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Qual è il significato degli elementi di questo emblema?

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Questa è una riproduzione di un emblema tramandato dalla mia famiglia. La strana forma ellittica deriva dal fatto che l'originale si trova su un anello utilizzato per la ceralacca.

Ipotizziamo che la parte centrale sia lo stemma della nostra famiglia propriamente detta, in quanto appare quasi identico anche negli stemmi di altri rami della famiglia che abbiamo trovato riprodotti nelle chiese e simili.

La parte superiore potrebbe essere un legame con l'impero austriaco (la famiglia proviene da una parte dell'Italia che fu sotto il dominio austriaco fino al 1848), l'altra ipotesi di lavoro è che invece sia un legame con l'impero spagnolo, poiché quella stessa regione era precedentemente sotto la dominazione spagnola.

La parte inferiore con tre stelle è quella che più ci lascia perplessi. Il mio bisnonno scherzava dicendo che era la certificazione che un antenato aveva un titolo nobiliare, ma non abbiamo mai trovato nessuna informazione che potesse dissipare i dubbi in entrambi i casi.

Mio nonno ha saputo ricostruire la nostra storia a partire dalla metà del 1700, ma questo non ha portato alla luce molto che possa spiegare le varie componenti dello stemma.

È possibile ricostruire il significato (ed eventualmente la storia) di questo emblema? Se sì, quali sono?


L'aquila doppia in alto punta verso l'impero austro-ungarico.

Ma sopra questo è un Erbritterkrone con solo tre perle (beh, anzi quattro, tre delle quali visibili… ). Questo è apparentemente unico per l'Italia.

Il grifone allora

Il grifone, grifone o grifone (in greco: γρύφων, grýphōn, o γρύπων, grýpōn, prima forma γρύψ, grýps; in latino: gryphus) è una creatura leggendaria con il corpo, la coda e le zampe posteriori di un leone; la testa e le ali di un'aquila; e talvolta gli artigli di un'aquila come zampe anteriori. Poiché il leone era tradizionalmente considerato il re degli animali e l'aquila il re degli uccelli nel Medioevo, si pensava che il grifone fosse una creatura particolarmente potente e maestosa. Fin dall'antichità classica, i grifoni erano noti per custodire tesori e beni inestimabili.

Significato araldico

In araldica, l'amalgama del leone e dell'aquila del grifone acquista coraggio e audacia, ed è sempre attratto da potenti mostri feroci. È usato per denotare forza, coraggio militare e leadership. I grifoni sono raffigurati con il corpo posteriore di un leone, una testa d'aquila con orecchie erette, un petto piumato e le zampe anteriori di un'aquila, compresi gli artigli. Queste caratteristiche indicano una combinazione di intelligenza e forza.[22] Nell'araldica britannica, un grifone maschio è raffigurato senza ali, il corpo ricoperto da ciuffi di formidabili punte, con una corta zanna che emerge dalla fronte, come per un unicorno. Il grifone femmina con le ali è più comunemente usato.

Curiosi sono i soli cinque raggi per le tre stelle. Questo sarebbe il tipo "inglese", lo stile "tedesco" ne includerebbe spesso sei o anche di più. Poiché la creatura si trova su un'unica collina potrebbe essere collegata a regioni alpine o subalpine, e il piccolo albero o arbusto che tocca potrebbe indicare la selvicoltura come principale fonte di reddito o campo di supervisione/importanza economica?

Da ciò concluderei che l'inizio del XIX secolo, gli Asburgo, l'Italia (Dall'Alto Adige al Veneto?), la bassa nobiltà sono i collegamenti da osservare. Ma questo non è dal tumulo in basso, ma dalla corona in alto. Ma questo è incerto.

La Wikipedia italiana dice che Cavaliere ereditario:

Cavaliere ereditario è un titolo nobiliare molto peculiare, concesso in Italia nei territori soggetti alla dominazione austriaca o spagnola (in particolare in Lombardia, Sicilia e Sardegna), principalmente a favore di tutti i maschi di una famiglia.

Secondo il regolamento del Consiglio Araldico Italiano, il titolo di Cavaliere Ereditario è il più basso della gerarchia, posto ad un livello immediatamente inferiore a quello di Nobile cittadino. Al contrario, nei paesi di lingua tedesca che avevano fatto parte del Sacro Romano Impero il titolo di Cavaliere Ereditario era superiore a quello di nobile ed era posto ad un livello immediatamente inferiore a quello di barone/signore.

Visto che le zone sarda e siciliana non entrano in discussione e il Piemonte è troppo a ovest perché dovrà essere la Lombardia? Più specificamente, altri stemmi della regione con qualche somiglianza sembrano centrare intorno a Brescia. Capriano del Colle, Chiari, Concesio, Marmentino, Marcheno, Offlaga e Pian Camuno.

Stemma di Pian Camuno
Stemma di Capriano del Colle

Altri sono troppo devianti sulle loro stelle, ma potrebbe valere la pena dare un'occhiata.


Qual è il significato degli elementi di questo emblema? - Storia

La nostra Confraternita desidera esprimere la nostra gratitudine a Madre Gabriella, badessa della Dormizione del monastero ortodosso della Madre di Dio, per la sua gentile benedizione per noi nel tradurre questo testo in cinese e ristampare la versione originale inglese in questa pubblicazione.

La pubblicazione della traduzione cinese è stata resa possibile grazie agli sforzi del Sig. Daniel Yeung dell'Istituto di Studi Sino-Cristiani e il lavoro di collegamento tra gli altri sforzi del Prof. Xu Fenglin. Estendiamo anche il nostro apprezzamento al traduttore Mr. Hou Jianyu e alla revisore Ms Zhang Guina, per il loro tempo e la loro energia spesi per il testo.

Arciprete Dionisy Pozdnyaev

Confraternita ortodossa degli Apostoli Santi Pietro e Paolo (Patriarcato di Mosca)

L A Chiesa ortodossa è inconcepibile senza icone, candele accese e bruciare incenso. La Chiesa ortodossa è una Chiesa di tradizione e la presenza e l'uso delle icone nella Chiesa ortodossa è un riflesso di questa tradizione.

La parola ICON deriva dalla parola greca EIKONA, che significa immagine. Nel suo senso più ampio, un'icona è qualsiasi rappresentazione di un personaggio sacro, prodotta in molti media e dimensioni. In senso stretto si riferisce ad una tavola devozionale in legno dipinto.

L'icona è il risultato della sintesi di tre diverse culture: greca, romana e cristiana. La tecnica dell'arte bizantina ha viaggiato oltre le frontiere dell'Impero, influenzando profondamente lo sviluppo dell'arte soprattutto nelle nazioni slave.

L'arte cristiana è apparsa per la prima volta nelle catacombe, luoghi di sepoltura sotterranei scavati nella roccia, ampiamente diffusi fino al VI secolo. Sebbene le catacombe non fossero appannaggio di nessun particolare gruppo religioso e fossero ampiamente diffuse geograficamente, sono comunemente associate al cristianesimo. Il più grande corpo di catacombe è stato scoperto a Roma. A partire dal III secolo i cristiani romani seppellivano i loro morti in tombe sotterranee extramurali composte da reti di corridoi e cubicoli di varie dimensioni. Alcune delle tombe erano decorate con un'iscrizione dipinta o scolpita che identificava l'occupante, mentre altre immagini includevano scene dell'Antico Testamento. Le immagini nelle catacombe sono semplici, realizzate con poche pennellate e una gamma ristretta di colori. I soggetti vanno da Cristo che porta un agnello a tre giovani che lodano Dio dalla fornace ardente, alla risurrezione di Lazzaro, alla cena eucaristica. Durante il periodo in cui il cristianesimo fu tollerato, le decorazioni delle catacombe divennero piuttosto elaborate. Le catacombe romane cessarono di essere utilizzate per la sepoltura nel VI secolo.

L'arte delle catacombe era un'arte didattica. I simboli pagani già esistenti venivano usati dai cristiani insieme a quelli nuovi da loro inventati. Ad esempio: la nave rappresentava la Chiesa e rappresentava anche la prosperità, mentre il pavone, la colomba e la palma erano rappresentazioni del Paradiso. L'adorazione dei Magi rappresentava l'ammissione dei pagani alla fede, e la moltiplicazione dei pani era il simbolo del banchetto eucaristico la vite simboleggiava il mistero della grazia di Dio per i battezzati. Ciò che non poteva essere espresso apertamente dai cristiani, a causa dei timori di persecuzione, veniva rappresentato in un linguaggio simbolico, un codice segreto usato dai credenti in un mondo ostile: questo simbolismo segreto delle immagini nelle catacombe è stato progressivamente insegnato ai catecumeni. Le catacombe testimoniano che ovunque i cristiani si riunissero, creavano un ambiente visivo per ricordare loro il Regno di Dio e aiutarli a pregare.

Il simbolo più diffuso utilizzato, apparso nel II secolo, è il pesce. Segno usato nell'antichità per rappresentare la fecondità e successivamente, in epoca romana, l'erotismo, il pesce divenne una forma condensata del Credo: la parola pesce in greco è composta da cinque lettere che formano un acrostico che abbrevia il detto: Iesous Christos Theou Yios Soter tradotto in inglese, significa: Gesù Cristo, Figlio di Dio, Salvatore.

Quando il cristianesimo non fu più una religione proibita, l'arte cristiana lasciò le catacombe insieme ai simboli pagani e si mosse rapidamente e con vigore nella creazione della propria arte, della propria forma di espressione. Dopo la vittoria dell'imperatore Costantino su Massenzio nel 312, il cristianesimo è riconosciuto come religione di stato. Con gli imperatori che ora si sono uniti al cristianesimo, ha portato a massicce conversioni. Costantino il Grande, imitato da molti altri, comandò la costruzione di molte chiese splendidamente progettate e decorate. Indifferente all'arte fino ad oggi, la Chiesa diventa il più forte propagatore dell'espressione artistica, sia nell'architettura che nelle rappresentazioni per immagini. Avendo grande ricchezza proveniente dallo stato e anche dai principi stessi, la Chiesa ha l'opportunità di creare e sviluppare una forma d'arte separata: l'arte cristiana.

Nell'anno 330 Costantinopoli diventa la capitale imperiale. Nei secoli successivi sarebbe diventata la città santa che armonizzava il profano con il sacro. Nel IV secolo troviamo che Cristo non è più ritratto come filosofo, ma come Signore dell'Universo, si sta formando un nuovo e forte legame tra Stato e Chiesa, dove Cristo è il Sovrano del mondo cristiano e l'Imperatore è Il suo rappresentante sulla terra.

Bisanzio era il crocevia tra Oriente e Occidente e comprendeva l'intero bacino del Mediterraneo. Aveva la sua capitale a Costantinopoli, punto d'incontro tra Europa e Asia. Sebbene ben attaccato alle istituzioni politiche e sociali del tardo impero romano, evolse la nuova religione ecumenica - il cristianesimo - parlava la lingua greca e adottò l'educazione greca. Giustiniano I (527-565), l'ultimo dei grandi imperatori romani, volle raggiungere l'unità politica e religiosa dell'Impero. Il suo regno fu chiamato "L'età dell'oro". Un'epoca di alta spiritualità e genio artistico.

Le opere dell'arte bizantina sono il prodotto di credenze e pietà profondamente radicate, create per la maggior parte da artisti anonimi, che riflettono il decoro del Regno dei Cieli. Attraverso la loro struttura e principi immutabili, danno forma tangibile alla concezione del divino così come ricevuta dalla dottrina ortodossa. Gli artisti bizantini non erano semplici copisti del passato, avevano le proprie tradizioni, valori e ideali. Vivevano in un ambiente che aveva continuità politica e istituzionale con il passato, e mentre gli stati dell'Europa occidentale si stabilivano sulle rovine dell'Impero Romano, Bisanzio era essa stessa l'Impero Romano. Inoltre, la società e la cultura bizantina erano legate all'antica Grecia. La lingua bizantina era la più vicina al greco classico e post-classico. La letteratura della Grecia classica, del mondo ellenistico, e quella dei Padri della Chiesa, era accessibile ai Bizantini e, attraverso la sua letteratura, assorbivano le idee ei valori che esprimeva.

La serie delle opere d'arte a Bisanzio si apre con grandi capolavori, come le chiese di Santa Sofia, Sant'Irene e dei Santi Sergio e Bacco a Costantinopoli, risalenti alla metà del VI secolo, e attribuite all'imperatore Giustiniano e a sua moglie Teodora, mentre dall'altra parte del bacino del Mediterraneo, a Ravenna, troviamo la più imponente serie di mosaici murali risalenti al V e VI secolo i mosaici risalenti al V secolo si trovano nel mausoleo di Gala Pl acidia, un Imperatrice romana, e il Battistero degli Ortodossi i mosaici della chiesa di Sant'Apollinario il Nuovo, di San Vitale e di Sant'Apollino in Classe, così come il Battistero degli Ariani, risalgono al VI secolo, con alcune aggiunte del VII.

L'influenza dell'arte bizantina si riscontra anche nelle parti orientali dell'Impero, fino all'Egitto. Nel monastero di Santa Caterina, nel deserto del Sinai, troviamo lo stesso stile di decorazione musiva degli altri angoli dell'Impero. C'è anche una serie di icone dipinte su legno ad encausto (metodo a cera fusa in cui si mescolano pigmenti coloranti) che sono state conservate nel Sinai, alcune delle quali si trovano ora anche nel Museo di Kiev e nella chiesa di Santa Maria Nova ( Santa Maria Nuova) a Roma. Sono sicuramente queste le immagini che fanno luce sulle origini dei dipinti su tavola che si svilupperanno ampiamente nel IX secolo e oltre. Non è certo che queste icone siano state dipinte nel Sinai è più probabile che siano state portate lì e il fatto che siano sopravvissute è dovuto alla posizione remota del Monastero di Santa Caterina e anche al rispetto che i musulmani hanno per il monastero, quindi risparmiandogli la distruzione. Da Bisanzio questo tipo di arte pittorica viaggerà anche in quella che oggi è conosciuta come Russia.

Nel VII secolo l'Egitto e la Siria non appartengono più all'Impero. Stiamo entrando ora nell'età buia dell'era bizantina, un periodo che durerà quasi due secoli: dal tempo dell'imperatore Eracle (611-641) all'imperatore Giustiniano II (685-711), un periodo di feroci guerre contro l'Islam , Slavi e Bulgari.

Due periodi iconoclasti scandiscono la storia e la vita della Chiesa. Il primo periodo di condanna delle icone come simboli di idolatria iniziò con il regno dell'imperatore Leone III, o Leone Isaurico (717-741). Rifiutando qualsiasi rappresentazione di Cristo e dei suoi santi, l'imperatore Leone III riteneva che tali immagini non dovessero essere oggetto di venerazione. Il Concilio del 754, convocato a Hiereia, vicino a Costantinopoli, acconsentì a una condanna formale del culto. Negava che il mistero di Cristo includesse sia la sua divinità che l'umanità. In questo periodo la pittura come arte non fu mai completamente abbandonata, ad eccezione dell'arte sacra. L'arte sacra è stata distrutta e profanata dagli iconoclasti, e l'arte profana è stata distrutta e profanata dai loro avversari. Due successori al trono di Leone III, Costantino (780-797) e Irene (797-802), guidati dal Patriarca Tarasio, convocarono il Secondo Concilio che ebbe luogo a Nicea, nel 787 - più precisamente il Settimo Concilio Ecumenico - dove gli iconofili difesero con veemenza il culto delle icone e la loro vittoria spinse alla restaurazione del culto.

La Chiesa fu nuovamente gettata nello scompiglio con la venuta al trono dell'imperatore Leone l'Armeno (813-820), dando origine alla seconda ondata di guerra contro le immagini sacre. A Leone succedette Michele Amoria e a Michele succedette Teofilo (829-842). Con l'aiuto del patriarca Antonio I Kassymatas ha restaurato l'iconoclastia proibendo tutte le immagini dipinte e qualsiasi aiuto agli iconoduli. Dopo la sua morte nell'842 a Costantinopoli, sua moglie Teodora servì come reggente per il figlio Michele III. Era una devota iconofila, venerando fedelmente le icone nonostante la disapprovazione del suo defunto marito. Riuscì a ottenere la scarcerazione del pittore Lazzaro e nell'843 acconsentì al restauro delle icone. È citata per dire: "Se qualcuno per amore non bacia e venera queste immagini in modo relativo, non adorandole come dei ma come immagini dei loro archetipi, sia anatema!" Per il suo ruolo nel trionfo di Ortodossia è commemorata l'11 marzo (prima domenica della Grande Quaresima nell'843). Fino ad oggi, la prima domenica della Grande Quaresima è dedicata al restauro delle icone sacre dell'imperatore Michele III e di sua madre Teodora e al trionfo su tutte le eresie dell'Ortodossia.

Il teologo che ha difeso l'uso delle icone nel culto cristiano era San Giovanni di Damasco. Nel suo trattato "Sulle Immagini Divine" scrive: "Se facessimo un'immagine del Dio invisibile, saremmo certamente in errore. l'immagine di Dio incarnato che apparve sulla terra nella carne, che nella sua ineffabile bontà visse con gli uomini e assunse la natura, il volume e il colore della carne.

Il ritorno all'arte delle immagini sacre, dopo una lunga e difficile lotta, ha significato il ritorno alle antiche pratiche le immagini di Cristo e di tutti i santi sono ora ufficialmente proclamate dalla Chiesa vittoriosa come dotate di poteri divini e la loro contemplazione come necessaria per la nostra salvezza. Incaricati di questa nuova funzione religiosa, tutti i dipinti a soggetto religioso mettono in ombra tutte le altre rappresentazioni artistiche.

Dopo l'843, la Cappadocia divenne un importante centro di arte sacra. La regione, sviluppata nel IV secolo da San Basilio come centro per la vita monastica, fiorì con centinaia di chiese. Molti di loro sono stati riscoperti all'inizio del XX secolo. Queste chiese presentano una grande varietà di temi e stili, per la maggior parte risalenti all'XI e al XII secolo. Non solo l'arte fiorì in questo periodo, ma anche la teologia. Sfortunatamente, l'invasione dei crociati provocata dai veneziani nel 1204, così come il saccheggio di Costantinopoli, impoverirono l'impero bizantino delle sue risorse materiali e della sua forza morale. La caduta di Costantinopoli in mano ai Turchi nel 1453, e l'invasione dei Balcani, segnano la fine di un'epoca più gloriosa e prestigiosa della storia. I turchi, sulla loro scia, trasformarono le chiese più belle in moschee.

Un secondo periodo nello sviluppo dell'arte bizantina è quello successivo al IX secolo. In questo momento, troviamo un nuovo e diverso tipo di stile pittorico bizantino che non è così vicino all'arte che si sta sviluppando nelle altre parti del mondo. Il divario tra Oriente e Occidente e Medio Oriente comincia ad allargarsi. L'influenza bizantina sta iniziando a diminuire.

I mosaici murali sono senza dubbio il più importante e l'apice dell'arte bizantina di tutte le epoche. Si sta però sviluppando una nuova forma d'arte, ed è l'arte dell'affresco – l'affresco è una pittura murale, su un materiale di gesso appositamente preparato. Una tecnica totalmente diversa rispetto al mosaico, l'affresco ha permesso all'artista una maggiore flessibilità e dettagli più creativi. Proprio come il mosaico, l'affresco è stato utilizzato principalmente per decorare le chiese. L'affresco più arcaico ed esteso di questo genere si trova in Cappadocia.Altri, di temi più rustici, si trovano in Grecia, Cipro, Serbia, Russia, persino Bulgaria. Molti sono ancora conservati anche a Costantinopoli.

Insieme agli affreschi, a partire dal IX secolo troviamo anche che la pietà bizantina sta influenzando molto lo sviluppo di pezzi di piccola scala, icone dipinte su legno. I negozi di icone iniziano ora ad esistere, principalmente nei monasteri.

Nell'opera di San Giovanni Damasceno troviamo anche il suo argomento a favore delle icone dipinte: «Poiché l'Invisibile si è fatto visibile assumendo carne, tu puoi modellare l'immagine di Colui che hai visto. Poiché Colui che non ha né corpo né forma né quantità né qualità, colui che supera ogni grandezza per l'eccellenza della sua natura, essendo di natura divina, prese la condizione di schiavo e si ridusse a quantità e qualità vestendosi di sembianze umane, perciò dipingi su legno e presenta per contemplare Colui che desiderava rendersi visibile».

Come abbiamo visto finora, in tutte le epoche e in tutte le culture l'icona non è quasi un'opera d'arte, ma un aiuto al culto e uno strumento di trasmissione della tradizione e della fede cristiane. Lo Spirito Santo parla agli uomini attraverso le icone. Ovunque sia collocata un'icona (tranne forse in un museo) è ambientato un luogo di culto e preghiera, perché l'icona non è fine a se stessa, ma una finestra attraverso la quale guardiamo con i nostri occhi fisici il Regno dei Cieli e il regno di esperienza spirituale. È importante ricordare quindi che l'icona riguarda solo il sacro, l'icona è teologia nelle immagini e nel colore. Nelle parole di L. Ouspensky il cristianesimo è la Parola di "Dio espressa in immagini:" il cristianesimo è la rivelazione non solo della Parola di Dio, ma anche dell'immagine di Dio, nella quale si rivela la sua somiglianza. Questa immagine divina è il tratto distintivo del Nuovo Testamento, essendo la testimonianza visibile della deificazione dell'uomo. I modi dell'iconografia, come mezzi di espressione di ciò che riguarda la Divinità, sono qui gli stessi dei modi della teologia. Compito di entrambi è di esprimere ciò che non può essere espresso con mezzi umani, poiché tale espressione sarà sempre imperfetta e insufficiente. Non ci sono parole, né colori, né linee, che possano rappresentare il regno di Dio come rappresentiamo e descriviamo il nostro mondo. Tanto la teologia quanto l'iconografia si trovano di fronte a un problema assolutamente insolubile: esprimere con l'appartenenza al mondo creato ciò che è infinitamente al di sopra della creatura. Su questo piano non ci sono successi, perché il soggetto stesso è incomprensibile e per quanto un'icona possa essere alta nel contenuto e bella, non può essere perfetta, così come nessuna parola o immagine può essere perfetta. In questo caso sia la teologia che l'iconografia sono sempre un fallimento per questo valore deriva dal fatto che sia la teologia che l'iconografia raggiungono il limite delle possibilità umane e si rivelano insufficienti. Pertanto i metodi usati dall'iconografia per indicare il Regno di Dio non possono che essere figurativi, simbolici, come il linguaggio delle parabole della Sacra Scrittura. (L. Ouspensky e V. Lossky, Il significato delle icone, SVS Press, 1989, pp 48-49).

Per il cristiano ortodosso l'icona non è un oggetto estetico, né un oggetto di studio è "arte vivente", se così possiamo chiamarla. Ha lo scopo di trasfigurare e ispirare la persona alla preghiera e alla contemplazione. Leonid Ouspensky afferma: "Proprio come l'insegnamento relativo allo scopo della vita cristiana - la deificazione dell'uomo - continua ad esistere, così l'insegnamento dogmatico sull'icona continua ad esistere e vivere nei servizi divini della Chiesa ortodossa. Per un uomo ortodosso dei nostri tempi un'icona, antica o moderna che sia, non è oggetto di ammirazione estetica» (L. Ouspensky e V. Lossky, Il significato delle icone, SVS Press, 1989, pp 49).

La prima icona, il MANDYLION o il Santo Tovagliolo, a volte chiamato "Fatto senza mani", si dice che non solo fosse un'autentica somiglianza di Cristo, ma che Cristo stesso abbia prodotto volontariamente. È stato quindi spesso citato sia come prova della realtà della sua Incarnazione - poiché era stato in contatto con il suo corpo - sia come giustificazione per la posizione iconofila che Cristo stesso ha approvato la realizzazione della sua immagine.

L'esistenza del Santo Tovagliolo è menzionata per la prima volta nel VI secolo. Secondo una storia, Abgar V il Nero, re di Edessa (capoluogo della provincia turca di Oshroene, importante centro cristiano e commerciale del mondo islamico fino al XIII secolo) si era ammalato e aveva pregato Cristo di venire a curarlo. Invece di andare a visitare Abgar, Cristo gli mandò un asciugamano che aveva premuto contro il suo viso e che conservava l'impressione dei suoi lineamenti. Dopo aver ricevuto l'asciugamano, il re fu miracolosamente guarito. L'immagine è andata perduta e poi ritrovata ed è rimasta ad Edesa. Nell'anno 944 Edesa fu assediata e il Santo Tovagliolo fu richiesto come condizione per il ritiro. Fu poi portato in processione a Costantinopoli, dove fu deposto nella cappella del Sultano nel Palazzo Grande. L'evento si celebra ogni anno il 16 agosto. Successivamente si dice sia stato acquistato dal re Luigi IX di Francia, nel 1247, e portato a Parigi e collocato a St. Chapelle. Scomparve durante la Rivoluzione francese.

I tratti del volto di Cristo sul Santo Tovagliolo sono quelli del Pantocratore. Non è un busto perché mostra solo la testa e parte del collo non si vedono spalle. Il volto è dipinto come se fosse impresso su una striscia orizzontale di stoffa bianca sfrangiata, da cui il nome "tovagliolo". Si dice che il primo esempio superstite risalga al X secolo e si trovi nel monastero di Santa Caterina nel Sinai. Questa icona non ha un posto fisso nella decorazione di una chiesa.

L'immagine del Santo Tovagliolo era conosciuta anche in Occidente con il nome di Il Velo della Veronica. La storia della Veronica è simile a quella del re Abgar: Veronica era una donna che confortava Gesù mentre portava la croce sulla via del Golgota. Gli offrì un pezzo di stoffa per asciugare il sangue e il sudore dal viso, poi scoprì di aver ricevuto un'immagine miracolosa. Un edificio lungo la Via Dolorosa a Gerusalemme associato a Veronica è oggi la casa di una comunità di suore chiamata "Le Piccole Sorelle di Gesù".

San Luca, primo pittore della Vergine Maria

La biografia di Luca non contiene abbondanti miracoli e viaggi pericolosi. Viene presentato come un uomo colto, che in Grecia e in Egitto ha studiato discipline come la grammatica, la retorica, la poesia, l'etica e la logica. Fu medico e pittore, morto serenamente in Acaia (provincia tardo romana che abbracciava il Peloponneso e la Grecia centrale, con capitale a Corinto). Si dice che le sue reliquie siano state trasferite a Costantinopoli da Sant'Artemide sotto il regno di Costantino II.

La leggenda narra che San Luca sia stato il primo artista a dipingere il ritratto della Vergine Maria. I monasteri di Hodegon e Soumela affermano che le icone della Vergine Maria in loro possesso sono dipinti di Luca. Il Monastero di Hodegon si trova a Costantinopoli, vicino alla Basilica di Santa Sofia. Fu fondata nel V secolo dall'imperatrice Pulcheria per custodire preziose reliquie, che in seguito includevano la Vergine Odigitria. Il monastero di Soumela si trova sulla parete di una scogliera sulle pendici occidentali del monte Melas in Asia Minore. La maestria era dedicata alla Vergine le sue origini risalgono al IV secolo e le sue origini sono attribuite a due monaci ateniesi, Barnaba e Sofronio, che avrebbero scoperto in una grotta a Soumela un'icona della Vergine dipinta da Luca. Nel XX secolo il monastero fu abbandonato.

Sebbene sia raffigurato con i capelli bianchi nei Vangeli di Cambridge del VI secolo, San Luca appare nella maggior parte dei ritratti bizantini come un giovane con capelli castani e ricci, guance scavate e una barba sottile. Di solito viene mostrato mentre scrive davanti a una scrivania. Occasionalmente è accompagnato da Paolo che avrebbe ispirato il suo Vangelo, più spesso è accompagnato dal suo patrono, Teofilo. La festa di San Luca è il 18 ottobre. Egli è l'autore del 3° Vangelo e del Libro degli Atti, scritti per ispirazione dello Spirito Santo.

Prototipo, simbolismo e tecniche

Dopo aver esaminato la storia, lo sviluppo e la rappresentazione delle immagini iconografiche nel mondo e attraverso i secoli, dobbiamo guardare anche alle qualità di un'icona, del prototipo, del simbolismo e della tecnica.

Insieme alla Sacra Scrittura, l'icona è uno strumento di trasmissione della tradizione e della fede cristiana. Lo Spirito Santo ci parla attraverso l'uso di immagini, immagini che completano le parole scritte della Scrittura. Ne consegue quindi che le icone sono sussidi educativi e di culto. Per questo è importante ricordare che la fede di chi prega è al di sopra delle qualità estetiche di un'icona. L'icona ha come scopo quello di trasportarci nel regno dell'esperienza spirituale, di andare oltre il nostro mondo materiale, di mostrarci la grandezza e la perfezione della realtà divina che ci è invisibile.

L'icona non vuole essere un pezzo sentimentale. Non c'è sentimentalismo o dramma in un'icona. Un'icona rappresenta principalmente eventi e personaggi biblici. I volti di quelli raffigurati in un'icona sono sempre privi dei loro sentimenti, suggestivi solo di virtù come: purezza, pazienza, perdono, compassione e amore. Ad esempio, l'icona della Crocifissione non mostra il dolore fisico che Cristo ha sofferto sulla Croce, ma ciò che lo ha portato alla Croce: l'azione volontaria di dare la sua vita per noi.

Anche le icone sono silenziose. Un'attenta osservazione indica che le bocche dei personaggi raffigurati non sono mai aperte non ci sono simboli che possano indicare il suono. C'è un silenzio perfetto nell'icona e questa quiete e silenzio creano, sia in chiesa che in casa, un'atmosfera di preghiera e contemplazione. Il silenzio di un'icona è un silenzio che parla, è il silenzio di Cristo in Croce, il silenzio della Vergine, il silenzio della Trasfigurazione, il silenzio della Risurrezione.

Le icone non sono tridimensionali. La prospettiva nell'icona non esiste. Si cerca di suggerire la profondità, ma il piano frontale non viene mai abbandonato, perché l'icona non è una rappresentazione del nostro mondo cosciente, ma un tentativo di suggerire la bellezza del Regno di Dio. Gli oggetti naturali sono quindi resi in modo vivido ma simbolico, a volte astratto, perché la realtà spirituale non può essere rappresentata in immagini, se non attraverso l'uso di simboli. Ad esempio, un'icona del Battesimo del Signore raffigura Cristo da giovane, anche se era un uomo pienamente maturo al momento del suo battesimo nel Giordano. Il significato è che attraverso il battesimo entriamo in una nuova vita. Anche in questa icona (mosaico) del Battesimo vediamo un vecchio seduto di fronte a Giovanni. Rappresenta il vecchio fiume Giordano. Lo Spirito Santo che discende su Cristo è raffigurato come una colomba bianca.

Sebbene l'iconografia non sia una creazione artistica e possa essere qualificata più come riproduzione, non è semplice copiatura di lavori eseguiti da altri. L'iconografo utilizza prototipi ma la spiritualità individuale dell'iconografo è presente nella creazione di ogni icona. Leonid Ouspensky ha osservato che: ". il personale (nell'iconografia) è molto più sottile che nelle altre arti e così spesso sfugge all'osservazione superficiale. sebbene le icone siano notevolmente simili, non ne troviamo mai due assolutamente identiche".

Un'altra citazione, questa volta di Thomas Merton, spiega l'icona come atto di testimonianza: "Ciò che si vede nella preghiera davanti a un'icona non è una rappresentazione esterna di una persona storica, ma una presenza interiore nella luce, che è la gloria del Cristo trasfigurato. , la cui esperienza si trasmette nella fede di generazione in generazione».

Nell'iconografia ci sono due distinte categorie di colori. Prima c'è il bianco, il rosso, il verde e il blu, usati per esprimere vita, purezza, pace e bontà. La seconda categoria di colori è il nero, il marrone, il grigio e il giallo, e sono usati per esprimere il pericolo e l'impurità. Le credenze cristiane seguono il pensiero di Dioniso l'Aeropagita che distingue tre tipi di simboli: nobile, medio e basso.

Cosa rappresentano i colori nell'iconografia?

Bianco: è il colore che rappresenta la vita eterna e la purezza.

Blu: rappresenta gli esseri celesti, la dimora di Dio, il cielo.

Rosso: simboleggia l'attività. Nel pensiero ebraico, il rosso rappresenta la vita. Lo troviamo menzionato in diversi libri dell'Antico Testamento: nel secondo libro di Samuele, Saul vestiva di rosso le figlie d'Israele: "O figlie d'Israele, piangete su Saul, che vi vestiva di scarlatto, con voluttà". ( 2 Samuele 1:24) [1] . Nei Proverbi troviamo che la sposa perfetta veste di rosso, nel libro di Geremia Gerusalemme si abbellisce in una veste rossa. Le vesti dei martiri sono rosse, rosse anche le vesti dei serafini. Il rosso è anche il colore che rappresenta la salute, il fuoco e il Giudizio Universale.

Viola: il viola è il simbolo della regalità, della ricchezza, del potere e della dignità sacerdotale. Nel libro di Daniele apprendiamo che il re si vestiva di porpora, e nei Salmi si dice che il re e la regina sono vestiti di porpora.

Verde: nelle Sacre Scritture il verde rappresenta la natura e la vegetazione, ed è quindi rappresentativo della crescita e della fertilità. È menzionato nel Cantico dei Cantici e nel Libro di Geremia. Nell'iconografia è utilizzato per le vesti dei martiri e dei profeti.

Marrone: rappresenta la densità e la mancanza di luminosità. Il marrone è composto da rosso, blu, verde e nero ed è usato per rappresentare terreno, rocce ed edifici. È anche usato come simbolo di povertà e rinuncia per le vesti scure di monaci e asceti.

Nero: rappresenta l'assenza di vita simboleggia un vuoto. È l'opposto del bianco. Mentre il bianco rappresenta la pienezza della vita, il nero ne rappresenta la mancanza. I monaci e i monaci del Grande Schema indossano abiti neri, come simbolo della loro rinuncia a tutto ciò che è materiale.

Giallo: rappresenta la tristezza, è usato nell'icona del Salvatore deposto nella tomba. Nel Deuteronomio è menzionato come segno di sventura, cattivo raccolto e rovina.

Nell'iconografia un'icona non è dipinta, ma scritta. [2] Il processo di scrittura di un'icona è lungo e noioso. Molte ore, settimane, a volte mesi vengono spese nella creazione di un'icona, a seconda ovviamente delle dimensioni e della complessità di essa. Un monaco russo ha osservato una volta che ". le icone non sono dipinti civili. Non sono per i musei. Non sono decorazioni. Sono un riflesso di Dio che è diventato uomo. Le icone portano il vero sentimento e gli insegnamenti dell'Ortodossia".

L'iconografo non ha il diritto di cambiare un'icona solo per essere diverso e creativo. [3] Come accennato in precedenza, la creazione di un'icona non è opera del pittore. È più come un co-autore. Nel Manuale del Pittore, conservato sul Monte Athos, il maestro consiglia a chi aspira a diventare un pittore di icone di pregare davanti all'icona di Cristo e a quella della Madre di Dio, perché l'arte della pittura viene da Dio, che solo può guidare il mano del pittore per dare forma ai misteri di Dio.

La preparazione per lavorare su un'icona è simile alla preparazione per andare in chiesa: con preghiere e digiuni. Dipingere un'icona è un'opera liturgica. Prepararsi a dipingere un'icona è come prepararsi alla Liturgia. Inizia sempre con la preghiera. Quella che segue è la preghiera dell'iconografo: "O Divino Signore di tutto ciò che esiste, Tu hai illuminato con il Tuo Spirito Santo l'Apostolo ed Evangelista Luca, permettendogli così di rappresentare la Madre Santissima, colei che ti teneva in braccio e diceva : "La grazia di Colui che è nato da me è diffusa in tutto il mondo. . Illumina e orienta le nostre anime, i nostri cuori e i nostri spiriti. Guida le mani del tuo servo indegno, affinché possiamo rappresentare degnamente e perfettamente la tua icona, quello della tua Santa Madre e di tutti i santi, per la gloria e l'ornamento della tua santa Chiesa. Perdona i nostri peccati e i peccati di coloro che venereranno queste icone e che, stando devotamente davanti ad esse, rendono omaggio a coloro che rappresentano. da ogni male e istruiscili con buoni consigli. Questo chiediamo per le preghiere del Santissimo Theotokos, dell'apostolo Luca e di tutti i santi, ora e sempre e nei secoli dei secoli».

I materiali utilizzati per creare un'icona sono di diversi tipi. Il più utilizzato è il legno. Il legno deve essere duro e non resinoso, come betulla, tiglio o cipresso. Nella maggior parte dei pannelli di legno due cunei di legno duro sono inseriti orizzontalmente nella parte posteriore per evitare deformazioni. La superficie del pannello di legno viene poi ricoperta con un foglio di lino che viene incollato al legno e sopra di esso vengono applicati molti strati di gesso. (Il gesso è una speciale miscela di gesso e colla che quando indurisce è molto forte.) In genere si applicano sette strati di gesso, e ogni strato viene carteggiato dopo che si è asciugato. Poiché il processo di asciugatura può richiedere del tempo, potrebbe essere necessaria una settimana o più per preparare la superficie di un'icona prima che possa iniziare la pittura. La levigatura finale è molto importante, la superficie deve rimanere liscia come la seta.

Il passo successivo è quello di tracciare su carta il disegno del prototipo che verrà utilizzato. Fatto ciò, il disegno viene trasferito sulla lavagna con l'ausilio di carta carbone.

Il disegno è ora sulla lavagna e, con quello che viene chiamato uno stilo, i contorni del disegno vengono incisi leggermente sulla superficie della lavagna. Questo viene fatto in modo che i contorni non scompaiano sotto i diversi strati di vernice che verranno applicati successivamente. Se la superficie su cui verrà dipinta l'icona non ha gesso e i contorni del disegno non possono essere incisi su di essa, allora i contorni vengono passati con una vernice scura, in modo che possano essere visti sotto i molti strati che verranno Metti sopra.

Quello che segue è l'applicazione della foglia d'oro. La foglia d'oro deve essere applicata prima di ogni altra cosa. Per applicare la foglia d'oro, l'area che deve ricevere la foglia d'oro viene ricoperta da un sottile strato di colla speciale, sulla quale viene accuratamente applicata la foglia d'oro. Ci sono diversi tipi di foglia d'oro, la più usata è l'oro 23k, ma ci sono anche la foglia d'oro 22k, 18k e 14k, e c'è ovviamente anche la vernice dorata che alcuni possono usare per ragioni economiche.

Una volta terminata la foglia d'oro, inizia il lavoro vero e proprio sull'icona. Contrariamente a quanto può essere insegnato nelle scuole d'arte, la pittura sull'icona è costruita dal basso verso l'alto, partendo da colori scuri e arrivando a colori molto chiari. In generale ci sono sette strati di vernice. Dopo che il livello di base è stato applicato, i contorni vengono ridisegnati e i livelli successivi sono chiamati luci. Quando l'icona è terminata, vengono aggiunte le scritte e poi si lascia asciugare. A seconda del mezzo utilizzato, il tempo di asciugatura può richiedere fino a un paio di mesi.Dopo che l'icona si è asciugata, sulla superficie viene applicato uno strato sottile di vernice o olio. Se l'icona è dipinta in acrilico, la vernice viene spazzolata sull'icona e lasciata asciugare, creando una superficie abbastanza resistente. Se il medium pittorico è la tempera all'uovo, si applica sulla superficie olio di lino cotto e si lascia penetrare nella superficie dipinta e nel legno, creando anch'esso un rivestimento protettivo sulla faccia dell'icona e donandole luminosità e profondità.

In principio Dio creò il cielo e la terra.

La terra era informe e deserta e le tenebre ricoprivano l'abisso e lo Spirito di Dio aleggiava sulla superficie delle acque. E Dio disse: "Sia la luce" e la luce fu. In questi tre versetti del Libro della Genesi si riflette sia l'inizio che la fine della realizzazione dell'icona. Qui abbiamo il significato spirituale della scrittura di icone: il processo di scrittura di un'icona, come il movimento dall'essere senza forma all'Essere di Luce Luce significa la luce della vita. L'icona si sviluppa nelle mani dell'iconografo da una superficie bianca pura sulla quale non c'è forma al contorno generale dell'immagine dell'uomo a una figura completamente trasfigurata con un nome scritto sull'icona.

L'intero processo della creazione si ripete in ogni icona: dall'ombra alla luce, aggiungendo strato dopo strato di pittura e linee, e da un volto oscurato al Volto trasfigurato, trasformato, il Volto di una figura santa che assomiglia a Dio.

L'uomo è la corona della creazione di Dio ed Egli si è rivelato, si è fatto conoscere assumendo la forma dell'uomo nell'Incarnazione del suo Figlio diletto, Gesù Cristo, il Verbo di Dio. La parola. "In principio era il Verbo e il Verbo era Dio e il Verbo era presso Dio" (Giovanni 1:1). Il concetto della parola si riferisce non solo al dono della parola, del pensiero, ma anche al dono dell'udito e della vista. Perciò la teologia si può esprimere non solo con la parola come nella Sacra Scrittura, ma anche con il suono come nella musica sacra e con l'immagine come nelle sacre icone.

Possiamo dire che l'iconografia è teologia attraverso Dio Parola come Immagine, quindi l'icona è considerata una forma di dottrina cristiana. È la Parola di Dio, la Sacra Scrittura, a colori.

Le icone esposte nella chiesa sono più che attraenti opere d'arte, o oggetti decorativi, non sono nemmeno considerate arte religiosa, ma poiché le icone presentano soggetti religiosi possono essere classificate come arte religiosa. Infatti un'icona è un anello di congiunzione tra l'eterno e il temporale aiutando l'adoratore nel proprio pellegrinaggio attraverso questa vita terrena.

Il ruolo delle icone nella casa di ogni credente non deve essere preso alla leggera. Le icone della casa sono un'estensione della presenza del mistero liturgico che sperimentiamo in chiesa. L'icona è parte integrante del nostro stile di vita di culto.

Il significato spirituale dell'icona

L'umanità si muove simultaneamente verso l'autodistruzione mentre anela alla restaurazione o più specificamente alla salvezza. Mentre il male rimane ancora una realtà che infetta il modo di vivere dell'uomo, l'icona indica una nuova modalità di esistenza. La persona raffigurata nell'icona è una persona nuova che, indipendentemente dal sesso, è un riflesso dell'Uomo Nuovo Gesù Cristo. Attraverso l'incarnazione l'invisibile diventa visibile e l'indescrivibile diventa percepibile e quindi raffigurabile. Assumendo la natura umana, il Figlio di Dio apre la strada al rinnovamento di tutta l'umanità. Assumendo la natura umana il Figlio di Dio rivela la vera identità di ogni uomo come creato ad immagine e somiglianza di Dio. L'icona, quindi, raffigura ogni persona come un nuovo essere che è stato restaurato a immagine e somiglianza di Dio. Per questo l'icona può diventare un oggetto che evoca contemplazione e preghiera da parte di chi la guarda. Per questo motivo, l'iconografia ortodossa può essere adeguatamente apprezzata solo nel contesto della preghiera comunitaria che fornisce la base per il suo contenuto e la sua forma. L'iconografia è un'arte che scaturisce dalla celebrazione liturgica della nuova alleanza, l'Eucaristia, stabilita tra Dio e l'uomo mediante l'Incarnazione di Gesù Cristo che dice: «Ecco, io faccio nuove tutte le cose» (2 Cor 5,17).

I materiali utilizzati per le icone: legno, vernice, pietra, tessuto, vetro, metallo, elementi del creato, vengono portati nella realtà della chiesa e come ogni persona della comunità subiscono una trasformazione. La trasformazione della materia avviene contemporaneamente alla trasfigurazione e alla divinizzazione dell'uomo. Perché il mistero dell'incarnazione è così grande e così importante per noi da capire: attraverso la sua incarnazione Dio ha preso tutti gli elementi di questa terra nel suo corpo come noi li abbiamo nel nostro con la sua sofferenza, morte e risurrezione li ha purificati e li ha fatti di nuovo. Con la sua ascensione li ha portati in cielo. Nell'icona vediamo cosa sarà in futuro da ciò che è già qui presente. Storia ed escatologia si incontrano. Tutto è rappresentato come esistente al di là del tempo e dello spazio. Tutto nell'icona è su un unico piano, le figure sono lunghe e sottili, il baricentro è verso l'alto e non verso il basso. L'icona è in grado di testimoniare la liberazione da ciò che è malvagio e opprimente in questo mondo e rivela l'essere umano come creato ad immagine e somiglianza di Dio. Questo ci dice che l'uomo ha la capacità di conoscere e cambiare la creazione, perché l'uomo, come Dio, è capace di amare. Attraverso l'amore l'uomo stabilisce relazioni con altre persone e cose. Infatti all'uomo è stata affidata la cura della vita del creato. L'idea può essere ulteriormente rafforzata da quanto dice san Massimo il confessore a proposito della Liturgia cosmologica, come tutto e tutti sono santificati dall'atto dell'Eucaristia. Quando la liturgia è servita dal sacerdote e dalle persone nel tempio, si svolge una liturgia angelica mentre il sacerdote chiede che gli angeli siano simultaneamente presenti ed entrino insieme nel Santo dei Santi. C'è poi la Liturgia che si svolge sull'altare del cuore di ciascuno dei fedeli. Secondo San Massimo tutta la natura, uccelli, alberi e animali festeggiano insieme e si rallegrano di questa celebrazione. In questo modo si realizza l'armonia paradisiaca, affinché tutte le cose rimangano e crescano in Dio.

La bellezza, l'armonia, l'unità e la gioia della vita - come Dio l'ha intesa per noi - è sconvolta dalla bruttezza, dalla divisione, dall'alienazione, dalla miseria e dalla morte. Attraverso il peccato intraprendiamo un percorso di autodistruzione quindi la comunicazione con Dio viene interrotta. In tale stato l'uomo inizia un processo di autoconservazione, abusando di tutti e di tutto compreso Dio, come dice san Paolo nell'epistola ai Romani: peccato come sta scritto: Nessuno è giusto, nessuno, nessuno capisce, nessuno cerca Dio. Tutti si sono allontanati, insieme si sono sbagliati, nessuno fa del bene nemmeno a me. La loro gola è una fossa aperta, usano la lingua per ingannare, veleno di aspide è sotto le loro labbra, la loro bocca è piena di maledizioni e amarezze, i loro piedi sono veloci a versare sangue, sui loro sentieri sono rovina e miseria e non conoscono la via della pace , non c'è timor di Dio davanti ai loro occhi» (3,9-18).

Se l'icona deve essere un mezzo di contemplazione e di preghiera, chi le sta di fronte deve essere disposto ad entrare in un processo di pentimento che può essere doloroso. Stare davanti all'icona e vederla per quello che è, ci fa capire lo stato di fragilità in cui ci troviamo e la nostra alienazione da Dio. La contemplazione dell'icona richiede il pentimento che è una conversione da quell'autodistruzione alla vita. Se possiamo contemplare l'icona in silenzio, entreremo in uno stato di dolore e gioia. Dolore perché ci rendiamo conto del cattivo stato della nostra vita spirituale e del bisogno di cambiamento. Quando stabiliamo una relazione con l'icona, percepiamo con la nostra mente e percepiamo come la luce interiore dell'icona espone l'oscurità interiore delle nostre anime e ci incoraggia ad entrare in quella luce. Una volta giunti a questa comprensione entriamo nella gioia della Risurrezione che ci giunge quando non viviamo più per noi stessi ma siamo disposti e pronti a dare la nostra vita per il nostro prossimo, siamo pronti a dire con san Paolo:”. Non sono più io che vivo, ma Cristo vive in me» (Gal 2,20).

In presenza di una buona icona si passa dalla contemplazione alla preghiera. Infatti si dice che una buona icona è quella che ispira la preghiera. La preghiera richiede ascesi. L'ascesi orante diventa un processo di guarigione in cui tutto ciò che ci ha allontanato da Dio si trasforma in un mezzo di comunione con Dio. La mente, l'anima, il cuore, il corpo e la volontà della persona che prega diventano quiete, attente, in sintonia e in pace, costantemente ricettive alla presenza di Dio.

Quando preghiamo davanti a un'icona entriamo in comunione con il prototipo dell'icona. Questo diventa il compimento della preghiera di Cristo: «affinché siano tutti uno, come tu, Padre, sei in me e io in te, perché anch'essi siano uno in noi» (Gv 17,21). Sant'Isacco il Siro descrive la persona che prega come una persona che possiede un amore incontenibile e un'intensa compassione. Il cuore di una tale persona è in fiamme per tutta la creazione, per l'uomo, gli uccelli, gli animali, i demoni e tutte le creature. L'icona e colui che entra nella realtà raffigurata nell'icona testimoniano lo sradicamento del male che ha contagiato le conquiste dell'uomo. All'asceta che prega l'icona comunica il senso della vita. Materia e Spirito, cielo e terra, sono entrambi uniti nell'icona e in colui che è entrato nella realtà che essa comunica. Già nel presente cominciano a manifestare il futuro della creazione quando Dio sarà tutto in tutti.

L'Oxford Dictionary di Bisanzio. 3 voll. Oxford University Press, 1991, Oxford.

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FR. Robert Arida, "La spiritualità e la persona: la visione dell'icona ortodossa", da Sacred Art Journal, 1994, pg.11.

[1] Nota dell'editore: 2 regni nella Settanta LXX

[2] Nota dell'editore: l'affermazione che le icone sono scritte, non dipinte, è un'opinione, non un fatto. Altre visualizzazioni sono fornite qui: http://orthodoxwiki.org/Icon#.22Written.22_or_.22painted.22.3F

[3] Nota dell'editore: l'iconografo Nikolai Tsai osserva: Ma cosa succede se il prototipo è difettoso? Riporto le icone delle Nozze di Cana, dove gli elementi sono spesso contrari al Vangelo. In casi come questi, credo che l'iconografo abbia assolutamente non solo il diritto ma il dovere di cambiare l'icona per correggere l'errore.


Contesto ed evoluzione

Il primo logo FedEx ha visto la luce nel 1971 оду. Lo stemma presentava il nome completo della società "Federal Express" all'interno di un rettangolo diviso in due da una linea diagonale. La tavolozza dei colori aziendali includeva tre tonalità (blu, rosso e bianco) che rappresentavano le idee di potere e professionalità. Quel particolare schema di colori aveva lo scopo di attirare l'attenzione sul fatto che FedEx assumeva sia ex dipendenti del governo degli Stati Uniti che gente comune.

Nel 1994, il marchio ha rinnovato il suo logo. La direzione ha deciso di eliminare il nome lungo dell'azienda per raggiungere la semplicità ed evitare le associazioni negative causate dalla parola "federale". Tra quasi 200 opzioni, i designer hanno scelto quella con proporzioni ideali e colori equilibrati. Da allora FedEx è fedele all'emblema.


Fonte: di logodix

Il significato dei tatuaggi tradizionali giapponesi

Ci sono un certo numero di immagini e simboli usati nello stile giapponese del tatuaggio per trasmettere significati specifici. Queste immagini vengono utilizzate per trasmettere le convinzioni, le aspirazioni o i tratti caratteriali di una persona. Chiamati "motivi", questi elementi di design sono destinati ad avere lo stesso significato ovunque vengano utilizzati, in modo che il significato non sia esclusivo dell'individuo. Ciò significa che chiunque veda il tatuaggio può riconoscere immediatamente il significato e ciò che chi lo indossa vuole trasmettere, che si tratti di tratti della personalità, attributi del carattere o associazione con un'organizzazione criminale.

Tatuaggi drago giapponese:

Significato del tatuaggio: saggezza, forza, forza per il bene, vento/acqua

I draghi in Occidente simboleggiano tradizionalmente forza, ferocia e ricchezza. Sono una forza distruttiva, ma sono anche considerati guardiani. I giapponesi, e l'Oriente in generale, vedono i draghi in modo diverso. Nell'arte del tatuaggio tradizionale giapponese, i draghi sono forze generose e benevole che usano la loro forza per fare del bene all'umanità. La saggezza è un altro tratto attribuito ai draghi. Queste connotazioni positive hanno reso i tatuaggi del drago tra i più popolari tra i tatuaggi in stile giapponese.

Tatuaggi Koi:

Significato del tatuaggio: determinazione, forza, coraggio, voglia di successo, acqua

I tatuaggi giapponesi di pesce koi sono un altro dei disegni del tatuaggio più popolari nella tradizionale arte del tatuaggio giapponese. Le Koi sono un tipo di carpa allevato appositamente, un pesce originario della Cina, dove le Koi hanno effettivamente origine. Alle koi vengono date qualità maschili nel folklore orientale tradizionale come forza e coraggio. Si sapeva che le Koi in Cina tentavano di nuotare controcorrente nel Fiume Giallo, ma pochissimi riuscivano a nuotare oltre un punto noto come "Porta del Drago". Si diceva che le koi che lo facevano venissero ricompensate trasformandosi in draghi. Per questo le Koi simboleggiano anche determinazione e un forte desiderio di riuscire e diventare “qualcosa di più”.

Tatuaggi Fenice:

Significato del tatuaggio: rinascita, trionfo, fuoco

Questo tatuaggio, come molti altri tatuaggi giapponesi, ha un background condiviso con altre culture. La maggior parte di noi conosce la storia della Fenice, un uccello che viene consumato dal fuoco e poi risorge dalle proprie ceneri. Molti non sono consapevoli che la storia esiste in molte culture e in molti momenti della storia, inclusa la mitologia greca e romana, il folklore mediorientale e persino le Americhe. La storia della fenice giapponese trae la sua fonte dalla storia indigena della Cina continentale. Indipendentemente dall'origine, i tatuaggi fenice hanno lo scopo di simboleggiare la rinascita e il trionfo, nonché il rinnovamento e la ricostruzione di se stessi.

Tatuaggi di tigre:

Significato del tatuaggio: forza, coraggio, protettore contro la sfortuna, gli spiriti maligni e le malattie, il vento

Il tatuaggio della tigre giapponese porta con sé gli stessi tratti che attribuiamo al vero animale: forza e coraggio, ma anche lunga vita. Il tatuaggio della tigre è anche usato per allontanare gli spiriti maligni e la sfortuna, così come le malattie. La tigre è un simbolo sia per il nord che per l'autunno, si dice che controllino il vento e sono uno dei quattro animali sacri.

Tatuaggi Leone o Fu-Dog:

Significato del tatuaggio: protettivo, forte, coraggioso, buona fortuna, eroismo

Questo tatuaggio ricorda sia un leone che un cane. Più specificamente, sembra un leone con le orecchie a punta. Si dice che siano protettivi, forti e coraggiosi. Come statue servono a tenere fuori il male, come tatuaggi servono da protettori e spesso indicano una persona coraggiosa con aspirazioni eroiche.

Tatuaggio serpente giapponese:

Significato del tatuaggio: protezione, saggezza, buona fortuna, forza e cambiamento

Nei tatuaggi tradizionali giapponesi, il serpente ha una vasta gamma di significati e svolge una serie di importanti funzioni. Tra i suoi molti attributi ci sono la protezione da malattie, disastri e sfortuna. I tatuaggi di serpente rappresentano anche saggezza e protezione, in particolare dai risultati di decisioni sbagliate. Il serpente può anche incarnare la rigenerazione, la guarigione e la medicina poiché era venerato nella cultura giapponese in associazione con riti e rimedi medicinali. Come simbolo di buona fortuna, era anche pensato per portare buona salute.

Il tatuaggio del serpente giapponese rappresenta anche il Femminile Divino, o gli attributi femminili sacri. Si pensava che allo stesso modo in cui un serpente cambia la pelle, una donna potesse assumere gli attributi positivi di un uomo. Sembra un po' sessista, ma dopotutto era il Giappone antico.

Tatuaggi di teschi giapponesi:

Significato del tatuaggio: vita, morte, cambiamento, riverenza per i morti/antenati

Sebbene l'immagine del teschio umano in gran parte della cultura e dell'arte del tatuaggio in generale abbia una connotazione negativa (come morte, pericolo e cattiva sorte), il teschio usato nei tatuaggi giapponesi doveva essere una rappresentazione positiva di il ciclo di vita naturale.

Tradizionalmente, il tatuaggio del teschio giapponese rappresenta il cambiamento, il che ha senso in quanto la morte è il più grande cambiamento che l'uomo possa sperimentare.

Tatuaggi di fiori giapponesi:

I tatuaggi floreali giapponesi hanno un'ampia varietà di significati e sono un design molto importante e molto apprezzato nell'arte del tatuaggio tradizionale giapponese. Per comodità, abbiamo incluso le informazioni sui tatuaggi floreali giapponesi nella nostra sezione Tatuaggi floreali.

Oni/ Maschera Oni/ Tatuaggio Maschera Demone:

Significato del tatuaggio: bene e male, protettori, imbroglioni, demoni

Il tatuaggio Oni Mask nei tatuaggi giapponesi è estremamente comune e si riferisce alla credenza in un mondo spirituale in cui i demoni svolgono il loro ruolo di punire gli ingiusti e i malvagi, oltre a diffondere malattie (sembra una cosa casuale di cui essere responsabili, ma Immagino che si adatti a tutta la faccenda del male).

Mentre gli Oni sono noti per essere malvagi, alcuni Oni sono buoni e sono visti come protettori. Un esempio di ciò include un monaco che diventa un Oni dopo la morte per proteggere il suo tempio. In inglese, la parola Oni è meglio tradotta come orco o troll (la parola giapponese per "demone" è in realtà "yokai"). Oni, nel folklore tradizionale giapponese, noi predoni orchi noti per terrorizzare i villaggi e tormentare gli abitanti. La loro associazione con i demoni nell'arte del tatuaggio giapponese ha più a che fare con gli orchi raggruppati nel regno delle creature soprannaturali (insieme agli yokai) che con qualsiasi altra cosa. Tuttavia, il simbolismo regge poiché l'immaginario dell'orco predone non è lontano dall'idea dello spirito malvagio che il tatuaggio mira a trasmettere.

Tatuaggi acqua/onda:

Significato del tatuaggio: movimento, forza, fluidità, vita

Molti tatuaggi giapponesi sono caratterizzati dall'acqua. Nello specifico, le onde sono un elemento dell'arte del tatuaggio giapponese che sono forse tra i più riconoscibili (si pensi agli artisti tradizionali giapponesi, come Hokusai). L'immagine dell'acqua nei tatuaggi tradizionali giapponesi è spesso combinata con Koi, Draghi o Oni. Oltre a simboleggiare forza e vita, i tatuaggi ad acqua trasmettono la convinzione che la vita, come l'acqua, fluisce e rifluisce. È forte e veloce quando necessario, ma può essere anche gentile e calmo.


Pentagrammi, Agrippa e i pitagorici

Heinrich Cornelius Agrippa associava i cinque punti del pentagramma non solo ai cinque elementi neoplatonici, ma si vede anche associarli a cinque pianeti classici. Di seguito è mostrata una figura del pentagramma del "corpo umano", con Marte, Saturno, Venere, Giove e Mercurio. Questi cinque pianeti avrebbero avuto anche associazioni alchemiche.

Degno di nota è anche il pentagramma pitagorico “γιεια”, o pentagramma “salute”, che si trova oltre al pentagramma “corpo umano” nel libro di Agrippa De Occulta Philosophia libri III (1533). Il pentagramma “salute” è associato al pitagorismo, una scuola mistico-filosofica dell'antica Grecia.

Mentre l'influenza del Pitagorismo su Agrippa è difficile da determinare, è chiaro che ne era a conoscenza, facendovi riferimento in "De Occulta”.

“Democrito e Orfeo e molti Pitagorici, avendo diligentemente investigato le virtù delle cose celesti e le nature delle cose inferiori, dissero: Che tutte le cose sono piene di Dio e non senza causa. Perché non c'è nulla di tali virtù trascendenti, che essendo prive dell'assistenza divina, si accontentano della natura di se stesse». — Heirich Cornelius Agrippa, De Occulta Philosophia libri III


Qual è l'origine e il significato del pentagramma?

Il pentagramma è stato usato come simbolo religioso in tutto il mondo dall'inizio della storia documentata. Il pentagramma più elementare è semplicemente una stella a cinque punte disegnata con una linea continua spezzata in cinque segmenti di linea e con una punta della stella rivolta verso l'alto. Oggi, tuttavia, quando diciamo "pentagramma", di solito intendiamo "una stella a cinque punte con uno o due cerchi disegnati intorno". A volte un tale simbolo include altri piccoli segni che denotano un particolare sigillo magico (un simbolo usato negli incantesimi). Un pentagramma invertito mostra la stella "capovolta", cioè con un punto rivolto verso il basso e due rivolti verso l'alto. Qualunque sia la forma utilizzata, al pentagramma è sempre stato assegnato un simbolismo in cinque parti.

Il pentagramma era usato nelle antiche religioni cinesi e giapponesi per simboleggiare i cinque elementi della vita. Anche nella cultura giapponese il simbolo era considerato magico. L'antica cultura babilonese usava anche il pentagramma per rappresentare vari dei e credenze religiose proprie.

Nel simbolismo cristiano, il pentagramma di base (senza cerchio) era originariamente usato per rappresentare le cinque ferite di Gesù Cristo. Fu presto soppiantato dal simbolo della croce, ma il pentagramma era ancora riconoscibile come simbolo cristiano per alcune centinaia di anni dopo la risurrezione di Gesù. Alcuni dicono che la linea continua fosse considerata anche simbolica dell'Alfa e dell'Omega.

Il mondo accademico di influenza cristiana in Europa durante l'Illuminismo riscoprì l'interesse di Pitagora per il pentagramma, che contiene la sezione aurea. Lo studio di Pitagora andò però oltre la matematica, poiché assegnò i cinque elementi antichi ai cinque punti della stella: terra, acqua, aria e fuoco sui quattro punti inferiori e spirito sul punto più alto. A seconda della mitologia, questa disposizione di solito indicava il corretto ordinamento del mondo, con le cose materiali soggette allo spirito. Anche i Liberi Muratori e l'Eastern Star Organization hanno usato questo pentagramma pitagorico, aggiungendo spesso anche i propri simboli.

Nella Wicca e in varie forme di "magia bianca", il pentagramma verticale e circondato è considerato un simbolo che fornisce una protezione di qualche tipo. I gruppi pagani e neopagani usano il pentagramma in tutti i tipi di rituali e ornamenti perché simboleggia l'infinito, il legame dei cinque elementi e la protezione del sé.

A metà del 1800, un ricercatore di magia dichiarò in un libro che il pentagramma invertito era un simbolo del male perché presentava un'inversione dell'ordine naturale, ponendo la materia sopra il mondo degli spiriti. Da allora, il pentagramma invertito ha avuto associazioni con pratiche occulte e magia nera. La Chiesa di Satana usa il pentagramma invertito come parte del suo logo protetto da copyright, aggiungendo una testa di capra, incorniciata dalla stella.

Oggi, il pentagramma compare in film horror, thriller e drammi polizieschi, rafforzando l'associazione del simbolo con il neopaganesimo, la magia nera e l'occultismo. Naturalmente, non c'è niente di sbagliato in una stella e il pentagramma stesso non contiene alcun potere intrinseco. È stato usato in molti modi da molte culture diverse, incluso il cristianesimo. Non dovrebbe essere temuto in sé e per sé, anche se dovremmo essere consapevoli di ciò che altre persone stanno comunicando attraverso di esso.


Disegni anatomici medievali in primo piano a forma di cuore

Mentre la teoria del silfio è convincente, le vere origini della forma del cuore potrebbero essere più semplici. Studiosi come Pierre Vinken e Martin Kemp hanno sostenuto che il simbolo ha le sue radici negli scritti di Galeno e del filosofo Aristotele, che descrissero il cuore umano come avente tre camere con una piccola ammaccatura nel mezzo. 

Secondo questa teoria, la forma del cuore potrebbe essere nata quando artisti e scienziati del Medioevo hanno tentato di disegnare rappresentazioni di antichi testi medici. Nel XIV secolo, ad esempio, il fisico italiano Guido da Vigevano realizzò una serie di disegni anatomici con un cuore che somiglia molto a quello descritto da Aristotele. 

Poiché il cuore umano è stato a lungo associato all'emozione e al piacere, la forma è stata infine cooptata come simbolo del romanticismo e dell'amore cortese medievale. Divenne particolarmente popolare durante il Rinascimento, quando fu utilizzato nell'arte religiosa raffigurante il Sacro Cuore di Cristo e come uno dei quattro semi nelle carte da gioco. Nel XVIII e XIX secolo, nel frattempo, era diventato un motivo ricorrente nelle note d'amore e nei biglietti di San Valentino.


La storia accidentale del simbolo @

Chiamato “lumaca” dagli italiani e “coda di scimmia” dagli olandesi, @ è la condizione sine qua non della comunicazione elettronica, grazie agli indirizzi e-mail e agli handle di Twitter. @ è stato persino inserito nella collezione permanente del Museum of Modern Art, che ha citato il suo uso moderno come esempio di eleganza, economia, trasparenza intellettuale e senso delle possibili direzioni future che sono incorporate nelle arti del nostro tempo.”

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L'origine del simbolo stesso, uno dei caratteri più aggraziati sulla tastiera, è un mistero. Una teoria è che i monaci medievali, cercando scorciatoie durante la copia di manoscritti, convertissero la parola latina per “ in”—anno Domini—per “a” con la parte posteriore del “d” come coda. O è venuto dalla parola francese per “at”—à—e gli scribi, cercando di ottenere l'efficienza, spazzarono il pennino della penna intorno alla parte superiore e laterale. Oppure il simbolo si è evoluto da un'abbreviazione di “each at”—the “a” essendo racchiuso da un “e.” Il primo uso documentato risale al 1536, in una lettera di Francesco Lapi, un mercante fiorentino, che usava @ per indicare unità di vino chiamate anfore, che venivano spedite in grandi vasi di argilla.

Il simbolo ha poi assunto un ruolo storico nel commercio. I commercianti lo usano da tempo per indicare “al tasso di”—come nei widget 󈫼 @ $1.” (Che il totale sia $ 12, non $ 1, indica l'importanza fondamentale del simbolo). , l'età della macchina non è stata così gentile con @. Le prime macchine da scrivere, costruite a metà del 1800, non includevano @. Allo stesso modo, @ non era tra la matrice simbolica dei primi sistemi di tabulazione delle schede perforate (utilizzati per la prima volta nella raccolta e nell'elaborazione del censimento degli Stati Uniti del 1890), che erano i precursori della programmazione informatica.

L'oscurità moderna del simbolo terminò nel 1971, quando uno scienziato informatico di nome Ray Tomlinson stava affrontando un problema fastidioso: come collegare tra loro le persone che programmavano i computer. A quel tempo, ogni programmatore era in genere connesso a una particolare macchina mainframe tramite una connessione telefonica e una macchina telescrivente, fondamentalmente una tastiera con una stampante incorporata. Ma questi computer non erano collegati tra loro, un difetto che il governo degli Stati Uniti ha cercato di superare quando ha assunto la BBN Technologies, la società di Cambridge, Massachusetts, per cui lavorava Tomlinson, per aiutare a sviluppare una rete chiamata Arpanet, precursore di Internet.

La sfida di Tomlinson era come indirizzare un messaggio creato da una persona e inviato tramite Arpanet a qualcuno su un computer diverso. L'indirizzo richiedeva il nome di un individuo, ragionò, così come il nome del computer, che potrebbe servire a molti utenti. E il simbolo che separa questi due elementi di indirizzo non potrebbe essere già ampiamente utilizzato nei programmi e nei sistemi operativi, per non confondere i computer.

Gli occhi di Tomlinson caddero su @, in bilico sopra “P” sulla sua telescrivente Model 33. “Cercavo principalmente un simbolo che non fosse usato molto,” disse a Smithsonian. “E non c'erano molte opzioni—un punto esclamativo o una virgola. Avrei potuto usare un segno di uguale, ma non avrebbe avuto molto senso.” Tomlinson ha scelto @—“probabilmente salvandolo dal seguire la strada del segno ‘cent’ sulle tastiere dei computer,” lui dice. Usando il suo sistema di denominazione, si inviò un'e-mail, che viaggiava da una telescrivente nella sua stanza, attraverso Arpanet, e tornava a un'altra telescrivente nella sua stanza.

Tomlinson, che lavora ancora alla Bbn, dice di non ricordare cosa ha scritto in quella prima e-mail. Ma questo è appropriato se, come sosteneva Marshall McLuhan, "Il mezzo è il messaggio". Con quel messaggio, l'antico @, una volta quasi obsoleto, è diventato il fulcro simbolico di una rivoluzione nel modo in cui gli umani si connettono.


Qual è il simbolismo del design della chiave greca?

Il design della chiave greca simboleggia l'infinito o il flusso eterno della vita. Può anche rappresentare le onde, i quattro punti cardinali, le quattro stagioni e i serpenti. Il progetto è stato chiamato "meandro" dopo la torsione e la svolta del fiume Meandro nell'attuale Turchia. Era il simbolo più importante utilizzato nell'antica Grecia.

La forma del simbolo, sia angolata che arrotondata, è stata utilizzata come motivo decorativo in architettura, nelle tessere di mosaico e per circondare colonne di pietra. I templi erano ampiamente decorati utilizzando il design a meandro, ed è comune nell'arte greca e romana. Gli artigiani del mobile spesso incorporano il meandro nelle loro sculture in legno. I designer di gioielli vedono la chiave greca come rappresentante dei legami eterni di amicizia e amore. I tatuatori lo usano per indicare un viaggio che non ha una destinazione particolare pianificata.

Alcuni storici ritengono che il simbolo della chiave greca abbia avuto origine nel mito del labirinto, un labirinto di giardini formato da percorsi rettilinei separati da un'alta vegetazione simile a una siepe. È stato in particolare associato alla leggenda di Giasone, un marinaio che guidava una banda di eroi avventurosi conosciuti come "gli Argonauti". La cultura greca aveva molti collegamenti con il mare e l'acqua serpeggiava permeava la loro vita quotidiana e i loro pensieri.


Jones Storia, stemma di famiglia e stemmi

Mentre gli antenati dei portatori di Jones provenivano da antiche origini gallesi-celtiche, il nome stesso ha le sue radici nel cristianesimo. Questo cognome deriva dal nome personale John, che deriva dal latino Johannes, che significa "Yahweh è gentile".

Questo nome è sempre stato comune in Gran Bretagna, rivaleggiando in popolarità con William all'inizio del XIV secolo. Anche la forma femminile Joan, o Johanna in latino, era popolare e il cognome Jones potrebbe derivare sia dal nome maschile che da quello femminile. "Anche se le sue origini sono in Inghilterra, il cognome è prevalentemente tenuto da persone di estrazione gallese a causa dell'uso schiacciante dei patronimici in Galles dal XVI secolo e della prevalenza del nome John in quel momento." [1] "Accanto a John Smith, John Jones è probabilmente la combinazione di nomi più comune in Gran Bretagna." [2]

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Prime origini della famiglia Jones

Il cognome Jones è stato trovato per la prima volta nel Denbighshire (gallese: Sir Ddinbych), una contea storica nel nord-est del Galles creata dal Laws in Wales Act 1536, dove la loro antica sede di famiglia era a Llanerchrugog.

Il nome Jones, attualmente uno dei più prolifici al mondo, discende da tre fonti principali: da Gwaithvoed, Lord Cardigan, capo di una delle 15 nobili tribù del Galles del Nord nel 921 da Bleddyn Ap Cynfyn, re di Powys e da Dyffryn Clwyd, un capotribù di Denbighland.

Tutte e tre le linee si fusero nel Denbighshire intorno all'XI secolo e non si sa quale delle tre possa essere considerata il ramo principale della famiglia. Più tardi alcuni membri della famiglia si avventurarono in Inghilterra. "[La parrocchia di Astall nell'Oxfordshire] era in precedenza la residenza di Sir Richard Jones, uno dei giudici della corte delle suppliche comuni durante il regno di Carlo I. e ci sono ancora alcuni resti dell'antico maniero vicino alla chiesa , che ora sono convertiti in una casa colonica." [3]

"Llanarth Court [nel Monmouthshire], l'ammirata sede di John Jones, Esq., è un palazzo bello e spazioso, la parte anteriore è ornata da un elegante portico che ricorda quello del tempio di Pæstum." [3]

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Storia antica della famiglia Jones

Questa pagina web mostra solo un piccolo estratto della nostra ricerca Jones. Altre 58 parole (4 righe di testo) che coprono gli anni 1578, 1658, 1638, 1712, 1610, 1673, 1656, 1660, 1618, 1674, 1650, 1656, 1605, 1681, 1645, 1637, 1649, 1628, 1697, 1550, 1619, 1589, 1643, 1669, 1640, 1643 e sono inclusi nell'argomento Early Jones History in tutti i nostri prodotti PDF Extended History e prodotti stampati ove possibile.

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Variazioni ortografiche di Jones

I cognomi gallesi sono relativamente pochi di numero, ma hanno un numero spropositato di variazioni ortografiche. Ci sono molti fattori che spiegano la preponderanza delle varianti gallesi, ma la prima si trova durante il Medioevo quando entrarono in uso i cognomi gallesi. Gli scribi e i funzionari della chiesa registravano i nomi mentre suonavano, il che spesso portava a registrare in modo incoerente il nome di una singola persona nel corso della sua vita. La traslitterazione dei nomi gallesi in inglese spiega anche molte delle variazioni ortografiche: l'unica lingua celtica brittonica del gallese aveva molti suoni che la lingua inglese non era in grado di riprodurre accuratamente. Era anche comune che i membri di uno stesso cognome cambiassero leggermente i loro nomi, al fine di significare una lealtà di ramo all'interno della famiglia, un'adesione religiosa o persino affiliazioni patriottiche. Per tutti questi motivi, le numerose variazioni ortografiche di particolari nomi gallesi sono molto importanti. Il cognome Jones è stato occasionalmente scritto Jones, Jonas, Jones, Joness e altri.

I primi notabili della famiglia Jones (prima del 1700)

Di spicco tra la famiglia durante il tardo Medioevo erano Gwaithvoed Lord Cardigan, Bleddyn Ap Cynfyn e Dyffryn Clwyd Jones, i tre patriarchi della famiglia Jones John Jones di Gellilyfdy (c. 1578-c.1658), un avvocato gallese, antiquario, calligrafo, collezionista di manoscritti e scriba Richard Jones (1638-1712), primo conte di Ranelagh Sir Samuel Jones (1610-1673), un politico inglese che sedette alla Camera dei Comuni nel 1656 e nel 1660 il colonnello Philip Jones (1618-1674), un militare gallese.
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Migrazione della famiglia Jones in Irlanda

Alcuni membri della famiglia Jones si sono trasferiti in Irlanda, ma questo argomento non è trattato in questo estratto.
Altre 143 parole (10 righe di testo) sulla loro vita in Irlanda sono incluse in tutti i nostri prodotti PDF Extended History e nei prodotti stampati, ove possibile.

Jones migrazione +

Alcuni dei primi coloni di questo cognome furono:

Jones Settlers negli Stati Uniti nel XVII secolo
  • Chadwallader Jones, che sbarcò in Virginia nel 1623 [4]
  • Alexander Jones, che arrivò nel New England nel 1631 [4]
  • Alice Jones, arrivata a Boston nel 1635
  • Charles Jones e Humphrey Jones, che si stabilirono entrambi in Virginia nel 1636
  • Anne Jones, che si stabilì in Virginia nel 1648
  • . (Altri sono disponibili in tutti i nostri prodotti PDF Extended History e nei prodotti stampati ove possibile.)
Jones Settlers negli Stati Uniti nel XVIII secolo
  • David Jones, che arrivò a Boston, Massachusetts nel 1712 [4]
  • Arthur Jones, che arrivò in Virginia nel 1724 [4]
  • Cornelius Jones, che arrivò in Georgia nel 1732 [4]
  • Roger Jones, che arrivò in South Carolina nel 1738
Jones Settlers negli Stati Uniti nel XIX secolo
  • Christian Jones, che sbarcò in Pennsylvania nel 1801 [4]
  • William Jones, che sbarcò a New York nel 1815 [4]
  • James Jones, che arrivò a Porto Rico nel 1816 [4]
  • Sarah Jones, che si stabilì a New York nel 1821
  • Caroline Jones, che sbarcò a New York nel 1824 [4]
  • . (Altri sono disponibili in tutti i nostri prodotti PDF Extended History e nei prodotti stampati ove possibile.)

Jones migrazione in Canada +

Alcuni dei primi coloni di questo cognome furono:

Jones Settlers in Canada nel XVIII secolo
  • Sig. Ebenezer Jones Jr., U.E. (n. 1720) di New York, USA, che si stabilì nel distretto di origine, Saltfleet Township [Hamilton], Ontario c. 1780 ha servito negli Orange Rangers, sposato con Sarah Lockwood hanno avuto 5 figli [5]
  • Capt. John Jones U.E., alias "Mahogany Jones" nato nel Maine, USA da Pownalborough, che si stabilì a Grand Manan Island, Contea di Charlotte, New Brunswick c. 1780 prestò servizio nei Rangers, membro dell'associazione Port Matoon e dell'Associazione Penobscot [5]
  • Mr. Garret Jones U.E. che si stabilì a Belle Vue, Beaver Harbour, New Brunswick c. 1783 [5]
  • Mr. Thomas Jones U.E. che arrivò a Port Roseway [Shelburne], Nuova Scozia il 26 ottobre 1783 era il passeggero numero 290 a bordo della nave "HMS Clinton", prelevata il 28 settembre 1783 a Staten Island, New York [5]
  • La signora Hannah Jones U.E.che arrivò a Port Roseway [Shelburne], Nuova Scozia il 26 ottobre 1783 era il passeggero numero 319 a bordo della nave "HMS Clinton", prelevata il 28 settembre 1783 a Staten Island, New York [5]
  • . (Altri sono disponibili in tutti i nostri prodotti PDF Extended History e nei prodotti stampati ove possibile.)
Jones Settlers in Canada nel XIX secolo
  • Ty. Jones, di 50 anni, un agricoltore, che arrivò a Saint John, New Brunswick nel 1833 a bordo della nave "John" da Liverpool, in Inghilterra
  • John Jones, 24 anni, un agricoltore, che arrivò a Saint John, New Brunswick nel 1833 a bordo della nave "John" da Liverpool, in Inghilterra
  • Robert Jones, 20 anni, operaio, arrivato a Saint John, New Brunswick a bordo della nave "Billow" nel 1833
  • Richard Jones, che arrivò a Saint John, New Brunswick a bordo della nave "Protector" nel 1834
  • William Jones, 19 anni, che arrivò a Saint John, New Brunswick a bordo della nave "Highlander" nel 1834
  • . (Altri sono disponibili in tutti i nostri prodotti PDF Extended History e nei prodotti stampati ove possibile.)

Jones migrazione in Australia +

L'emigrazione in Australia seguì le prime flotte di detenuti, commercianti e primi coloni. I primi immigrati includono:

Jones Settlers in Australia nel XVIII secolo
  • Miss Ann Jones, detenuta inglese condannata per 7 anni nello Shropshire, in Inghilterra, trasportata a bordo del "Britannia III" il 18 luglio 1798, arrivando nel Nuovo Galles del Sud, Australia[6]
  • Miss Elizabeth Jones, detenuta inglese condannata a Hereford, Herefordshire, Inghilterra per 7 anni, trasportata a bordo del "Britannia III" il 18 luglio 1798, arrivando nel Nuovo Galles del Sud, Australia[6]
Jones Settlers in Australia nel XIX secolo
  • Il signor George Jones, detenuto britannico condannato a vita nel Middlesex, in Inghilterra, trasportato a bordo del "Calcutta" nel febbraio 1803, arrivando nel Nuovo Galles del Sud, Australia[7]
  • Mr. John Jones, (Hughes), detenuto britannico condannato a Bedford, Bedfordshire, Inghilterra per 7 anni, trasportato a bordo del "Calcutta" nel febbraio 1803, arrivando nel Nuovo Galles del Sud, Australia[7]
  • Mr. John Jones, detenuto britannico condannato a vita nello Shropshire, in Inghilterra, trasportato a bordo del "Calcutta" nel febbraio 1803, arrivando nel Nuovo Galles del Sud, Australia[7]
  • Mr. Thomas Jones, detenuto britannico condannato a vita nel Sussex, in Inghilterra, trasportato a bordo della "Calcutta" nel febbraio 1803, arrivando nel Nuovo Galles del Sud, Australia[7]
  • Il sig. William Jones, detenuto britannico condannato nel Middlesex, in Inghilterra per 7 anni, trasportato a bordo del "Calcutta" nel febbraio 1803, arrivando nel Nuovo Galles del Sud, Australia[7]
  • . (Altri sono disponibili in tutti i nostri prodotti PDF Extended History e nei prodotti stampati ove possibile.)

Jones migrazione in Nuova Zelanda +

L'emigrazione in Nuova Zelanda seguì le orme degli esploratori europei, come il capitano Cook (1769-70): prima vennero cacciatori di foche, balenieri, missionari e commercianti. Nel 1838, la British New Zealand Company aveva iniziato ad acquistare terreni dalle tribù Maori e a venderli ai coloni, e, dopo il Trattato di Waitangi nel 1840, molte famiglie britanniche intrapresero l'arduo viaggio di sei mesi dalla Gran Bretagna ad Aotearoa per iniziare una nuova vita. I primi immigrati includono:

Jones Settlers in Nuova Zelanda nel XIX secolo
  • Mr. Andrew Jones, colono australiano in viaggio da Hobart, Tasmania, Australia a bordo della nave "Bee" che arriva in Nuova Zelanda nel 1831 [8]
  • Mr. Stephen Jones, colono australiano in viaggio dal porto di Hobart, Tasmania, Australia a bordo della nave "David Owen" che arriva in Nuova Zelanda nel 1832 [8]
  • Thomas Jones, che sbarcò a Wellington, Nuova Zelanda nel 1839 a bordo della nave Success
  • Thomas Jones, che arrivò a Wellington, Nuova Zelanda a bordo della nave "Success" nel 1839
  • Joseph Jones, 21 anni, giardiniere, che arrivò a Wellington, in Nuova Zelanda, a bordo della nave "Martha Ridgeway" nel 1840
  • . (Altri sono disponibili in tutti i nostri prodotti PDF Extended History e nei prodotti stampati ove possibile.)
Jones Settlers in Nuova Zelanda nel XX secolo

Notabili contemporanei del nome Jones (post 1700) +

  • John Walter Jones (1946-2020), funzionario gallese, amministratore delegato del Welsh Language Board (1993�)
  • Mr. Terence Graham Parry Jones (1942-2020), nato a Colwyn Bay, Denbighshire, attore gallese, scrittore, comico noto come Terry Jones, ha contribuito a creare il circo volante di Monty Python
  • Aneurin M. Jones (1930-2017), pittore gallese che esponeva regolarmente al National Eisteddfod of Wales
  • David Huw Jones (1934-2016), vescovo anglicano gallese, vescovo di St. David's dal 1996 al 2001
  • Huw Jones (1700-1782), noto poeta gallese
  • Peter Rees Jones (1843-1905), figlio di un cappellaio, del Galles e fondatore del grande magazzino Peter Jones
  • Sir Edgar Rees Jones (1878-1962), avvocato gallese e politico del Partito Liberale
  • William Ronald Rhys Jones (1915-1987), giornalista letterario gallese ed editore
  • Tom Jones (nato nel 1940), all'anagrafe Thomas Jones Woodward, famoso cantante e attore gallese particolarmente noto per la sua voce potente
  • Catherine Zeta- Jones CBE (n. 1969), attrice vincitrice del WelshAcademy Award [9]
  • . (Altri 147 notabili sono disponibili in tutti i nostri prodotti PDF Extended History e prodotti stampati ove possibile.)

Eventi storici per la famiglia Jones +

Volo aereo della freccia 1285
  • Mr. Joseph A Jones (n. 1963), sergente americano di Knoxville, Tennessee, USA morto nell'incidente [10]
Imperatrice d'Irlanda
  • Mr. Edward John Jones, primo ufficiale britannico del Regno Unito che ha lavorato a bordo dell'Imperatrice d'Irlanda ed è sopravvissuto all'affondamento [11]
  • Mr. John Mackenzie Jones, British Junior 2nd Engineer dal Regno Unito che ha lavorato a bordo dell'Imperatrice d'Irlanda ed è morto nel naufragio [11]
  • La signora Miriam Jones, née Roberts British Matron dal Regno Unito che ha lavorato a bordo dell'Imperatrice d'Irlanda ed è morta nel naufragio [11]
  • Mr. Henry Andrew Jones, British Saloon Steward del Regno Unito che ha lavorato a bordo dell'Imperatrice d'Irlanda ed è morto nell'affondamento [11]
  • Mr. Daniel Henry Jones, marinaio britannico del Regno Unito che ha lavorato a bordo dell'Imperatrice d'Irlanda ed è sopravvissuto all'affondamento [11]
  • . (Ove possibile, sono disponibili altre 11 voci in tutti i nostri prodotti PDF Extended History e nei prodotti stampati.)
Volo TWA 800
  • Sig.ra Ramona U. Jones (1932-1996), 64 anni, di West Hartford, Connecticut, USA, passeggero americano a bordo del volo TWA 800 della J.F.K. Dall'aeroporto di New York all'aeroporto Leonardo da Vinci di Roma quando l'aereo si è schiantato dopo il decollo è morta nello schianto [12]
Esplosione di Halifax
  • Mr. Robert  Jones (1877-1917), artificiere canadese della sala macchine a bordo dell'HMS Highflyer di Halifax, Nuova Scozia, Canada, morto nell'esplosione [13]
  • Mr. Robert  Jones (1887-1917), carpentiere gallese a bordo della SS Picton di Port Madoc, Galles, Regno Unito morto nell'esplosione [13]
Disastro di Hillsborough
  • Richard Jones (1963-1989), laureato in chimica inglese che stava partecipando alla semifinale di FA Cup all'Hillsborough Stadium, a Sheffield, nello Yorkshire, quando l'area assegnata allo stand divenne sovraffollata e 96 persone rimasero schiacciate in quello che divenne noto come il disastro di Hillsborough e lui morì per le ferite riportate [14]
  • Gary Philip Jones (1790-1989), studente inglese che stava partecipando alla semifinale di FA Cup all'Hillsborough Stadium, a Sheffield, nello Yorkshire, quando l'area assegnata allo stand divenne sovraffollata e 96 persone rimasero schiacciate in quello che divenne noto come il disastro di Hillsborough e lui morì per le ferite riportate [14]
  • Christine Anne Jones (1961-1989), radiografa inglese senior e insegnante di scuola domenicale che stava partecipando alla semifinale della FA Cup allo Hillsborough Stadium, a Sheffield, nello Yorkshire, quando l'area assegnata allo stand divenne sovraffollata e 96 persone rimasero schiacciate in quella che divenne nota come il disastro di Hillsborough e morì per le ferite riportate [14]
HMAS Sydney II
  • Mr. Wilfred George Jones (1895-1941), capomaestro australiano di Naremburn, New South Wales, Australia, che partì in battaglia a bordo della HMAS Sydney II e morì nell'affondamento [15]
  • Mr. Ivan David Jones (1918-1941), artificiere australiano di quarta classe di Fremantle, Western Australia, Australia, che salpò in battaglia a bordo della HMAS Sydney II e morì nell'affondamento [15]
  • Mr. Philip Trevor Jones (1897-1941), capo sottufficiale australiano di Frankston, Victoria, Australia, che partì in battaglia a bordo della HMAS Sydney II e morì nell'affondamento [15]
  • Mr. Donald Edgar Jones (1920-1941), marinaio australiano di West Ryde, New South Wales, Australia, che partì in battaglia a bordo della HMAS Sydney II e morì nell'affondamento [15]
  • Mr. David James Jones (1914-1941), sottufficiale australiano di Glebe Point, New South Wales, Australia, che salpò in battaglia a bordo della HMAS Sydney II e morì nell'affondamento [15]
  • . (Ove possibile, sono disponibili altre 1 voci in tutti i nostri prodotti PDF Extended History e nei prodotti stampati.)
HMS Cornovaglia
  • Edward John Jones (d. 1942), marinaio britannico a bordo della HMS Cornwall quando fu colpita da bombardieri aerei e affondò morì nell'affondamento [16]
HMS Dorsetshire
  • Norman Jones, britannico a bordo della HMS Dorsetshire quando fu colpita da bombardieri aerei e affondò, sopravvisse all'affondamento [17]
  • William James Jones (d. 1945), marinaio britannico a bordo della HMS Dorsetshire quando fu colpita da bombardieri aerei e affondò morì nell'affondamento [17]
HMS Hood
  • Mr. Richard Jones (n. 1919), marinaio gallese in servizio per la Royal Navy Reserve di Holyhead, Anglesey, Galles, che salpò in battaglia e morì nell'affondamento [18]
  • Mr. Roy T R Jones (n. 1924), ragazzo inglese di 1a classe in servizio per la Royal Navy di Southend-on-Sea, Sussex, Inghilterra, che salpò in battaglia e morì nell'affondamento [18]
  • Mr. Ronald G S Jones (n. 1919), marinaio ordinario gallese in servizio per la Royal Navy da Tonpandy, Glamorgan, Galles, che salpò in battaglia e morì nell'affondamento [18]
  • Mr. Robert W Jones (n. 1924), ragazzo inglese di 1a classe in servizio per la Royal Navy da Barton-upon-Irwell, Lancashire, Inghilterra, che salpò in battaglia e morì nell'affondamento [18]
  • Mr. Kenneth Jones (n. 1923), marinaio ordinario inglese in servizio per la Royal Navy di Northallerton, Yorkshire, Inghilterra, che salpò in battaglia e morì nell'affondamento [18]
  • . (Ove possibile, sono disponibili altre 10 voci in tutti i nostri prodotti PDF Extended History e nei prodotti stampati.)
HMS Prince of Wales
  • Mr. Stanley Jones, marinaio britannico, che salpò in battaglia sulla HMS Prince of Wales e sopravvisse all'affondamento [19]
  • Mr. John Emyr Jones, marine britannico, che salpò in battaglia sulla HMS Prince of Wales e sopravvisse all'affondamento [19]
  • Mr. Bernard Jones, ragazzo britannico, che salpò in battaglia sulla HMS Prince of Wales e sopravvisse all'affondamento [19]
  • Mr. Thomas Jones, Able Seaman britannico, che salpò in battaglia sulla HMS Prince of Wales e sopravvisse all'affondamento [19]
  • Mr. Stanley Jones, marine britannico, che salpò in battaglia sulla HMS Prince of Wales e morì nell'affondamento [19]
  • . (Ove possibile, sono disponibili altre 11 voci in tutti i nostri prodotti PDF Extended History e nei prodotti stampati.)
HMS Repulse
  • Mr. Selwyn Jones, Steward britannico, che salpò in battaglia sull'HMS Repulse e sopravvisse all'affondamento [20]
  • Mr. Howard Wynn Jones, marinaio britannico abile, che salpò in battaglia sull'HMS Repulse e morì nell'affondamento [20]
  • Mr. Hugh W Jones, marinaio britannico, che salpò in battaglia sull'HMS Repulse e sopravvisse all'affondamento [20]
  • Mr. Maldwyn Price Jones, marinaio britannico abile, che salpò in battaglia sull'HMS Repulse e morì nell'affondamento [20]
  • Mr. Henry Norman Jones, marinaio ordinario britannico, che salpò in battaglia sull'HMS Repulse e morì nell'affondamento [20]
  • . (Ove possibile, sono disponibili altre 10 voci in tutti i nostri prodotti PDF Extended History e nei prodotti stampati.)
HMS Royal Oak
  • Raymond Herbert S. Jones, leader telegrafista britannico con la Royal Navy a bordo della HMS Royal Oak quando fu silurata dall'U-47 e affondata, sopravvisse all'affondamento [21]
  • Thomas H. Jones, British Leading Stoker con la Royal Navy a bordo della HMS Royal Oak quando fu silurata dall'U-47 e affondata, sopravvisse all'affondamento [21]
  • Thomas John Jones (1922-1939), British Boy 1st Class con la Royal Navy a bordo della HMS Royal Oak quando fu silurata dall'U-47 e affondata morì nell'affondamento [21]
  • Sydney Walter Jones (m. 1939), marinaio britannico con la Royal Navy a bordo della HMS Royal Oak quando fu silurata dall'U-47 e affondata morì nell'affondamento [21]
  • Henry George Jones (1918-1939), marinaio britannico della Royal Navy a bordo della HMS Royal Oak quando fu silurata dall'U-47 e affondata morì nell'affondamento [21]
  • . (Ove possibile, sono disponibili altre 2 voci in tutti i nostri prodotti PDF Extended History e nei prodotti stampati.)
Volo Pan Am 103 (Lockerbie)
  • Christopher Andrew Jones (1968-1988), studente americano di Claverack, New York, America, che volò a bordo del volo Pan Am 103 da Francoforte a Detroit, noto come attentato di Lockerbie nel 1988 e morì [22]
RMS Lusitania
  • Mr. William Ewart Gladstone Jones, terzo elettricista inglese di West Kirkby, Liverpool, Inghilterra, che ha lavorato a bordo della RMS Lusitania ed è sopravvissuto all'affondamento [23]
  • Mr. Michael Jones, Trimmer inglese dall'Inghilterra, che ha lavorato a bordo della RMS Lusitania ed è sopravvissuto all'affondamento [23]
  • Miss Mary Elizabeth Jones, hostess inglese di Bishopston, Bristol, Inghilterra, che lavorava a bordo dell'RMS Lusitania e morì nell'affondamento e fu recuperata [23]
  • Mr. Arthur Rowland Jones, primo ufficiale inglese dall'Inghilterra, che ha lavorato a bordo della RMS Lusitania ed è sopravvissuto all'affondamento fuggendo nella scialuppa di salvataggio 15 [23]
  • Mr. Hugh Jones, English Greaser di Liverpool, Inghilterra, che ha lavorato a bordo della RMS Lusitania ed è morto nel naufragio [23]
  • . (Ove possibile, sono disponibili altre 16 voci in tutti i nostri prodotti PDF Extended History e nei prodotti stampati.)
RMS Titanic
  • Mr. Albert Jones (m. 1912), 17 anni, Saloon Steward inglese di Southampton, Hampshire che ha lavorato a bordo dell'RMS Titanic ed è morto nell'affondamento [24]
  • Mr. Arthur Ernest Jones (m. 1912), 38 anni, Steward inglese di Woolston, Hampshire, che lavorava a bordo del RMS Titanic e morì nell'affondamento [24]
  • Mr. H. Jones (m. 1912), 29 anni, English Roast Cook di Alresford, Essex, che lavorò a bordo del RMS Titanic e morì nell'affondamento [24]
  • Sig. Reginald V. Jones (m. 1912), di 20 anni, saloon steward inglese di Southampton, Hampshire che ha lavorato a bordo dell'RMS Titanic ed è morto nell'affondamento [24]
  • Mr. Thomas William Jones, 32 anni, inglese Able Seaman di Liverpool, Lancashire che ha lavorato a bordo del RMS Titanic ed è sopravvissuto all'affondamento fuggendo sulla scialuppa di salvataggio 8 [24]
  • . (Un'altra voce è disponibile in tutti i nostri prodotti PDF Extended History e prodotti stampati, ove possibile.)
USS Arizona
  • Mr. Hubert H. Jones, capo tender americano che lavorava a bordo della nave "USS Arizona" quando affondò durante l'attacco giapponese a Pearl Harbor il 7 dicembre 1941, sopravvisse all'affondamento [25]
  • Mr. Willard Worth Jones, marinaio americano di prima classe del Tennessee, USA, che lavorava a bordo della nave "USS Arizona" quando affondò durante l'attacco giapponese a Pearl Harbor il 7 dicembre 1941, morì nell'affondamento [25]
  • Mr. Woodrow Wilson Jones, marinaio americano di seconda classe dell'Alabama, USA che lavorava a bordo della nave "USS Arizona" quando affondò durante l'attacco giapponese a Pearl Harbor il 7 dicembre 1941, morì nell'affondamento [25]
  • Mr. Leland Jones, marinaio americano di prima classe del Tennessee, USA che lavorava a bordo della nave "USS Arizona" quando affondò durante l'attacco giapponese a Pearl Harbor il 7 dicembre 1941, morì nell'affondamento [25]
  • Il signor Quincy Eugene Jones, soldato americano di prima classe dal Texas, USA, che lavorava a bordo della nave "USS Arizona" quando affondò durante l'attacco giapponese a Pearl Harbor il 7 dicembre 1941, morì nell'affondamento [25]
  • . (Ove possibile, sono disponibili altre 9 voci in tutti i nostri prodotti PDF Extended History e nei prodotti stampati.)

Storie correlate +

Il motto di Jones +

Il motto era originariamente un grido di guerra o uno slogan. I primi motti iniziarono ad essere mostrati con le armi nel XIV e XV secolo, ma non furono in uso generale fino al XVII secolo. Quindi gli stemmi più antichi generalmente non includono un motto. I motti raramente fanno parte della concessione di armi: sotto la maggior parte delle autorità araldiche, un motto è un componente opzionale dello stemma e può essere aggiunto o modificato a piacimento molte famiglie hanno scelto di non mostrare un motto.

Motto: Eb dduw, eb ddim
Traduzione del motto: Senza Dio, senza niente.


Guarda il video: Le Porte dellInferno al Quirinale?!! 15 Ottobre. un caso? Giorgio Rossi (Potrebbe 2022).


Commenti:

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