronologia della storia dell'arte.

DIVERSE FORME DI ARTI
Per definizioni, significati e
spiegazioni di arti diverse,
vedi Tipi di arte.

La scultura dell'antico Egitto era strettamente associata all'architettura egiziana e riguardava principalmente il tempio e la tomba funeraria. Il tempio fu costruito come se fosse la tomba o il luogo del riposo eterno di una divinità la cui statua era nascosta all'interno di una successione di sale chiuse, aperte alla vista solo per breve tempo, quando il sole o la luna o una particolare stella raggiungevano un punto sul l'orizzonte da cui i loro raggi splendevano direttamente sul santuario più interno. Queste statue divine venivano consultate come oracoli e raramente erano di dimensioni imponenti. Scultori furono impiegati anche per rilievi murali, capitelli di colonne, figure colossali a guardia dei piloni, e per lunghi viali di sfingi. Le illustrazioni murali sulle pareti del tempio raffigurano tipicamente la pietà dei Faraoni e le loro conquiste straniere.

Le tombe egizie richiedevano l'uso più esteso della scultura. In queste volte erano collocate le statue con i ritratti del re o della regina defunti. Inoltre, questo tipo di scultura preistorica comprendeva statue di funzionari pubblici, scribi e gruppi raffiguranti un uomo e sua moglie. Le pareti delle prime tombe egizie assomigliano, in effetti, a un libro illustrato dei costumi e dei costumi della popolazione. Le scene illustrative presentano attività come la caccia, la pesca e l'agricoltura, attività artistiche e commerciali, come la realizzazione di statue, o oggetti in vetro o metallo, o la costruzione di donne piramidali che svolgono lavori domestici, o lamenti per i ragazzi morti impegnati in gli sport. Tali rilievi rivelano una fiducia fiduciosa nel futuro come una sorta di estensione serena della vita presente. Durante i periodi successivi dell'arte egizia, a cominciare dalle tombe del Nuovo Impero, gli dei appaiono più prominenti nelle scene di giudizio che indicano meno certezza sulla felicità dello stato futuro.

Per ulteriori informazioni sulla costruzione di tombe e altri progetti architettonici nell'Antico Egitto, vedere: Architettura dell'antico Egitto (tombe piramidali grandi) Architettura del Medio Regno egiziano (piccole piramidi) Architettura del Nuovo Regno egiziano (templi) Architettura del tardo Egitto (varietà di edifici).

Oltre a rappresentare gli dei della civiltà egizia, gli scultori ritraevano anche gli oggetti minori di uso domestico e quotidiano, compresi i mobili per la casa con i suoi opulenti divani, tavoli e cassapanche e tutte le forme di lavorazione dei metalli e gioielli. Oggetti come scatole da toilette, specchi e cucchiai erano rappresentati da forme derivate dal mondo floreale, animale o umano. Le piante sacre, in particolare il loto, costituirono la base naturalistica di una vasta e variegata classe di forme che andarono a influenzare l'arte decorativa di tutto il mondo antico.

Materiali scultorei e strumenti

Nella valle del Nilo crescevano l'acacia sacra e il sicomoro, che fornivano allo scultore materiale per statue e sarcofagi, per troni e altri oggetti d'arte industriale. I pendii su entrambe le rive del Nilo, a sud fino a Edfou, fornivano un calcare nummulitico grossolano, e oltre Edfou c'erano estese cave di arenaria, entrambi materiali utilizzati per scopi scultorei e architettonici. Vicino alla prima cataratta si possono ancora vedere le cave di granito rosso utilizzate non solo per obelischi, ma anche per enormi statue, sfingi e sarcofagi. L'alabastro è stato estratto nell'antica città di Alabastron, vicino al moderno villaggio di Assiout. Dalle montagne del deserto arabo e dalla penisola del Sinai provenivano il basalto e la diorite impiegati dai primi scultori, il porfido rosso apprezzato soprattutto dai greci e dai romani, e il rame. Anche il fango del fiume Nilo veniva modellato e cotto, e ricoperto di smalti colorati, dalle prime dinastie della storia egiziana. Nello stesso primo periodo troviamo lo scultore egiziano che maneggiava con grande destrezza numerosi materiali di importazione, come ebano, avorio, ferro, oro e argento. L'intaglio dell'avorio, ad esempio, era ampiamente praticato e veniva utilizzato nella scultura crisoelefantina, per le opere più importanti.

Quando gli scultori egizi volevano dare maggiore stabilità alle loro sculture, come, ad esempio, alle statue e ai sarcofagi dei loro re faraoni, usavano i materiali più duri, come basalto, diorite, granito. Manipolavano questa pietra dura con non meno abilità di quanto non facessero con il legno, l'avorio e le pietre più morbide.

I dettagli fini sono stati probabilmente applicati con strumenti in selce. Altri strumenti, realizzati in bronzo o ferro temprato, erano la sega con denti ingioiellati, trapani tubolari di vario tipo, la lancetta e lo scalpello. Le statue di pietra dura erano meticolosamente lucidate con arenaria frantumata e la pietra smerigliata più morbida era tipicamente ricoperta di stucco e dipinta, il pigmento veniva applicato in modo arbitrario o convenzionale.

Statue e statuette egiziane

Gli artisti egiziani producevano un'ampia varietà di piccole figure in argilla, osso e avorio, molto prima dell'emergere di uno stile formale di scultura al momento dell'unificazione delle Due Terre d'Egitto. Alcune statuette fragili sono state trovate in tombe preistoriche. La tradizione di realizzare tali oggetti è sopravvissuta fino al Nuovo Regno. L'osso e l'avorio furono usati per realizzare figure femminili stilizzate di elaborata fattura tra il 4.000 e il 3.000 a.C. L'argilla, che era più facile da modellare, è stata modellata in rappresentazioni di molte specie di animali, facili da identificare perché le loro caratteristiche sono state catturate da un'attenta osservazione. Vedi anche: Scultura mesopotamica (c.3000-500 aC).

Nel 3000 aC circa, le statuette d'avorio venivano scolpite in uno stile più naturalistico e molti frammenti sono sopravvissuti. Uno dei più belli e completi è stato trovato ad Abydos, raffigurante un re sconosciuto, raffigurato in costume da cerimonia (British Museum, Londra). Indossa l'alta Corona Bianca dell'Alto Egitto e un corto mantello decorato a losanghe. Cammina con sicurezza in avanti nella posa usata per tutte le statue maschili in piedi in epoca dinastica, piede sinistro davanti al destro. La qualità dell'intaglio è mostrata nel modo in cui la veste è avvolta strettamente sulle spalle arrotondate e la testa è spinta in avanti con determinazione e forza di volontà.

Da questo periodo, appena precedente la I dinastia, ci sono prove che gli scultori stavano facendo grandi progressi e usavano legno e pietre di vario genere. Questo sviluppo continuò durante il periodo arcaico, quando furono realizzati i primi tipi più grandi di statue reali. Anche il lavoro in metallo ha fatto progressi. Statuette in rame in miniatura e amuleti d'oro sono stati trovati nelle tombe, mentre un'iscrizione della II dinastia registra la realizzazione di una statua reale in rame.

Statue Egizie: Convenzioni Artistiche

La statuaria egizia era fatta per essere collocata in tombe o templi e di solito era pensata per essere vista di fronte. Era importante che il viso guardasse dritto davanti a sé, nell'eternità, e che il corpo visto di fronte fosse verticale e rigido, con tutti i piani che si intersecavano ad angolo retto. A volte si verificano variazioni, ad esempio le grandi statue sono state fatte per guardare leggermente in basso verso lo spettatore, ma esempi in cui il corpo è fatto piegare o la testa per girare sono molto rari nella scultura formale. Di solito è accettato che i migliori artigiani lavorassero per il re e stabilissero i modelli seguiti da altri che producevano sculture in pietra, legno e metallo per i suoi sudditi in tutto l'Egitto. L'Antico e il Medio Regno in particolare videro la produzione di molte statue e piccole figure che venivano poste nelle tombe di persone abbastanza comuni per fungere da sostituti del corpo in caso di distruzione, per fornire una dimora eterna al ka. La qualità era desiderabile, ma non era particolarmente importante, poiché la statua era incisa con il nome del defunto, veniva identificata con lui. Infatti era possibile rilevare una statua semplicemente alterando l'iscrizione e sostituendo un altro nome. Ciò è stato fatto anche al più alto livello e i re spesso hanno usurpato le statue commissionate dai sovrani precedenti. Si credeva anche che fosse possibile distruggere la memoria di un predecessore odiato o temuto hackerando nomi e titoli dai suoi monumenti. Questo è successo a molte delle statue di Akhenaton e i nomi di Hatshepsut sono stati cancellati da Tuthmosis III.

La maggior parte delle statue ka trovate nelle tombe dei nobili dell'Antico Regno seguono un precedente reale. Le tombe reali di Gizeh e Saqqara erano circondate da città dei morti, poiché i funzionari cercavano di essere sepolti vicino al loro re e di passare nell'eternità con lui. Gradualmente le credenze un tempo associate al re o alla sua famiglia immediata furono adottate dai suoi nobili, e poi da persone meno importanti, finché tutti alla loro morte sperarono di identificarsi con Osiride, il re morto ma la qualità, le dimensioni e il materiale del la statua di ka sepolta in una tomba dipendeva dalla prosperità e dai mezzi del suo proprietario.

Le prime sculture private, come quelle reali che imitavano, erano molto nella tradizione rituale. In epoche successive gli artigiani, in particolare quelli che lavorano il legno, realizzavano spesso piccole figure di grande fascino quando non si sentivano vincolati da convenzioni religiose. Queste piccole statuette erano spesso realizzate per uno scopo pratico e trasportavano contenitori che contenevano sostanze cosmetiche in seguito furono sepolte tra gli oggetti personali dei loro proprietari.

Nota: gli artisti plastici egiziani avrebbero esercitato una notevole influenza sulla scultura africana dell'Africa sub-sahariana, comprese le opere del Benin e dello Yoruba nell'Africa occidentale.

Scultura egiziana in rilievo

La scultura in rilievo egiziano viene eseguita in vari modi, come segue:

(1) Bassorilievo, dove le figure sporgono leggermente dallo sfondo.
(2) Rilievo infossato, dove lo sfondo sporge davanti alle figure.
(3) Rilievo di contorno, dove vengono cesellati solo i contorni delle figure.
(4) Altorilievo, dove le figure proiettano una certa distanza dallo sfondo.

Praticamente tutte le sculture murali dell'Antico Impero Egizio sono in forma di bassorilievo, mentre il rilievo affondato e il rilievo sono le tecniche scultoree più comuni utilizzate durante il Nuovo Impero. L'altorilievo si trova occasionalmente nelle tombe dell'Antico Impero, ma è principalmente limitato al Nuovo Impero e a forme come i moli di Osiride e Hathoric e anche alle statue a parete. Nel trattamento delle figure a tutto tondo, l'antica scultura egiziana si limita a poche forme. Questi includono: la figura in piedi, con il piede sinistro leggermente davanti al destro, la testa eretta e gli occhi che guardano avanti. Le variazioni si ottengono cambiando la posizione delle braccia. Nelle figure sedute c'è la stessa posa fissa della testa, del corpo e degli arti inferiori. Accanto a queste, le pose in ginocchio e accovacciate si ripetono frequentemente, con poche variazioni. Le statue a tutto tondo raffiguravano solitamente divinità, faraoni o funzionari civici, e venivano composte con particolare riferimento al mantenimento delle linee rette. Ma se i maggiori monumenti di stato erano limitati nel tipo e nella posa, tutta una serie di statue raffiguranti soggetti domestici era composta molto più liberamente. Poca importanza è stata data al raggruppamento. Di solito era una semplice giustapposizione di due statue in piedi o due sedute, o di una persona in piedi e una persona seduta. Un dio e un uomo, o un marito e una moglie, erano posizionati fianco a fianco. Nei gruppi familiari si aggiungeva saltuariamente la figura di un bambino.

Il simbolismo era molto usato nelle sculture che rappresentavano gli dei. Quando raffigurati in forma umana erano distinti da emblemi, ma erano più spesso rappresentati come creature composite con teste di animali su corpi umani. Così, per esempio, Horus ha la testa di un falco Anubis, la testa di uno sciacallo Khnum, un ariete Thoth, un ibis Sebek, un coccodrillo Iside, un motivo decorativo. Sulle pareti esterne dei templi erano disposte in modo tipico e irregolare sulla superficie, ma sulle pareti interne erano accuratamente disposte in file orizzontali. Non erano realmente immagini, ma pitture scritte in rilievo, e spesso erano poco più che geroglifici ingranditi. Essendo tale il loro carattere, c'era poco stimolo per esaltare la loro composizione artistica.

Composizione a rilievo significava semplicemente disporre le figure in linee orizzontali in modo da registrare un evento o rappresentare un'azione. Le figure principali si distinguevano dalle altre per le loro dimensioni: gli dei erano più grandi degli uomini, i re più grandi dei loro seguaci e i morti più grandi dei vivi. Le azioni subordinate erano giustapposte in bande orizzontali. Sotto altri aspetti, l'unità d'effetto aveva poca importanza e lo spazio vuoto era tipicamente riempito di figure e geroglifici sul principio che la natura aborrisce il vuoto. In composizioni di questo tipo, costruite come frasi, c'era poco bisogno di prospettiva. Le scene non sono state rappresentate come apparivano all'interno del campo visivo: invece, le singole componenti erano tutte portate sul piano della rappresentazione e disposte come una scrittura. Ad esempio, la rappresentazione di un uomo - che potrebbe essere raffigurato con la testa di profilo, ma con gli occhi in faccia, con le spalle in avanti, ma il tronco girato di tre quarti e le gambe di profilo - non è l'immagine di un uomo come appare alla vista ma è piuttosto una rappresentazione simbolica di un uomo - un'immagine che era perfettamente chiara alla maggior parte degli spettatori. Allo stesso modo simbolico uno stagno potrebbe essere indicato da un rettangolo, il suo contenuto d'acqua da linee a zig-zag, mentre confina con alberi proiettati dai quattro lati del rettangolo. Era raffigurato un esercito militare con i suoi ranghi più distanti portati nel piano di rappresentazione e disposti in linee orizzontali l'uno sopra l'altro. In alcuni casi sono stati suggeriti gli effetti della prospettiva, ma essendo in gran parte superflui ai fini dell'arte egiziana, sono rimasti minimalisti.

Come le statue egizie rappresentavano il corpo permanente del defunto, così le sculture-rilievo (di solito ricoperte di stucco, poi dipinte) rappresentavano le situazioni in cui il suo corpo etereo poteva continuare a muoversi. Non erano concepiti come mere decorazioni architettoniche, ma avevano principalmente una funzione di registrazione o immortalizzazione. Ornavano le pareti esterne ed interne dei templi, così come le gallerie e le pareti delle tombe, con scarso riguardo per considerazioni estetiche o colori usati, erano vividi nel tono, pochi nel numero e durevoli nella qualità. Sono stati applicati in masse piatte uniformi e disposti in forti contrasti, mentre tecniche come il chiaroscuro e la prospettiva cromatica sono rimaste del tutto estranee all'arte pittorica egiziana. Infatti la pittura dei rilievi era puramente funzionale e serviva a rendere le figure più distinte, piuttosto che più naturali. Il pigmento era usato raramente per indicare la rotondità della forma e veniva applicato in modo puramente convenzionale. I volti degli uomini erano dipinti di marrone rossastro e quelli delle donne di giallo, sebbene gli dei potessero avere volti di qualsiasi colore. Come i rilievi, le statue scolpite in legno e quelle in pietra tenera erano spesso trattate con stucco e pittura, in modo simile.

Storia e sviluppo della scultura egiziana

Nonostante la ricchezza dei materiali e la quantità di produzione, la scultura egiziana è cambiata così gradualmente che non è facile tracciare un preciso percorso evolutivo - fin dalle prime dinastie troviamo un'arte pienamente sviluppata. Anche in questa fase iniziale, gli artisti 3D egiziani hanno dimostrato una maestria nella scultura in pietra dura e nella scultura in bronzo, e non esiste un periodo arcaico o prototipo per illustrare come è stata raggiunta questa maestria. La cultura egiziana non ci ha ancora illuminato sulle sue forme d'arte preistoriche, né sappiamo di un idioma straniero preesistente o di un insieme di abilità che potrebbe aver preso in prestito o acquisito, tranne forse l'arte della Mesopotamia nell'odierno Iraq. Quindi, in generale, indipendentemente dalla sua origine, l'arte egizia durante il periodo storico è caratterizzata più dalla sua continuità che dai suoi cambiamenti evolutivi. Anche così, la scultura egiziana può in una certa misura essere distinta da un periodo all'altro.

Nota: per un'indagine sull'evoluzione della scultura occidentale, vedere: Storia della scultura.

Scultura in pietra egiziana

Fu tra la fine della II e l'inizio della III dinastia, a partire dal 2.700 a.C. circa, che si stabilì quello che potrebbe essere definito il caratteristico stile antico-egiziano di scultura in pietra, uno stile trasmesso attraverso circa 2.500 anni al periodo tolemaico con solo piccole eccezioni e modifiche. Le caratteristiche predominanti di questo stile sono la regolarità e la simmetria delle figure, solide e quadrilatere sia in piedi che sedute.

Si dice che Michelangelo abbia creduto che un blocco di pietra contenesse una scultura, per così dire in embrione, che era compito dell'artista rivelare. La tipica figura compiuta antico-egiziano dà una forte impressione del blocco di pietra da cui è stata scolpita. Gli artisti rimuovevano un minimo assoluto di pietra grezza, lasciando comunemente le gambe fuse in una massa solida a un pilastro dello schienale, le braccia attaccate ai lati del corpo, mentre le figure sedute venivano saldate alle loro sedie. Non che queste sculture sembrino goffe o rozze, trasmettono un'impressione di severa eleganza, una purezza di linea che suggerisce con la sua tensione un'energia contenuta.

Le prime fasi della realizzazione di una statua, come del rilievo e della pittura, prevedevano la stesura di un bozzetto preliminare. Un blocco di pietra è stato modellato grossolanamente e la figura da scolpire è stata disegnata su almeno due lati per dare la vista frontale e laterale. Successivamente, una griglia quadrata garantiva che le proporzioni della statua sarebbero state fatte esattamente secondo le regole fissate all'inizio dell'epoca dinastica. I disegni principali, alcuni dei quali sono sopravvissuti, erano disponibili per riferimento. Un buon esempio è un tavolo da disegno in legno con uno strato di gesso, ora al British Museum di Londra. Una figura seduta di Thutmosi III, 1504-1450 a.C., prima abbozzata in rosso e poi delineata in nero, è stata disegnata su una griglia di piccoli quadrati finemente governati. I maestri artigiani dopo anni di pratica sarebbero in grado di lavorare istintivamente, ma gli scultori inesperti terrebbero questi disegni a portata di mano per un facile riferimento.

L'effettiva scultura di una statua comportava il duro lavoro di battere e scheggiare il blocco su tutti i lati fino a quando il contorno approssimativo della figura era completo. Sono state introdotte nuove linee guida, quando è diventato necessario mantenere gli attrezzi che tagliano ad angolo retto il blocco da tutti i lati. Le pietre più dure, come il granito e la diorite, venivano lavorate ammaccando e battendo con pietre dure a martello, abradendo così gradualmente il blocco genitore. Il taglio per mezzo di seghe metalliche e trapani, aiutati dall'aggiunta di un abrasivo come la sabbia di quarzo, serviva a lavorare gli angoli scomodi tra le braccia e il corpo, o tra le gambe. Ogni fase era lunga e noiosa e gli strumenti di rame e bronzo dovevano essere riaffilati costantemente. La lucidatura ha rimosso la maggior parte dei segni degli utensili, ma su alcune statue, in particolare quelle molto grandi come le enormi figure di Ramesse II al tempio di Abu Simbel, sono ancora visibili tracce dei segni fatti da trapani tubolari. Per una statua colossale, un'impalcatura è stata eretta attorno a una figura, consentendo a molti uomini di lavorarci contemporaneamente. Il calcare, ovviamente, era più morbido e quindi più facile da lavorare con scalpelli e trapani.

Le statue incompiute forniscono un'utile testimonianza dei processi coinvolti. La maggior parte di loro ha mostrato che il lavoro procedeva in modo uniforme da tutte le parti, mantenendo così l'equilibrio della figura. Una testa in quarzite, forse della regina Nefertiti, trovata in un'officina ad Amarna, intorno al 1360 aC, è ovviamente prossima al completamento (Museo Egizio, Il Cairo). Probabilmente era destinato a far parte di una statua composita, e la sommità della testa è stata sagomata e lasciata grezza per accogliere una corona o una parrucca di altro materiale. La superficie del viso sembra pronta per la lisciatura e pittura finale, ma le linee guida sono ancora lì per indicare la linea dei capelli e il piano mediano del viso. Linee un po' più spesse che segnano il contorno degli occhi e delle sopracciglia fanno sembrare che fosse previsto un ulteriore lavoro, da ritagliare per consentirne l'intarsio con altre pietre in modo che la testa fosse davvero realistica una volta terminata.

NOTA: per esempi di precedenti opere mediorientali di arte sumera (c.3.000 a.C.), vedere La leonessa di Guennol (3000 aC, Collezione privata) e il Ariete in un boschetto (2500 a.C., British Museum). Per la scultura contemporanea, vedere ad esempio il toro alato con testa umana e il leone (859 a.C.) dal palazzo di Ashurnasirpal a Nimrud, e i rilievi in ​​alabastro delle cacce al leone raffiguranti Ashurnasirpal II e Ashurbanipal, entrambi esempi caratteristici dell'arte assira (c.1500- 612 a.C.).

Scultura egiziana durante l'antico impero

L'arte dell'Antico Impero era incentrata sulla città di Menfi, sebbene anche il Delta, Abydos, il quartiere di Tebe e Elefantina ci forniscano esempi di alcune delle sue fasi successive. Nessun tempio è sopravvissuto di questo periodo le sculture provengono esclusivamente da tombe. Nel carattere queste sculture di Memphite sono fortemente naturalistiche se confrontate con la successiva arte egizia.Le statue dei ritratti sono varie e spesso sorprendenti nel carattere, mentre i murales raffigurano numerose scene della vita quotidiana. Forme generalizzate o tipiche includono la sfinge monumentale di Giza e le statue di Chefren, il costruttore della seconda piramide. La tendenza naturalistica di questo stile artistico di Memphis ha portato a un particolare trattamento dell'occhio, una tecnica vista nelle statue di questo periodo (realizzate in pietra calcarea, legno e bronzo, ma non nelle statue fatte di rocce basaltiche), sebbene successivamente interrotta. La pupilla era rappresentata da un lucido chiodo d'argento incastonato in cristallo di rocca o smalto, le ciglia scure essendo di bronzo. Le teste di queste statue dell'Antico Impero rivelano un marcato "tipo egiziano", anche se in alcuni casi non del tutto non mescolato con negroidi e altre razze straniere. Sebbene fossero rappresentate forme del corpo snelle, corpi corti, tozzi, a volte muscolosi erano eventi più comuni. Dati i moltissimi uomini e donne di mezza età che sono stati raffigurati, sembra che l'infanzia e la vecchiaia non fossero paradigmi chiave nella vita futura. Nel complesso, i volti riflettono un popolo pacifico e felice, per il quale la vita futura non offriva grandi cambiamenti o incertezze. Le sculture murali ei geroglifici eseguiti in bassorilievo, erano tipicamente finemente scolpiti.

Scultura egiziana durante il Medio Impero

L'arte scultorea del periodo noto come Medio Impero può essere suddivisa in due sottoperiodi: il primo periodo tebano, dall'XI alla XV dinastia, e il periodo Hyksos, dalla XV alla XVIII dinastia. Ormai il centro del governo egiziano si era spostato da Menfi a Tebe.

L'ultimo periodo del dominio di Menfi e l'XI dinastia (Impero di Mezzo) produssero poche sculture di valore duraturo, ma il periodo successivo degli Usertesens e degli Amenemhat della XII dinastia vide una rinascita della creatività egiziana. In generale, la scultura era semplicemente una continuazione dell'arte di Memphis, ma alcuni cambiamenti erano già evidenti. C'era un desiderio generale di statue di Faraoni più grandi, mentre le forme corporee iniziavano ad acquisire tronchi, braccia e gambe più sottili. Le sculture da parete si concentravano su soggetti simili a quelli dei giorni precedenti, ma erano meno individuali, meno naturali e, in molti casi, i dipinti murali sostituivano le sculture in rilievo. Le statue del tempio della XII dinastia di Karnak rivelano che le offerte votive di statuaria non erano rare, mentre la bella statua di Sebekhotep III (Louvre, Parigi) della XIII dinastia, rivela una nuova partenza nell'arte dello scultore.

Questo revival dell'Egitto, iniziato nel XII e continuato attraverso la XIII dinastia, conobbe una pausa nelle dinastie 14 e 15 a causa dei crudeli sovrani stranieri noti come Hyksos o Re Pastore. Le affinità etnologiche di questi Re Pastori rimangono una questione irrisolta, le influenze shemitiche che hanno introdotto sono controbilanciate dal loro tipo facciale turanico. Le sfingi e le statue erano ancora eseguite da scultori egiziani, ma nel granito grigio o nero di Hammanat o della penisola del Sinai, piuttosto che nel granito rosso di Assouan. I centri di attività degli Hyksos erano Tanis e Bubastis, la cui influenza era più debole nell'Alto Egitto. La caratteristica più notevole della loro scultura era lo stile del viso non egiziano, che mostrava occhi piccoli, zigomi alti, folta ciocca di capelli, naso aquilino, bocca forte con labbro superiore ben rasato e barba e barba corta. .

Scultura egiziana durante il Nuovo Impero

La prima parte del Nuovo Impero comprendeva le dinastie 18th, 19th e 20th. L'Egitto si liberò ora dal dominio degli Hyksos e allargò il suo impero per includere l'Assiria, l'Asia Minore e Cipro a nord e ad est, e la Nubia e l'Abissinia a sud. Furono eretti molti grandi templi, soprattutto durante il regno di Seti I. e Ramses II, che portarono a numerose commissioni per nuove sculture. E poiché i templi monumentali portavano naturalmente alla statuaria monumentale, le statue di Amenofi III, a Tebe, sono alte 52 piedi, quelle di Ramses II, a Ipsamboul, sono alte 70 piedi, mentre la scultura di Ramses a Tanis, era alta 90 piedi. escludendo il suo piedistallo. Le sottili proporzioni della forma umana che erano popolari nella XII e XIII dinastia furono continuate e persino avanzate, in particolare nei bassorilievi del Nuovo Impero. La semplicità dell'abbigliamento, prevalente in passato, è stata ora sostituita da indumenti più ricchi e ornamenti personali più elaborati, mentre le corone non erano rare. Un altro cambiamento riguardava lo sfondo e l'ornamentazione: le varietà d'oltremare di fauna e flora, così come uomini e donne stranieri, furono raffigurate più frequentemente e in maggiore varietà rispetto a prima.

Per il resto, il soggetto per la scultura e la pittura è rimasto relativamente costante. Le scene di guerra e conquista sono rimaste comuni, così come le immagini degli dei - un piccolo tempio situato a Karnak conteneva oltre 550 statue della dea Sekhet-Bast - e dei Re - vedi la bellissima statua seduta di Ramses II (Museo di Torino), e le belle teste della regina Taia e Horemheb e le straordinarie sculture in rilievo in pietra calcarea del tempio di Seti ad Abydos. Tuttavia, a Tell-el-Amarna il re rivoluzionario Khou-en-Aten incoraggiò i suoi scultori a rompere con i temi tradizionali e a rappresentare palazzi, ville, giardini, carri alla guida e feste.

Le tombe reali del Nuovo Impero esibiscono la consueta alta qualità della scultura in rilievo, ma la richiesta di intagli per le pareti esterne dei templi sembra aver superato di gran lunga l'offerta di scultori creativi. In ogni caso, gli standard artistici diminuirono notevolmente dopo il glorioso regno di Ramses II. In effetti, lo stesso Egitto ha vissuto un graduale ma significativo declino. Durante l'ultimo periodo del Nuovo Impero, dalla 21° alla 32° dinastia, il paese ebbe fine ed essa fu costretta a cedere agli Etiopi, agli Assiri e ancora agli antichi Persiani. La sede dell'impero egiziano si trasferì più volte: prima a Tanis, a Mendes, poi a Sebennytos, e per lungo tempo rimase a Sais, quindi questo periodo è solitamente classificato come il periodo Saite.

In tali condizioni mutevoli e imprevedibili gli artisti, in particolare gli scultori, hanno lottato per trovare temi e stili appropriati e spesso sono tornati alle forme dell'Antico Impero per trarre ispirazione. Ci sono stati occasionalmente sviluppi più positivi. Il re Psammetico I sostenne un revival artistico minore durante la 26° dinastia, restaurando templi e commissionando più pittura e scultura. Gli scultori lavorarono ancora le pietre più dure, come per dimostrare che la loro conoscenza e padronanza della tecnica era ancora intatta. Tuttavia, molte opere di questa dinastia, come le statue in basalto verde di Osiride e Nefti e la statuetta di Psammetico I nel museo di Giza, rivelano che le forme scultoree dominanti erano effeminate e raffinate piuttosto che taglienti e vigorose come prima.

Scultura egizia durante il periodo greco-romano

Durante il periodo dell'antichità classica, quando l'Egitto fu soggiogato da Alessandro Magno, la sua arte non cambiò dall'oggi al domani per assecondare il gusto di questi nuovi e potenti greci. I templi tolemaici - sebbene caratterizzati da una serie di modifiche, in particolare nei capitelli delle colonne - non furono costruiti come i templi greci, in stile ellenico. Allo stesso modo, le statue tolemaiche rimasero egiziane. E mentre i successori di Alessandro divennero faraoni, non convertirono gli egiziani in greci. Tuttavia, lo sviluppo delle città greche in Egitto - che era in corso dal VII secolo a.C. - e la conquista macedone dell'Egitto portarono a uno stile artistico misto greco-egiziano. E sebbene i romani continuassero a restaurare templi dell'Antico e Medio Impero in stile egiziano, anch'essi incoraggiarono una forma di scultura in cui i motivi classici e l'iconografia avevano la precedenza su uno stile "egiziano".

Scultura reale egiziana

È la sequenza della scultura reale formale, tuttavia, che mostra più chiaramente i cambiamenti nei dettagli e nell'atteggiamento avvenuti durante i molti secoli della storia egiziana. Sfortunatamente pochissima scultura reale è sopravvissuta dai primi periodi, ma uno degli esempi più antichi è anche uno dei più impressionanti. Questa è la statua in pietra calcarea a grandezza naturale del re Djoser, circa 2.660-2.590 a.C., trovata in una piccola camera nel complesso del tempio della piramide a gradoni, progettata dall'architetto Imhotep (Museo Egizio, Il Cairo). Una volta sul posto, la statua non sarebbe mai più stata vista dagli occhi dei vivi. Fu realizzato per fornire una dimora per il ka del re dopo la sua morte, e fu murato in una nicchia. Furono lasciati due fori di fronte agli occhi in modo che potesse affacciarsi sulla cappella adiacente dove si dovevano fare le offerte quotidiane. Il re, seduto su un trono quadrato, è avvolto in un mantello. Il volto, incorniciato da un'ampia parrucca, è impassibile e pieno di cupa maestà, veicolata nonostante i danni provocati dai ladri che gli hanno cavato gli occhi intarsiati. Statue più piccole di nobili delle prime tre Dinastie, seduti nella stessa posizione con la mano destra sul petto, trasmettono una forte impressione della densità della pietra da cui sono state scolpite.

La magnifica statua in diorite di Khephren, 2.500 a.C. circa (Museo Egizio, Cairo), costruttore della seconda piramide di Giza, un tempo si trovava con altre 22 persone nella lunga sala del Tempio della Valle. La postura del re è leggermente cambiata rispetto a quella della statua di Zoser, e ora entrambe le mani poggiano sulle ginocchia. Il dettaglio del corpo, non più avvolto da un mantello, è superbamente eseguito. Protetto dal falco del dio Horus, il re siede solo con la calma certezza della sua divinità. Questa statua doveva essere vista nel tempio, e il potere del re è sottolineato dal disegno scolpito ai lati del trono che simboleggiava l'unione dei regni dell'Alto e del Basso Egitto con un nodo di papiri e piante di loto.

Gli scultori rappresentavano i sovrani dell'Antico Regno come divinità sulla terra. Durante il Medio Regno i frammenti sopravvissuti di statue reali mostrano una stirpe di sovrani che avevano raggiunto la loro divinità con il proprio potere e forza di personalità. La natura distaccata e solitaria della regalità appare nei loro ritratti, ma è combinata con la consapevolezza di una personalità umana sotto le trappole della regalità. Le teste e le statue di questi sovrani del Medio Regno danno l'impressione di essere veri ritratti, scolpiti da artigiani di consumata abilità.

Durante il Nuovo Regno le linee scompaiono dai volti dei re, che guardano nell'eternità con espressioni limpide. Molte più statue sopravvivono rispetto ai periodi precedenti e alcuni re, come Tuthmosis III e Ramesse Il, avevano centinaia di busti e altre opere scolpite per decorare i templi che eressero per gli dei. Molte statue mostrano caratteristiche prese dalla vita, come il grande naso adunco di Thutmosi III, ma i volti sono stati idealizzati. Dal regno della regina Hatshepsut in poi c'è una certa morbidezza nell'espressione e una raffinatezza nel trattamento del corpo. La scultura durante il Nuovo Regno è tecnicamente splendida, ma manca qualcosa del potere latente della scultura reale dell'Antico e del Medio Regno.

Esempi sopravvissuti di scultura egizia

Statue e rilievi egizi possono essere visti nei templi di Abydos, Tebe, Edfou, Esneh, Philae e Ipsamboul nelle tombe situate intorno a Menfi, Beni-Hassan e Tebe, e in particolare al Museo di Giza. Importanti collezioni di statue dell'antico Egitto sono conservate al Louvre, a Parigi al British Museum, a Londra al Metropolitan Museum of Art di New York al Vaticano, a Roma al Museo Archeologico, a Firenze al Museo Egizio, a Torino e al Royal Museum, a Berlino. Altre collezioni in America possono essere viste al J Paul Getty Museum, al Museum of Fine Arts di Los Angeles, al Museo dell'Università della Pennsylvania di Boston, a Filadelfia e alla Johns Hopkins University.

Maggiori informazioni sulla scultura

La maggior parte della scultura dell'antica Grecia è tradizionalmente divisa in sei stili di base:


L'architettura della Grecia classica

Il risultato più notevole della campagna di lavori pubblici di Pericle è stato il magnifico Partenone, un tempio in onore della dea protettrice della città, Atena. Gli architetti Iktinos e Kallikrates e lo scultore Fidia iniziarono a lavorare al tempio a metà del V secolo a.C. Il Partenone fu costruito in cima all'Acropoli, un piedistallo naturale fatto di roccia che fu il sito dei primi insediamenti ad Atene, e Pericle invitò anche altre persone a costruire lì: nel 437 a.C., ad esempio, l'architetto Mnesicle iniziò a costruire un grande gateway noto come Propilei alla sua estremità occidentale, e alla fine del secolo, gli artigiani hanno aggiunto un tempio più piccolo per la dea greca Atena—questo in onore del suo ruolo di dea della vittoria, Atena Nike—insieme a uno per Atena ed Eretteo, re ateniese. Tuttavia, il Partenone è rimasta l'attrazione principale del sito.

Lo sapevate? Molte delle sculture del Partenone sono in mostra al British Museum di Londra. Sono conosciuti come i Marmi di Elgin.


Arte rinascimentale

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arte rinascimentale, pittura, scultura, architettura, musica e letteratura prodotte durante i secoli XIV, XV e XVI in Europa sotto le influenze combinate di una maggiore consapevolezza della natura, un revival dell'apprendimento classico e una visione più individualistica dell'uomo. Gli studiosi non credono più che il Rinascimento abbia segnato una brusca rottura con i valori medievali, come suggerisce la parola francese Rinascimento, letteralmente “rinascita”. Piuttosto, le fonti storiche suggeriscono che l'interesse per la natura, l'apprendimento umanistico e l'individualismo erano già presenti nel tardo medioevo e divennero dominanti nell'Italia del XV e XVI secolo in concomitanza con i cambiamenti sociali ed economici come la secolarizzazione della vita quotidiana, l'ascesa di un'economia razionale del credito monetario e una grande mobilità sociale.

Quali sono le caratteristiche dell'arte rinascimentale e in cosa differisce dall'arte del Medioevo?

L'arte rinascimentale è caratterizzata da un graduale passaggio dalle forme astratte del periodo medievale alle forme figurative del XV secolo. I soggetti sono cresciuti da scene per lo più bibliche per includere ritratti, episodi della religione classica ed eventi della vita contemporanea. Le figure umane sono spesso rappresentate in pose dinamiche, mostrando espressione, usando gesti e interagendo tra loro. Non sono piatte ma suggeriscono una massa, e spesso occupano un paesaggio realistico, piuttosto che stare su uno sfondo dorato come fanno alcune figure nell'arte del Medioevo. L'arte rinascimentale del Nord Europa ha enfatizzato i dettagli precisi come mezzo per realizzare un'opera realistica.

Quando e dove nasce e finisce l'arte rinascimentale?

Le caratteristiche dell'arte rinascimentale, in particolare il naturalismo, si possono trovare nell'arte europea del XIII secolo ma non hanno dominato fino al XV secolo. Gli studiosi hanno tradizionalmente descritto l'inizio del XVI secolo come il culmine del Rinascimento, quando, principalmente in Italia, artisti come Michelangelo, Leonardo da Vinci e Raffaello realizzarono non solo arte realistica ma complessa. Intorno al 1520 il Rinascimento lasciò il posto al Manierismo, in cui un senso di dramma pervadeva l'arte altrimenti realistica.

In che modo l'umanesimo e la religione hanno influito sull'arte rinascimentale?

L'interesse per l'umanesimo, una filosofia che enfatizzava l'individuo e la capacità umana di realizzarsi attraverso la ragione, ha trasformato l'artista rinascimentale da un artigiano anonimo a un individuo che pratica una ricerca intellettuale. Gli artisti hanno introdotto nuovi soggetti nel loro lavoro, che riflettevano la crescente enfasi sull'individuo, inclusi ritratti, scene di vita contemporanea e narrazioni storiche. Sebbene la cultura rinascimentale stesse diventando sempre più laica, la religione era ancora importante nella vita quotidiana, soprattutto in Italia, dove si trovava la sede del cattolicesimo. Una buona parte dell'arte rinascimentale ha rappresentato scene della Bibbia o è stata commissionata dalla chiesa. L'accento sul naturalismo, tuttavia, collocava figure come Cristo e la Madonna non su un magnifico fondo dorato, come nel Medioevo, ma in paesaggi del mondo osservabile.

Cosa ha reso rivoluzionaria l'arte rinascimentale?

Gli sviluppi del periodo rinascimentale hanno cambiato il corso dell'arte in modi che continuano a risuonare. L'interesse per l'umanesimo ha trasformato l'artista da un artigiano anonimo a un individuo che pratica una ricerca intellettuale, consentendo a molti di diventare i primi artisti famosi. Una crescente classe mercantile offriva agli artisti nuovi mecenati che richiedevano soggetti nuovi, in particolare ritratti e scene di vita contemporanea. Inoltre, osservazioni scientifiche e studi classici hanno contribuito ad alcune delle rappresentazioni più realistiche della figura umana nella storia dell'arte. Le figure hanno un'anatomia accurata, si distinguono naturalmente attraverso lo schema classico del contrapposto e hanno un senso di massa, un risultato reso più facile dalla flessibilità della pittura ad olio, un mezzo che stava guadagnando popolarità. Occupano anche uno spazio credibile, un risultato basato sullo sviluppo della prospettiva lineare e della prospettiva atmosferica, dispositivi illusionistici per suggerire la profondità su una superficie bidimensionale.

Quali sono alcune famose opere d'arte rinascimentali?

Due delle opere d'arte più famose della storia furono dipinte durante il Rinascimento: il Monna Lisa (c. 1503-19) e il Ultima cena (c. 1495-98), entrambi eseguiti da Leonardo da Vinci, che mostrano interesse non solo nel rappresentare realisticamente la figura umana, ma anche nel darle carattere attraverso l'espressione, il gesto e la postura. Altre famose opere d'arte includono la scultura di Michelangelo di David (1501–04) e i suoi dipinti per la Cappella Sistina (soffitto, 1508–12 Giudizio Universale, 1536-41), in cui l'artista spingeva la rappresentazione accurata dell'anatomia umana a estremi sfidanti con pose complicate ed eleganti. di Raffaello Scuola di Atene (c. 1508-1511) celebra l'intellettuale popolando una sala profonda, abilmente eseguita utilizzando la prospettiva lineare recentemente codificata, con notevoli pensatori occidentali. Donatello David (inizio XV secolo) richiama la scultura classica attraverso l'uso del contrapposto, in cui la figura sta in piedi con naturalezza con il peso su una gamba. Albrecht Dürer esemplifica l'interesse nordeuropeo nei dettagli meticolosi nel suo Auto ritratto (1500), mentre Tiziano Venere di Urbino (1538) illustra l'interesse veneziano nel rappresentare la luce morbida e il colore vibrante.

In Italia il Rinascimento vero e proprio fu preceduto da un importante “proto-rinascimento” tra la fine del XIII e l'inizio del XIV secolo, che trasse ispirazione dal radicalismo francescano. San Francesco aveva rifiutato la scolastica formale della prevalente teologia cristiana ed era uscito tra i poveri lodando le bellezze e il valore spirituale della natura.Il suo esempio ha ispirato artisti e poeti italiani a trarre piacere dal mondo che li circonda. L'artista più famoso del periodo proto-rinascimentale, Giotto di Bondone (1266/67 o 1276-1337), rivela un nuovo stile pittorico che dipende da una struttura chiara e semplice e da una grande penetrazione psicologica piuttosto che dalla decoratività piatta, lineare e gerarchica composizioni dei suoi predecessori e contemporanei, come il pittore fiorentino Cimabue e i pittori senesi Duccio e Simone Martini. Il sommo poeta Dante visse all'incirca nello stesso periodo di Giotto, e la sua poesia mostra un'analoga preoccupazione per l'esperienza interiore e per le sottili sfumature e variazioni della natura umana. Anche se il suo Divina Commedia appartiene al Medioevo nel suo progetto e nelle sue idee, il suo spirito soggettivo e la sua forza espressiva guardano al Rinascimento. A questo periodo protorinascimentale appartengono anche Petrarca e Giovanni Boccaccio, sia per i loro ampi studi di letteratura latina, sia per i loro scritti in volgare. Purtroppo la terribile peste del 1348 e le successive guerre civili sommerse sia la ripresa degli studi umanistici sia il crescente interesse per l'individualismo e il naturalismo rivelatosi nelle opere di Giotto e Dante. Lo spirito del Rinascimento non riemerse fino all'inizio del XV secolo.

Nel 1401 si tenne a Firenze un concorso per aggiudicare l'incarico di porte in bronzo da collocare sul Battistero di San Giovanni. Sconfitti dall'orafo e pittore Lorenzo Ghiberti, Filippo Brunelleschi e Donatello partirono per Roma, dove si immersero nello studio dell'architettura e della scultura antiche. Quando tornarono a Firenze e cominciarono a mettere in pratica le loro conoscenze, rinasceva l'arte razionalizzata del mondo antico. Il fondatore della pittura rinascimentale fu Masaccio (1404-1428). L'intellettualità delle sue concezioni, la monumentalità delle sue composizioni e l'alto grado di naturalismo nelle sue opere segnano Masaccio come una figura cardine nella pittura rinascimentale. La successiva generazione di artisti - Piero della Francesca, Pollaiuolo e Andrea del Verrocchio - proseguì con ricerche sulla prospettiva e sull'anatomia lineare e aerea, sviluppando uno stile di naturalismo scientifico.

La situazione a Firenze era particolarmente favorevole alle arti. L'orgoglio civico dei fiorentini trovò espressione nelle statue dei santi patroni commissionate a Ghiberti e Donatello per le nicchie della corporazione del mercato del grano detta Or San Michele, e nella più grande cupola costruita fin dall'antichità, posta dal Brunelleschi sul duomo di Firenze. Il costo di costruzione e decorazione di palazzi, chiese e monasteri era sostenuto da ricche famiglie di mercanti.

Principali tra questi furono i Medici, che dominarono Firenze dal 1434, quando fu eletto il primo governo filomedico, fino al 1492, quando morì Lorenzo de Medici. Durante la loro ascesa i Medici sovvenzionarono praticamente l'intera gamma di attività umanistiche e artistiche legate al Rinascimento. Cosimo (1389-1464), arricchito dai suoi profitti commerciali come banchiere pontificio, fu uno studioso che fondò l'Accademia Neoplatonica e raccolse una vasta biblioteca. Riunì intorno a sé i maggiori scrittori e studiosi classici del suo tempo, tra cui Marsilio Ficino, il neoplatonico che fu precettore di Lorenzo de Medici, nipote di Cosimo. Lorenzo (1449-1492) divenne il centro di un gruppo di artisti, poeti, studiosi e musicisti che credevano nell'ideale neoplatonico di un'unione mistica con Dio attraverso la contemplazione della bellezza. Meno naturalistica e più aulica dello spirito prevalente della prima metà del Quattrocento, questa filosofia estetica è stata delucidata da Giovanni Pico della Mirandola, incarnata nella pittura da Sandro Botticelli, ed espressa in poesia dallo stesso Lorenzo. Lorenzo collaborò anche con l'organista e maestro di cappella del Duomo di Firenze, Heinrich Isaac, alla composizione di una vivace musica corale profana che anticipava il madrigale, una forma caratteristica dell'Alto Rinascimento.

I Medici commerciavano in tutte le maggiori città d'Europa e uno dei capolavori più famosi dell'arte rinascimentale settentrionale, la Pala Portinari, di Hugo van der Goes (C. 1476 Uffizi, Firenze), fu commissionato dal loro agente, Tommaso Portinari. Invece di essere dipinta con la consueta tempera del periodo, l'opera è dipinta con smalti ad olio traslucidi che producono un colore brillante simile a un gioiello e una superficie lucida. I pittori del primo Rinascimento settentrionale erano più interessati alla riproduzione dettagliata degli oggetti e al loro significato simbolico che allo studio della prospettiva scientifica e dell'anatomia anche dopo che questi risultati divennero ampiamente noti. D'altra parte, i pittori dell'Italia centrale iniziarono ad adottare il mezzo della pittura ad olio subito dopo che la Pala Portinari fu portata a Firenze nel 1476.

L'arte dell'Alto Rinascimento, che fiorì per circa 35 anni, dai primi anni del 1490 al 1527, quando Roma fu saccheggiata dalle truppe imperiali, ruota attorno a tre figure imponenti: Leonardo da Vinci (1452-1519), Michelangelo (1475-1564) e Raffaello (1483-1520). Ciascuno dei tre incarna un aspetto importante del periodo: Leonardo era l'uomo rinascimentale per eccellenza, un genio solitario al quale nessun ramo di studi era estraneo Michelangelo emanò potenza creativa, concependo vasti progetti che traevano ispirazione dal corpo umano come veicolo ultimo per l'espressione emotiva Raffaello ha creato opere che esprimevano perfettamente lo spirito classico: armonioso, bello e sereno.

Sebbene Leonardo fosse riconosciuto ai suoi tempi come un grande artista, le sue incessanti ricerche sull'anatomia, la natura del volo e la struttura della vita vegetale e animale gli lasciarono poco tempo per dipingere. La sua fama si basa principalmente su alcuni dipinti completati tra i quali sono i Monna Lisa (1503-05, Louvre), La Vergine delle Rocce (1483-86, Louvre), e l'affresco tristemente deteriorato L'ultima Cena (1495-98 restaurato 1978-99 Santa Maria delle Grazie, Milano).

Le prime sculture di Michelangelo, come il Pietà (1499 San Pietro, Roma) e il David (1501-04 Accademia, Firenze), rivela una capacità tecnica mozzafiato di concerto con una disposizione a piegare le regole dell'anatomia e della proporzione al servizio di una maggiore forza espressiva. Sebbene Michelangelo pensasse prima a se stesso come scultore, la sua opera più nota è il gigantesco affresco del soffitto della Cappella Sistina in Vaticano, a Roma. Fu completato in quattro anni, dal 1508 al 1512, e presenta una composizione incredibilmente complessa ma filosoficamente unificata che fonde la tradizionale teologia cristiana con il pensiero neoplatonico.

La più grande opera di Raffaello, Scuola di Atene (1508–11), fu dipinto in Vaticano nello stesso periodo in cui Michelangelo stava lavorando alla Cappella Sistina. In questo grande affresco Raffaello riunisce rappresentanti della scuola di pensiero aristotelica e platonica. Invece della superficie densa e turbolenta del capolavoro di Michelangelo, Raffaello colloca i suoi gruppi di filosofi e artisti che conversano tranquillamente in una vasta corte con volte che si allontanano in lontananza. Raffaello fu inizialmente influenzato da Leonardo e incorporò la composizione piramidale e i volti splendidamente modellati di La Vergine delle Rocce in molti dei suoi dipinti della Madonna. Differiva da Leonardo, tuttavia, per la sua prodigiosa produzione, il suo temperamento uniforme e la sua preferenza per l'armonia e la chiarezza classiche.

Il creatore dell'architettura dell'Alto Rinascimento fu Donato Bramante (1444-1514), che arrivò a Roma nel 1499 all'età di 55 anni. Il suo primo capolavoro romano, il Tempietto (1502) a S. Pietro in Montorio, è una struttura a cupola centralizzata che ricorda architettura classica del tempio. Papa Giulio II (regnò 1503-13) scelse Bramante come architetto pontificio e insieme escogitarono un piano per sostituire l'antica San Pietro del IV secolo con una nuova chiesa di dimensioni gigantesche. Il progetto, tuttavia, non fu completato se non molto tempo dopo la morte di Bramante.

Gli studi umanistici continuarono sotto i potenti papi dell'Alto Rinascimento, Giulio II e Leone X, così come lo sviluppo della musica polifonica. Il Coro Sistina, che si esibiva durante le funzioni quando officiava il papa, richiamava musicisti e cantanti da tutta Italia e dal nord Europa. Tra i compositori più famosi che ne divennero membri c'erano Josquin des Prez (C. 1450–1521) e Giovanni Pierluigi da Palestrina (C. 1525–94).

Il Rinascimento come periodo storico unificato terminò con la caduta di Roma nel 1527. Le tensioni tra la fede cristiana e l'umanesimo classico portarono al Manierismo nell'ultima parte del XVI secolo. Grandi opere d'arte animate dallo spirito rinascimentale, però, continuarono ad essere realizzate nel nord Italia e nel nord Europa.

Apparentemente non colpiti dalla crisi manierista, pittori del nord Italia come Correggio (1494-1534) e Tiziano (1488/90-1576) continuarono a celebrare sia Venere che la Vergine Maria senza apparente conflitto. Il mezzo ad olio, introdotto nell'Italia settentrionale da Antonello da Messina e presto adottato dai pittori veneziani che non potevano usare l'affresco a causa del clima umido, sembrava particolarmente adatto alla cultura sanguigna e gaudente di Venezia. Una successione di pittori brillanti - Giovanni Bellini, Giorgione, Tiziano, Tintoretto e Paolo Veronese - sviluppò lo stile lirico della pittura veneziana che combinava soggetti pagani, manipolazione sensuale del colore e della superficie pittorica e l'amore per le impostazioni stravaganti. Più vicino nello spirito ai fiorentini più intellettuali del Quattrocento fu il pittore tedesco Albrecht Dürer (1471–1528), che sperimentò l'ottica, studiò assiduamente la natura e diffuse nel mondo occidentale la sua potente sintesi di stili rinascimentali e gotici nordici per mezzo di sue incisioni e xilografie.


La tomba di Anfipoli rivela la terza camera, con uno scorcio di colore all'interno

Gli ARCHEOLOGI hanno scoperto una terza camera di una misteriosa e massiccia tomba nel nord della Grecia e hanno avuto un assaggio di ciò che contiene.

Stanno crescendo le speranze che l'antica tomba greca di Anfipoli possa essere rimasta in qualche modo intatta dopo essere stata nascosta per secoli.

Stanno crescendo le speranze che l'antica tomba greca di Anfipoli possa essere rimasta in qualche modo intatta dopo essere stata nascosta per secoli.

Rivelando. Un'immagine precedente mostra la rimozione del terreno dalla camera d'ingresso contenente le due statue femminili. Fonte: in dotazione

Gli ARCHEOLOGI hanno scoperto una terza camera di una misteriosa e massiccia tomba nel nord della Grecia e hanno avuto un assaggio di ciò che contiene.

I lavoratori hanno trascorso le ultime settimane a rimuovere il terreno che riempiva la camera d'ingresso di 2300 anni, custodita da due statue femminili vestite con abiti semitrasparenti, chiamate Cariatidi.

Man mano che il terreno veniva rimosso dietro i guardiani, veniva gradualmente esposto un architrave marmoreo in stile ionico. Questo segna l'ingresso alla terza camera.

Che cosa c'è sotto . I rapporti suggeriscono che una decorazione colorata sia stata intravista dietro questa porta in stile ionico a guardia della terza camera della tomba di Anfipoli. Fonte: in dotazione

Secondo quanto riferito, una pietra caduta all'ingresso sembra fornire una vista di una scultura dipinta o di una decorazione all'interno. Le speranze sono alte, questo conterrà indizi sull'identità dell'occupante della tomba.

Lo scavo, su una collinetta vicino all'antica Anfipoli, 600 chilometri a nord di Atene, ha dominato la copertura delle notizie locali per un mese, da quando il primo ministro Antonis Samaras l'ha visitato e ha anticipato gli archeologi rilasciando dettagli sui risultati.

Il viaggio finora. Una ricostruzione dell'ingresso della tomba di Anfipoli. Fonte: in dotazione

Gli archeologi greci affermano che l'attenzione sta ponendo un onere ingiusto sulla squadra di scavo.

Gli scavatori, però, stanno continuando a puntellare l'antica struttura per garantire la sicurezza a tutela dei lavoratori prima che entrino nella nuova camera.

Il rischio di crollo è alto, quindi vengono erette travi di legno e muri di sostegno mentre gli archeologi avanzano ulteriormente nella struttura.

Lina Mendoni, Segretario Generale del Ministero della Cultura, ha detto ai media che il monumento ha elementi che indicano che il suo proprietario aveva una visione "cosmopolita".

Un diagramma dettagliato dei lavori di scavo finora è stato rilasciato dalle autorità greche.

Mostra una rappresentazione dello scavo, con fotografie che mettono in evidenza ogni elemento scoperto finora.

Vigilanza eterna. Primo piano del volto di una delle due Cariatidi. Fonte: in dotazione

Le sculture a corpo intero di due donne a guardia della terza camera sembrano essere state adornate con braccia tese come avvertimento a coloro che entravano o bloccando l'ingresso stesso.

“Le vesti presentano pieghe artistiche eccezionali”, ha dichiarato l'avviso del Ministero. “Le cariatidi, dall'esterno, sollevano con disprezzo la loro veste con la mano corrispondente, si legge in una dichiarazione del ministero del patrimonio greco.

Tu non puoi passere . Le braccia tese delle Cariatidi un tempo sbarrano l'ingresso alla camera al di là. Fonte: in dotazione

Secondo quanto riferito, le statue rappresentano l'apice del valore artistico per la loro epoca.

Una cariatide è stata trovata con il viso intatto. Il volto del secondo, invece, è stato ritrovato nella sabbia alla base della statua. Sono in corso sforzi per conservare la muratura.

Presenza forte. Travi di legno puntellano il tetto tra le due statue femminili a guardia dell'ingresso della terza camera.

Meno della metà della tomba, che mostra segni di essere stata saccheggiata nell'antichità, è stata esplorata e per rimuovere le tonnellate di terra che la riempiono ci vorranno settimane. Sebbene finora non siano state trovate sepolture, l'opulenza indica un alto funzionario legato all'antico re guerriero greco Alessandro Magno.

La tomba con volta a botte è tra le più grandi del suo periodo nella Grecia ricca di antichità. L'escavatore Katerina Peristeri ritiene che il tumulo fosse originariamente sormontato da un leone di pietra su un grande basamento, trovato a pochi chilometri di distanza 100 anni fa, che fu probabilmente rimosso in epoca romana. Ha anche espresso forti speranze che il sito non sia stato saccheggiato.

Ingresso . Una delle statue della Sfinge guardiana all'ingresso della tomba, a destra, e la camera dietro di essa, a sinistra. Fonte: in dotazione

L'archeologa Chryssoula Paliadelli, che non è coinvolta nello scavo, ha dichiarato all'Associated Press che la tomba ha diverse caratteristiche eccezionali, tra cui una facciata monumentale che lascia la parte superiore della volta esposta sopra due grandi sfingi di marmo.

Il sito, incastonato tra mandorleti e campi di tabacco, ha circa 20 poliziotti che forniscono una guardia 24 ore su 24 per scoraggiare i saccheggiatori, che hanno afflitto l'area in passato.

L'ex guardia di antichità Alekos Kochliaridis ha detto all'AP che i ladri hanno cercato di scavare il tumulo nel 1952, presentandosi sfacciatamente in pieno giorno con una scavatrice meccanica.

"Noi residenti della zona abbiamo chiamato la polizia e loro li hanno cacciati via", ha detto. “L'intera area circostante è ricca di buchi lasciati da scavi illegali.”

Qualità traslucida. La squisita pietra esposta nel torso di una delle cariatidi. Fonte: in dotazione

La speculazione è diffusa sul fatto che la tomba possa contenere un tesoro sepolto e i resti di una figura eminente, sebbene lo stesso Alessandro sia stato sepolto in Egitto.

Alessandro conquistò una vasta area dalla moderna Grecia all'India, arricchendo molti dei suoi amici intimi e comandanti. La sua morte nel 323 a.C. fu seguito da sconvolgimenti mentre i suoi generali combattevano per l'impero.

Il professore di Storia e Archeologia dell'Università di Cipro Theodoros Mavraganis ha affermato di credere che la tomba appartenga a Efestione, uno degli amici d'infanzia di Alessandro Magno. Lo accompagnò anche Alessandro come generale nella sua campagna decennale in Asia.

Un'altra teoria attribuisce la tomba a uno degli ammiragli di Alessandro, Nearco. Fu esiliato ad Anfipoli dal re Filippo II.

Un terzo scenario è che la moglie persiana di Alessandro, Roxana, e suo figlio, Alessandro IV, siano sepolti lì. Erano stati anche banditi ad Anfipoli intorno al 310 a.C.

Rivelando. Un'immagine precedente mostra il terreno rimosso dalla camera d'ingresso contenente le due statue femminili. Fonte: in dotazione

Dozzine di turisti ogni giorno cercano di dare un'occhiata al sito recintato e il numero di visitatori del vicino museo di Amphipolis è aumentato.

Paliadelli, professoressa all'Università di Salonicco, ha affermato che l'attenzione dei media è maggiore rispetto alla scoperta alla fine degli anni '70, alla quale ha partecipato, di una ricca tomba non saccheggiata identificata come quella del padre di Alessandro, re Filippo II di Macedonia nel un cimitero reale a 200 chilometri (125 miglia) a ovest.

"I media, la televisione, Internet, si è sviluppato così tanto", ha detto. �iamo lavorato a un ritmo molto più calmo, nonostante la pressione esercitata dalla natura dei reperti ” che includevano manufatti in legno e pelle che richiedevano un'urgente conservazione.”

L'Associazione degli archeologi greci giovedì ha criticato l'approccio del ministero della Cultura nei confronti dei media, che secondo lui era mirato a soddisfare un'opinione pubblica legata al facile sensazionalismo e all'eccessivo consumo di televisione, carta stampata e sottoprodotti online. x201D

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