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Statuette votive etrusche di Menerva (Athena)

Statuette votive etrusche di Menerva (Athena)



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La dea romana Minerva

Dalle sue leggende uniche a come era adorata in tutto l'Impero Romano, ecco tutto ciò che devi sapere su Minerva, dea della saggezza!

Quando i romani crearono la loro mitologia, diedero le storie e le caratteristiche degli dei greci alle divinità locali. Il risultato fu che gli dei romani avevano nomi dall'etrusco e da altre lingue italiane, ma per il resto erano praticamente identici al pantheon greco.

Il modo in cui questi dei erano visti a Roma, tuttavia, a volte era diverso da come lo erano stati in Grecia. A causa delle differenze tra le loro culture e dell'imprecisa associazione tra divinità italiane e greche, emersero alcune qualità unicamente romane.

Atena, la dea greca della saggezza e della guerra, aveva ricevuto il nome di Minvra, una dea etrusca. Come Minerva, i romani ponevano meno enfasi sul suo ruolo in guerra e vedevano ulteriore influenza dalla dea nel commercio e nelle arti.

Con la crescita dell'Impero Romano, Minerva divenne ancora più distinta dalla sua controparte greca. Nuove storie, ruoli civici ampliati e le influenze delle province più lontane dell'Impero hanno creato una mitologia e un'identità uniche per Minerva.


Arte Blart

Mostra: ‘Power and Pathos: Bronze Sculpture of the Hellenistic World’ al J. Paul Getty Museum, Getty Center, Los Angeles

Date della mostra: 28 luglio – 1 novembre 2015

A cura di Jens Daehner e Kenneth Lapatin, entrambi del J. Paul Getty Museum

Il fascino continua. Tutti questi secoli dopo.

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Molte grazie al J. Paul Getty Museum per avermi permesso di pubblicare l'opera d'arte nel post. Fare clic sulle fotografie per una versione più grande dell'immagine.

“La bellezza è l'unica cosa che il tempo non può danneggiare. Le filosofie cadono come sabbia, i credi si susseguono, ma ciò che è bello è una gioia per tutte le stagioni, un possesso per tutta l'eternità.”

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Oscar Wilde

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“La nostra ambizione dovrebbe essere quella di governare noi stessi, il vero regno per ognuno di noi e il vero progresso è sapere di più, essere di più e fare di più.”

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Oscar Wilde

Durante il periodo ellenistico – dalla morte di Alessandro Magno nel 323 a.C. fino alla costituzione dell'Impero Romano nel 31 a.C. – il mezzo del bronzo ha guidato l'innovazione artistica in Grecia e altrove in tutto il Mediterraneo. Gli scultori sono andati oltre le norme classiche, integrando soggetti tradizionali e forme idealizzate con rappresentazioni realistiche di stati fisici ed emotivi. Il bronzo – supera il marmo con la sua resistenza alla trazione, gli effetti riflettenti e la capacità di trattenere i minimi dettagli – è stato impiegato per composizioni dinamiche, esposizioni abbaglianti del corpo nudo ed espressioni grafiche di età e carattere.

Gettate da leghe di rame, stagno, piombo e altri elementi, le statue in bronzo furono prodotte a migliaia in tutto il mondo ellenistico. Erano concentrati in spazi pubblici e ambientazioni all'aperto: ritratti onorifici di governanti e cittadini popolavano piazze cittadine e immagini di dei, eroi e mortali affollavano santuari. Pochi, tuttavia, sopravvivono, e quelli che lo fanno sono dispersi in tutto il mondo e solitamente visualizzati come capolavori isolati. Questa mostra riunisce un numero significativo dei bronzi di grandi dimensioni conservati oggi in modo che possano essere visti nel contesto. Nuove scoperte sono presentate insieme ad opere conosciute da secoli, e per la prima volta diverse statue strettamente correlate sono mostrate fianco a fianco.

Testo dal sito web del J. Paul Getty Museum

Pathos

Pathos è una delle tre modalità di persuasione nella retorica (insieme a ethos e logos).
Pathos fa appello alle emozioni del pubblico.
Fa parte delle filosofie retoriche di Aristotele.

Non deve essere confuso con ‘bathos’,
che è un tentativo di eseguire in modo serio,
moda drammatica che fallisce
e finisce per diventare una commedia.

Anche gli eventi patetici in una trama non devono essere confusi con eventi tragici.
In una tragedia, il personaggio provoca la propria morte, mentre
quelli che invocano il pathos spesso si presentano a personaggi innocenti, invocando
dolore immeritato.

Il fascino emotivo può essere realizzato in molti modi:
da una metafora o da un racconto, comune come un gancio,
da una passione generale nella consegna e da un numero complessivo
di elementi emotivi nel testo del discorso, o per iscritto.

Pathos è un appello al giudizio etico del pubblico.
Può essere sotto forma di metafora, similitudine, una consegna appassionata,
o anche una semplice affermazione che una questione è ingiusta.
Pathos può essere particolarmente potente se usato bene, ma la maggior parte dei discorsi
non affidarti esclusivamente al pathos. Pathos è più efficace quando l'autore
si collega a un valore sottostante del lettore.

Viste dell'installazione della mostra Potenza e pathos al J. Paul Getty Museum di Los Angeles

“Durante l'era ellenistica, gli artisti di tutto il Mediterraneo hanno creato sculture innovative e realistiche di potenza fisica e intensità emotiva. Il bronzo – con la sua superficie riflettente, la resistenza alla trazione e la capacità di trattenere i dettagli più fini è stato impiegato per composizioni dinamiche, espressioni grafiche di età e carattere e abbaglianti esposizioni della forma umana. In mostra al J. Paul Getty Museum dal 28 luglio al 1 novembre 2015, Potenza e pathos: scultura in bronzo del mondo ellenistico è la prima grande mostra internazionale che riunisce più di 50 bronzi antichi della regione mediterranea e non solo che vanno dal IV secolo a.C. al I secolo d.C.

“La rappresentazione della figura umana è fondamentale per l'arte di quasi tutte le culture antiche, ma da nessuna parte ha avuto maggiore importanza, o maggiore influenza sulla storia dell'arte successiva, che in Grecia,” ha detto Timothy Potts, direttore del J Museo Paul Getty. “Fu nel periodo ellenistico che gli scultori spinsero al limite gli effetti drammatici dei drappeggi ondeggianti, dei capelli arruffati e delle rappresentazioni sorprendentemente dettagliate di vene, rughe, tendini e muscolatura, rendendo la scultura del loro tempo la più realistica ed emotivamente carico mai realizzato, e tuttora uno dei momenti più alti della storia dell'arte europea. Al suo meglio, la scultura ellenistica non lascia nulla a desiderare o migliorare. Le oltre 50 opere in mostra rappresentano la più bella di queste opere spettacolari ed estremamente rare sopravvissute, e fanno di questa una delle più importanti mostre di scultura classica antica mai allestite. Questo è un evento imperdibile per chiunque sia interessato all'arte classica o alla scultura.”

Le sculture in bronzo di grandi dimensioni sono tra i più rari sopravvissuti dell'antichità, il loro prezioso metallo era tipicamente fuso e riutilizzato. File di piedistalli vuoti ancora visibili in molti siti antichi sono una dura testimonianza dell'ubiquità passata della statuaria in bronzo in epoca ellenistica. Ironia della sorte, molti bronzi conosciuti oggi esistono ancora perché un tempo furono persi in mare, per poi essere recuperati secoli dopo. Potenza e pathos: scultura in bronzo del mondo ellenistico è particolarmente notevole per riunire opere d'arte rare che di solito sono esposte in isolamento. Se visti in prossimità l'uno dell'altro, la varietà di stili e tecniche impiegate dagli scultori antichi è enfatizzata con maggiore efficacia, così come le diverse funzioni e storie delle sculture in bronzo. Il bronzo, fuso in stampi, era un materiale molto adatto alla riproduzione, e la mostra offre un'opportunità senza precedenti di vedere insieme per la prima volta oggetti dello stesso tipo, e anche della stessa bottega. Ad esempio, due erme di Dioniso –, la Mahdia Herm dal Museo Nazionale del Bardo, in Tunisia e la Getty Herm, sono state realizzate nello stesso laboratorio e non sono state mostrate insieme dall'antichità.

"La Mahdia Herm è stata trovata al largo della costa tunisina nel 1907 insieme al carico di un'antica nave che trasportava molte opere d'arte dalla Grecia", ha detto Jens Daehner, uno dei curatori della mostra. “È l'unico caso superstite di un bronzo antico firmato da un artista (Boëthos di Kalchedon). L'idea che Getty Herm provenga dallo stesso laboratorio si basa sulla stretta corrispondenza del bronzo, una lega di rame, stagno, piombo e altri oligoelementi che è come il DNA delle sculture in bronzo. Le informazioni che queste due opere producono quando studiate insieme sono straordinarie. È un perfetto esempio di quanto sia rivelatore e istruttivo contemplare i bronzi ellenistici in concerto l'uno con l'altro.”

La mostra è organizzata in sei sezioni: Immagini di sovrani, Corpi ideali ed estremi, Immagini degli dei, L'arte della replica, Somiglianza ed espressione e Stili retrospettivi.

"Il nostro obiettivo nel riunire questo straordinario gruppo dei più significativi bronzi antichi sopravvissuti è presentare queste opere, normalmente viste come capolavori isolati, nei loro contesti più ampi", ha affermato Kenneth Lapatin, co-curatore della mostra . “Queste meravigliose sculture si uniscono per raccontare una ricca storia, non solo di realizzazione artistica, ma anche delle preoccupazioni politiche e culturali delle persone che le hanno commissionate, create e viste più di duemila anni fa.”

Tra le tante opere famose c'è la cosiddetta Testa di uomo di Delo dal Museo Nazionale di Atene, un ritratto espressivo irresistibilmente con occhi intarsiati ben conservati. Si ritiene che l'immagine drammatica di un soggetto sconosciuto risalga alla fine del II o all'inizio del I secolo a.C. L'iconico Terme Boxer in prestito dal Museo Nazionale Romano, con le sue cicatrici e lividi realistici, si distingue come l'epitome della moderna comprensione dell'arte ellenistica, impiegando dettagli minuziosi e un soggetto enfatico e accattivante. Lo stanco combattente, accasciato ed esausto dopo la sua brutale competizione, combina il potere e il pathos che è unico nella scultura ellenistica.

Sebbene oggi sopravvivano raramente, più versioni della stessa opera erano la norma nell'antichità. Un buon esempio è la figura di un atleta raffigurata con in mano uno strigile, una lama ricurva usata per raschiare l'olio e lo sporco dalla pelle, noto in greco come apoxyomenos o “scraper”. Questa mostra riunisce tre calchi in bronzo – due statue complete e una testa – che sono versioni tardo ellenistiche o della prima età romana imperiale di una statua creata nel 300 a.C. da un importante scultore dell'epoca. Questa era evidentemente una delle opere più famose del suo tempo e le copie furono fatte anche nel periodo imperiale romano.”

Comunicato stampa dal sito web del J. Paul Getty Museum

Incontro con Bronzi Antichi

Ritratto di Aule Meteli “L'Arringatore”
125-100 a.C.
greco
Bronzo e rame
A: 170 x L: 68,6 x P: 101,6 cm (5 piedi 6 15/16 x 27 x 40 pollici)
Immagine per gentile concessione della Soprintendenza per i Beni Archeologici della Toscana – Museo Archeologico Nazionale, Firenze
Museo Archeologico Nazionale, Firenze (Soprintendenza per i Beni Archeologici della Toscana)

Scoperta a metà del 1500 a Sanguineto, nel cuore etrusco che oggi è il confine tra Toscana e Umbria, questa statua entrò poco dopo nella collezione medicea di Firenze. Identificato come Aule Meteli in un'iscrizione etrusca sul bordo inferiore della veste, la figura alza una mano in un gesto che sembra chiedere silenzio all'inizio di un discorso – da qui il nome italiano moderno Arringatore (Oratore). Indossa una tunica a righe sotto una toga, sandali allacciati e un anello alla mano sinistra. Il realismo delle sue caratteristiche facciali è un segno distintivo greco ellenistico che si vede anche nei ritratti contemporanei italici e repubblicani romani. La statua è stata assemblata da nove parti fuse separatamente. Il braccio destro esteso dimostra la capacità del bronzo – più forte e più leggero del marmo – di rendere le pose dinamiche senza supporto.

L'iscrizione retrograda è in alfabeto etrusco e recita: “auleśi meteliś ve[luś] vesial clenśi / cen flereś tece sanśl tenine / tu θineś χisvlicś” (“A (o da) Auli Meteli, figlio di Vel e Vesi, Tenine (?) eresse questa statua come offerta votiva a Sans, su delibera del popolo”)

Erma di Dioniso
200-100 a.C.
Bronzo, rame e pietra
H 103,5 cm L 23,5 cm P 19,5 cm
Attribuito alla bottega di Boëthos di Kalchedon (greco, attivo circa 200-100 a.C.)
Il J. Paul Getty Museum

Questa erma è quasi identica per tipo e dimensioni alla sua "gemella" di Mahdia, firmata dall'artista Boëthos di Kalchedon. Entrambi sono stati realizzati con lo stesso metodo: fusione cava con il processo a cera persa. Un po' meglio conservato, questo esemplare conserva uno dei suoi occhi di pietra originali, racchiusi in ciglia di rame. Il suo modello in cera, tuttavia, era preparato meno ad arte di quello della versione firmata. Ci sono scorciatoie nel loop dei nastri e l'assenza di foglie di vite sul copricapo è particolarmente evidente. L'analisi dei metalli ha stabilito che entrambe le opere sono state fuse con una lega notevolmente simile che le distingue dalle altre sculture in bronzo. Pertanto, nonostante le differenze nei dettagli e nell'esecuzione, sono stati probabilmente prodotti nello stesso momento, nella stessa officina e utilizzando lo stesso lotto di metallo.

Sopravvivenza

Le statue di bronzo di grandi dimensioni sono raramente sopravvissute dall'antichità, poiché la maggior parte è stata fusa in modo che il loro prezioso metallo potesse essere riutilizzato. File di piedistalli di pietra vuoti possono ancora essere visti in siti antichi, lasciando solo un'impressione dell'ubiquità della scultura in bronzo nel mondo ellenistico. Ironia della sorte, molti bronzi conosciuti oggi sono stati conservati perché sepolti o persi in mare, per poi essere recuperati secoli dopo da archeologi, subacquei e pescatori.

Geografia culturale

L'arte ellenistica era un fenomeno diffuso, spinto dalla vasta espansione del mondo greco sotto Alessandro Magno alla fine del IV secolo a.C. L'impatto della cultura greca può essere rintracciato non solo in tutto il Mediterraneo dall'Italia all'Egitto, ma anche in regioni al di là come la Tracia nei Balcani, la Colchide (nell'attuale Repubblica di Georgia) e la penisola arabica meridionale. I bronzisti greci itineranti soddisfacevano le commissioni lontano dalla loro patria, mentre gli artigiani locali impiegavano tecniche indigene per creare statue in stili greci alla moda. Attraverso il commercio, la migrazione, il saccheggio e l'emulazione, la scultura in bronzo è servita come veicolo per il trasferimento di cultura e tecnologia.

Riproduzione

Unici come appaiono oggi la maggior parte dei bronzi antichi, molti non sono mai stati intesi come “originali” nel senso moderno del termine. Il processo di fusione delle statue in calchi non solo ha facilitato la produzione di multipli, ma ha anche permesso la riproduzione fedele di opere più antiche di epoca arcaica e classica del VI e V secolo a.C. Le copie in bronzo, nonché gli adattamenti e le ricombinazioni in una varietà di stili furono realizzate fino al periodo imperiale romano.

Formule di potere: immagini di governanti

Le conquiste di Alessandro Magno (regnò dal 336 al 323 a.C.) trasformarono la politica e la cultura antiche, creando nuovi regni e diminuendo l'autonomia delle singole città-stato. La morte prematura di Alessandro lasciò il suo dominio nelle mani dei suoi generali, i Diadochoi (Successori). Hanno cercato di emulare il suo stile carismatico di leadership e hanno adottato i modelli visivi usati per ritrarlo come un giovane sovrano dinamico e invincibile. Molte di queste immagini furono modellate da Lisippo di Sicione, lo scultore preferito di Alessandro e l'artista più celebre dell'epoca. Lisippo sembra aver lavorato esclusivamente in bronzo, adattando le precedenti formule classiche per atleti, eroi e dei e trasformandole in vigorose raffigurazioni di potenti re.

La ritrattistica del sovrano è emersa come genere distintivo nell'età ellenistica e il bronzo era il suo mezzo principale. I Diadochoi, come Alessandro, furono mostrati in vari modi: nudi, in armatura e a cavallo. Sebbene in genere commissionassero i propri ritratti, le statue di loro venivano anche erette come onori pubblici da città prive di potere che cercavano o riconoscevano il favore. Oggi, la condizione frammentaria della maggior parte delle sculture superstiti rende difficile l'identificazione degli individui.

Alessandro Magno a cavallo
100-1 a.C.
greco
Bronzo e argento
A: 51 x L: 29 x P: 51 cm (20 1/16 x 11 7/16 x 20 1/16 in.)
Su concessione Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo – Soprintendenza per i Beni Archeologici di Napoli
Foto: Giorgio Albano

Alessandro Magno è riconoscibile dal diadema reale nei suoi caratteristici capelli mossi. Il re macedone indossa una corta clamide (mantello), una corazza e sandali militari allacciati. Una volta brandiva una spada nella mano destra, mentre con la sinistra afferrava le redini del suo cavallo impennato, presumibilmente il suo Boukephalos preferito (Testa di toro). Trovata nel 1761 ad Ercolano, in Italia, si pensa che la statuetta sia una replica in scala ridotta del fulcro di un gruppo monumentale di Lisippo. L'originale, ora perduto, fu allestito nel Santuario di Zeus a Dion, nel nord della Grecia, per commemorare la vittoria di Alessandro sui Persiani al fiume Granikos nel 334 a.C. fu trasferito a Roma nel 146 a.C.

Testa di cavallo “Il cavallo Medici Riccardi”
Circa 350 a.C.
italiano
Bronzo e oro
A: 81,3 x L: 97 x P: 35 cm (32 x 38 3/16 x 13 3/4 in.)
Museo Archeologico Nazionale di Firenze (Soprintendenza per i Beni Archeologici della Toscana)
Immagine per gentile concessione della Soprintendenza per i Beni Archeologici della Toscana – Museo Archeologico Nazionale, Firenze

Una volta parte di una statua equestre, questa testa di cavallo ben conservata mostra caratteristiche anatomiche altamente realistiche. Anche se mancano gli occhi incassati, le narici dilatate, le pieghe del collo e la bocca aperta un po' allungata servono a sottolineare la postura dinamica. Dell'originaria doratura e della briglia ormai perduta rimangono tracce. Il mezzo del bronzo ha permesso i dettagli fini della scultura, la cui vigorosa muscolosità e vene pulsanti sono tra le forme espressive sviluppate dagli artisti ellenistici.

Ritratto di Seute III
circa 310-300 a.C.
greco
Bronzo, rame, calcite, alabastro e vetro
Oggetto: H: 32 x L: 28 x P: 27,9 cm (12 5/8 x 11 x 11 pollici)
Immagine per gentile concessione dell'Istituto Nazionale di Archeologia con Museo, BAS
Foto: Krasimir Georgiev

La potenza e l'intensità dello sguardo di quest'uomo sono esaltate dall'uso di diversi tipi di materiali per i suoi occhi. Con i capelli lunghi e la barba folta, si pensa che il ritratto raffiguri Seute III, che governò il regno di Tracia degli Odrisi (nell'attuale Bulgaria) dal 331 a.C. circa. al 300 a.C. Trovata nel 2004 presso la tomba monumentale di Seuthes a Šipka, la testa potrebbe essere stata parte di una statua a figura intera che originariamente si trovava a Seuthopolis, una città da lui fondata nelle vicinanze.

Ritratto di un uomo
100-1 a.C.
Bronzo
H 29,5 cm L 21,5 cm P 21,5 cm
Il J. Paul Getty Museum

Probabilmente un tempo parte di una statua a figura intera, questa testa ha capelli rozzamente modellati che ricordano i ritratti di Alessandro Magno. Gli occhi infossati erano originariamente intarsiati in un altro materiale, e le labbra – con bordi profilati in bronzo– potrebbero essere state placcate con rame per ottenere un effetto policromatico più realistico. Due corte bacchette di bronzo all'interno della bocca avrebbero potuto essere usate per facilitare la fusione, o forse per fissare i denti dall'interno.

Ritratto di un uomo
300-200 a.C.
Greco, trovato nel Mar Egeo vicino a Kalynmos
Bronzo, rame, vetro e pietra
Oggetto (massima misura): H: 32 x L: 27,9 x Diam.: 98 cm (12 5/8 x 11 x 38 9/16 in.)
Immagine per gentile concessione del Ministero ellenico della cultura, dell'istruzione e degli affari religiosi
Il Museo Archeologico di Kalymnos
Immagine © Ministero ellenico della cultura e dello sport/Fondo per le ricevute archeologiche

Il kausia, un cappello a tesa che ha avuto origine in Macedonia (Grecia settentrionale), suggerisce che questa figura sia un generale o re macedone. La fascia sotto la sua kausia potrebbe essere un diadema reale. I suoi occhi conservati sono composti da diversi materiali, tra cui pasta di vetro per i bianchi, un anello di metallo che delinea ogni iride e pietra scura per le pupille. La testa è stata trovata nel 1997 nel Mar Egeo al largo dell'isola greca di Kalymnos. Nelle vicinanze sono stati rinvenuti componenti di sculture in bronzo raffiguranti cavalieri in corazza.

Ritratto di un righello (Demetrios Poliorketes?)
310-290 a.C.
Bronzo
H 45 cm L 35 cm P 39 cm
Museo Nacional del Prado, Madrid
Immagine © 2015 Archivio Fotografico. Museo Nacional del Prado, Madrid/Scala, Firenze

I folti capelli ricci di questo giovane maschio ricordano lo stile reso popolare da Alessandro Magno, mentre i lineamenti individualizzati ricordano i ritratti dei suoi successori alla fine del IV secolo a.C. La testa originariamente apparteneva a una figura a figura intera che sarebbe stata alta circa 3,5 metri. Sebbene manchi di un diadema che significa regalità, il ritratto colossale potrebbe rappresentare il sovrano macedone Demetrios Poliorketes, che fu proclamato re all'età di trent'anni nel 307 a.C., insieme a suo padre, il generale di Alessandro, Antigonos I Monophthalmos.

Sovrano sotto le spoglie di Hermes o Perseo
100 a.C.-d.C. 100
Bronzo e rame
H 71,2 cm (76,5 cm con base) L 30 cm
Soprintendenza per i Beni Archeologici di Napoli

I tratti distintivi del viso suggeriscono che questa figura sia un sovrano ellenistico e il cinturino sotto il mento indica che originariamente indossava un petasos, un cappello da viaggiatore a tesa larga. Questo berretto e le ali attaccate alle caviglie sono attributi sia del dio Hermes che dell'eroe Perseo. I re ellenistici venivano spesso mostrati sotto le spoglie di divinità o eroi mitologici, e gli studiosi hanno proposto varie identità per l'individuo qui raffigurato. La statuetta fu scoperta nel 1901 in una casa a Pompei.

Carne e bronzo: corpi ideali ed estremi

Gli scultori ellenistici sfruttarono i prototipi classici e continuarono a creare figure idealizzate, ma con un nuovo interesse per i dettagli e il movimento realistici. A Lisistrato, il fratello di Lisippo, è stato attribuito il merito di aver modellato stampi direttamente da corpi viventi, e molti bronzi ellenistici mostrano una notevole sottigliezza anatomica. Gli effetti realistici sono stati ottenuti attraverso l'uso di leghe e intarsi per trasmettere i colori contrastanti di occhi, capezzoli, labbra, denti, lividi e persino sangue.

Espandendo il repertorio di immagini, gli artisti ellenistici hanno rappresentato diversi tipi di corpo in una varietà di stati: giovane e vecchio, energizzato ed esausto, estatico e addormentato. Guardando indietro ai loro predecessori, gli scultori adottarono l'atteggiamento contrapposto che era diventato la norma nel periodo classico, ma sperimentarono anche pose estreme che sfruttavano maggiormente la resistenza alla trazione del bronzo. Le figure sono state mostrate in movimento più completo in tre dimensioni, con arti decisamente avanzati, teste e corpi ruotati dinamicamente. Anche le figure a riposo occupavano più spazio, incoraggiando gli spettatori a girarci intorno. Questa esperienza di spettatore e statua che condividono uno spazio comune ha migliorato la comprensione di immagini complesse e ha accresciuto l'empatia con i soggetti raffigurati.

Eros addormentato
300-100 a.C.
greco
Bronzo (con una moderna base in marmo)
A: 41,9 x P: 35,6 x L: 85,2 cm (16 1/2 x 14 x 33 9/16 pollici)
Il Metropolitan Museum of Art, Rogers Fund, 1943 (43.11.4)
Immagine © Metropolitan Museum of Art/Scala, Firenze

Secondo quanto riferito, questa statua di Eros come un bambino addormentato si trova sull'isola greca di Rodi e si discosta dalle immagini classiche della divinità come un grazioso adolescente. Per lo scultore ellenistico, l'Eros sdraiato, drappeggiato mollemente su una roccia, ha fornito un soggetto perfetto per l'esplorazione artistica del corpo di un bambino a riposo. La statua potrebbe anche essere una giocosa inversione della precedente caratterizzazione greca del dio dell'amore come "scioglimento delle membra". putti del Rinascimento.

Artigiano
Circa 50 a.C.
Bronzo e argento
H 40,3 cm L 13 cm P 10,8 cm
Il Metropolitan Museum of Art, Rogers Fund, 1972
Immagine © Metropolitan Museum of Art/Scala, Firenze

Gli artisti ellenistici rappresentavano soggetti non precedentemente considerati degni di rappresentazione, come individui anziani, corpi disfunzionali e figure della periferia della società. Questo vecchio tarchiato e calvo indossa un exomis (tunica corta) che lo identifica come artigiano. Infilato nella cintura c'è un piccolo taccuino che suggerisce che potrebbe non essere un normale lavoratore a giornata. Tra le identità che gli studiosi hanno proposto per lui ci sono il dio Efesto, il mitico artigiano-ingegnere Daidalos e il famoso del V secolo a.C. scultore Fidia. Si dice che la statuetta sia stata trovata nel sito di Cherchel in Algeria.

Torso maschile
300-200 a.C.
Bronzo
H 152 cm L 52 cm P 68 cm
Il Ministero ellenico della Cultura, dell'Istruzione e degli Affari Religiosi. L'Eforato delle Antichità Subacquee, Atene

Nel 2004 questo torso è stato accidentalmente catturato da pescatori a una profondità di cinquecento metri vicino all'isola greca di Kythnos nel Mar Egeo. L'assenza di attributi lascia aperta l'identità della figura: potrebbe essere un atleta, un eroe o anche un dio. La posizione della sua mano sinistra suggerisce che tenesse un oggetto piatto, forse un disco o un fodero. L'artista ha reso realisticamente i dettagli anatomici del corpo, nonché la consistenza e le pieghe della pelle.

Ermete
Circa 150 a.C.
Bronzo
H 49 cm L 20 cm P 15 cm
I fiduciari del British Museum
Immagine © The Trustees of the British Museum

Atleta vittorioso, “Il bronzo Getty”
300-100 a.C.
greco
Bronzo e rame
A: 151,5 x L: 70 x P: 27,9 cm (59 5/8 x 27 9/16 x 11 pollici)
Il J. Paul Getty Museum

Atleta vittorioso, “Il bronzo Getty” (dettaglio)
300-100 a.C.
greco
Bronzo e rame
A: 151,5 x L: 70 x P: 27,9 cm (59 5/8 x 27 9/16 x 11 pollici)
Il J. Paul Getty Museum

I pescatori italiani hanno recuperato questo bronzo dalle profondità del mare Adriatico nei primi anni '60. Commemorando un atleta di successo, la figura si erge nella posa convenzionale di un vincitore: sta per rimuovere la sua corona di vittoria e dedicarla agli dei in segno di gratitudine. La resa del corpo nudo, con i suoi volumi arrotondati e le forme morbidamente gonfie, è una sottile descrizione della post-adolescenza maschile. Il volto è meno idealizzato, sembra trasmettere i tratti distintivi di un individuo reale.

Eracle Epitrapezio
100 a.C.-d.C. 79
Bronzo e calcare
H 75 cm (95 cm con base) L base 67 cm P base 54 cm
Soprintendenza per i Beni Archeologici di Napoli
Su concessione del Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo – Soprintendenza per i Beni Archeologici di Napoli – Foto Giorgio Albano

Scavata nel 1902 in una villa suburbana appena fuori Pompei, questa figura di Eracle seduto su una roccia è una delle dozzine di questo tipo sopravvissute. Variano in scala dalla miniatura al colossale e la composizione è stata associata a Lisippo sulla base di antiche descrizioni. Sia Marziale che Stazio, scrittori romani della fine del I secolo d.C., raccontano di aver partecipato a una cena ospitata dal collezionista Novius Vindex, che mostrò loro una statuetta di Eracle Epitrapezio (A/Sulla tavola) creata da Lisippo. Marziale descrive la “piccola statua in bronzo di un grande dio,” e Stazio contrappone ulteriormente le sue piccole dimensioni all'enormità del soggetto rappresentato: “Quanto fu grande l'esperienza di quel dotto artista nei dettagli della sua arte, dotando lui con l'ingegno di foggiare un soprammobile ma allo stesso tempo di concepire un colosso.”

Boxer seduto, “Il pugile delle Terme”
300-200 a.C.
greco, da Ercolano
Bronzo e rame
Oggetto (con base): H: 140 x L: 64 x P: 115 cm (55 1/8 x 25 3/16 x 45 1/4 in.)
Museo Nazionale Romano – Palazzo Massimo alle Terme Su concessione del Ministero dei beni e delle attività culturali e del turismo – Soprintendenza Speciale per il Colosseo, il Museo Nazionale Romano e l'area archeologica di Roma
Foto © Vanni Archive/Art Resource, NY

Boxer seduto, “Il pugile delle Terme” (dettaglio)
300-200 a.C.
greco, da Ercolano
Bronzo e rame
Oggetto (con base): H: 140 x L: 64 x P: 115 cm (55 1/8 x 25 3/16 x 45 1/4 in.)
Museo Nazionale Romano – Palazzo Massimo alle Terme Su concessione del Ministero dei beni e delle attività culturali e del turismo – Soprintendenza Speciale per il Colosseo, il Museo Nazionale Romano e l'area archeologica di Roma
Foto © Vanni Archive/Art Resource, NY

Il brutale realismo di questo pugile - un uomo che ha ricevuto molti colpi violenti ed è pronto a infliggerli da solo - è progettato per suscitare empatia nello spettatore. Gli intarsi in rame rivestono i tagli della pelle e rappresentano il sangue che gocciola. Lo zigomo destro gonfio è stato fuso in una lega diversa (contenente meno stagno), imitando lo scolorimento di un ematoma. Mentre il viso esprime stanchezza fisica e mentale dopo un combattimento, il corpo del pugile è tonico e forte, mostra pochi segni dell'età, e i suoi capelli e la sua barba sono ben pettinati. Scavata nel 1885 sul lato sud del colle del Quirinale a Roma, questa statua è stata ritrovata depositata con cura nelle fondamenta di un antico edificio. In origine, la figura sarebbe stata eretta in un santuario greco o esposta pubblicamente nella città natale dell'atleta che commemorava.

Un nuovo realismo: immagini degli dei

Le statue di divinità, un genere importante nell'arte greca arcaica e classica, rimasero significative nel periodo ellenistico, soprattutto quando furono stabiliti nuovi santuari nelle nuove città. Le capacità espressive del bronzo e gli stili dinamici della scultura ellenistica furono adattati alle rappresentazioni di esseri divini. In effetti, sembra che ci si aspettasse che gli dei fossero rappresentati nel modo più aggiornato, e quindi le loro immagini, come quelle dei mortali, a volte diventavano meno ideali e più "realistiche" o "umane". #8221 Atena, per esempio, è stata ritratta come una giovane fanciulla così come un formidabile guerriero Eros, un elegante adolescente nell'arte classica, è stato mostrato come un bambino grassoccio. Le divinità erano ora pensate e rappresentate più come esseri viventi in contatto con l'esperienza umana e con i mutevoli stati fisici ed emotivi.

Atena “La Minerva di Arezzo”
300-270 a.C.
Bronzo e rame
H 155 cm L 50 cm P 50 cm
Museo Archeologico Nazionale, Firenze (Soprintendenza per i Beni Archeologici della Toscana)

Indossando un'egida protettiva con una testa di Gorgone, la dea della guerra e della saggezza probabilmente teneva una lancia nella mano destra. Un gufo decora il suo elmo, la maggior parte del serpente in cima è un restauro moderno. Le labbra di Athena sono placcate in rame e i suoi occhi erano originariamente intarsiati per ottenere un aspetto più realistico. Questa statua è una variante di un tipo popolare inventato nel IV secolo a.C., ma le caratteristiche tecniche – la composizione della lega, il processo di fusione e il metodo di assemblaggio – suggeriscono una datazione all'inizio del III secolo a.C. Scoperta in frammenti nei resti di un'antica casa romana ad Arezzo, in Italia, nel 1541, la scultura fu acquisita dai Medici e portata a Firenze. Le stuccature grigie in resina epossidica sono state aggiunte in un recente trattamento conservativo.

Testa di Apollo
50 B.C.-A.D. 50
Bronze
H 51 cm W40 cm D 38 cm
H of the face 23 cm
Province of Salerno – Museums Sector
Image courtesy of Archivio Fotografico del Settore Musei e Biblioteche della Provincia di Salerno – Foto Gaetano Guida

Found in 1930 by Italian fishermen dragging their nets in the Gulf of Salerno, this monumental head of the god Apollo probably belonged to a statue installed in an ancient building or precinct along the coastal bluffs. While the idealized face shares much with Classical antecedents, the extreme turn of the neck and the exuberant locks of hair (many of which were individually cast and attached) are more typical of Hellenistic sculpture.

Head of a God or Poet
100-1 B.C.
Bronze
H 29 cm
The Museum of Fine Arts, Houston. Museum purchase funded by Isabel B. and Wallace S. Wilson, 2001

Cast in several pieces, this head is marked by its strong individualism, yet the identity of the figure remains uncertain. The fillet in the hair suggests a god but is also a common attribute of poets such as Homer. While the furrowed brow, sunken cheeks, and bags under the eyes characterize an older man, the luxuriant beard and full mouth, with lips parted as if to speak, convey power. Pronounced asymmetries indicate that the head was turned energetically to its left and – with the neck stretched forward – may have belonged to a seated figure. Paternal deities such as Poseidon or Asklepios were commonly depicted in a seated position, a format likewise employed for portraits of intellectuals.

Apoxyomenos and the Art of Replication

Although rarely surviving today, multiple bronze versions of the same work were the norm in antiquity. Statues honoring victorious athletes, for example, were likely commissioned in a first edition of two: one to be dedicated in the sanctuary where the competition was held, and the other for display in the winner’s proud hometown.

The figure of an athlete holding a strigil (a curved blade used to scrape oil and dirt off the skin) is often referred to as an apoxyomenos (scraper). The three bronze replicas in this room – two full statues and one head – are not first editions but late Hellenistic or early Roman Imperial copies of a statue created in the 300s B.C., probably by a prominent sculptor. The original must have been so famous that it was still reproduced centuries later. An additional ten replicas in marble and dark stone further attest to its reputation. The exact relationship of the bronze copies to the original and to one another remains to be investigated by comparing their technique, metallurgy, and craftsmanship.

Athlete, “The Ephesian Apoxyomenos”
A.D. 1-90
greco
Bronze and copper
H: 205.4 x W: 78.7 x D: 77.5 cm (80 7/8 x 31 x 30 1/2 in.)
Kunsthistorisches Museum Wien, Antikensammlung
Image © KHM-Museumsverband. Collection of Greek and Roman Antiquities / Ephesos Museum

Athlete, “The Ephesian Apoxyomenos” (detail)
A.D. 1-90
greco
Bronze and copper
H: 205.4 x W: 78.7 x D: 77.5 cm (80 7/8 x 31 x 30 1/2 in.)
Kunsthistorisches Museum Wien, Antikensammlung
Image © KHM-Museumsverband. Collection of Greek and Roman Antiquities / Ephesos Museum

During Austrian excavations at Ephesos (in present-day Turkey) in 1896, this bronze sculpture was found broken into 234 fragments. Previously thought to be an athlete scraping his skin with a strigil – a literal apoxyomenos – the figure is better understood as cleaning the strigil by running the fingers of his left hand over the blade. The statue is widely accepted as an early Roman Imperial replica of a famed Greek work created in the late fourth century B.C., which has been variously attributed to the school of Polykleitos, to Daidalos, or to Lysippos. The circular plinth is modern but of a type used for mounting bronze sculptures in Roman times.

Athlete “The Croatian Apoxyomenos”
100-1 B.C.
greco
Bronze and copper
H 192 cm W 50 cm D 40 cm
Head H 29 cm
Bronze plinth H 7.8 cm
Republic of Croatia, Ministry of Culture

Athlete “The Croatian Apoxyomenos” (detail)
100-1 B.C.
greco
Bronze and copper
H 192 cm W 50 cm D 40 cm
Head H 29 cm
Bronze plinth H 7.8 cm
Republic of Croatia, Ministry of Culture

Head of an Athlete Ephesian Apoxyomenos type
200-1 B.C.
greco
Bronze and copper
H 29.2 cm W 21 cm D 27.3 cm
The Kimbell Art Museum, Fort Worth, Texas
Image courtesy of Kimbell Art Museum, Fort Worth, Texas/Scala, Firenze

This head of an apoxyomenos has been known since the 1700s, when it was part of a private collection in Venice. The rendering of the hair – with rows of finely delineated strands swept from the forehead in different directions – creates the realistically disheveled look of an athlete still sweating after a competition. A distinctive technique was used to attach the head to the now-missing body: the join runs beneath the chin and jaw and follows the hairline behind the ears to the base of the skull. Like the head of the Croatian Apoxyomenos, this head rested on the neck by means of an interior bronze ledge, which was practically invisible from the front.

When Pathos Became Form: Likeness and Expression

Realistic features and emotional states are hallmarks of Hellenistic sculpture. Whether depicting fresh youth or withered age, stoic calm or attention to cares, individualized portraits superseded the largely idealized types of earlier periods through details such as soft, rolling flesh, furrowed brows, and crow’s-feet. Personal traits were even given to fictive portraits of historical figures such as Homer and other significant literati of the past.

Pathos – lived experience – came to be represented physically, and naturalistic, expressive forms soon became formulas. Hellenistic conventions of balancing pathos with the ideal were borrowed by sculptors working in Italy for both Etruscan and Roman Republican patrons, spreading Greek styles to the West just as Alexander and his successors had in the East. Realism was also applied to images of foreigners and figures on the margins of society – new subjects that further broadened the sculptural genres of the period.

Portrait of a Man
about 100 B.C.
Greek, from Delos
Bronze, copper, glass, and stone
H: 32.5 x W: 22 x D: 22 cm (12 13/16 x 8 11/16 x 8 11/16 in.)
Image courtesy of the Hellenic Ministry of Culture, Education and Religious Affairs. The National Archaeological Museum, Athens
Photo: Marie Mauzy/Art Resource, NY

Portrait of a Man (detail)
about 100 B.C.
Greek, from Delos
Bronze, copper, glass, and stone
H: 32.5 x W: 22 x D: 22 cm (12 13/16 x 8 11/16 x 8 11/16 in.)
Image courtesy of the Hellenic Ministry of Culture, Education and Religious Affairs. The National Archaeological Museum, Athens
Photo: Marie Mauzy/Art Resource, NY

Highly individualized, this beardless male head epitomizes the intense realism employed by Greek artists in the late Hellenistic period. The portrait was once part of a full-length statue, and its dynamic turn to the left would have further enhanced the pathos of the expression. Both inserted eyes are preserved, giving a vivid impression of the original appearance of portraits that have lost them. Found in 1912 at the Granite Palaistra on the Greek island of Delos, the head likely belonged to an honorific statue of a citizen displayed in or near the palaistra, a training ground for athletes.

Portrait of a Poet, “The Arundel Head”
200-1 B.C.
greco
Bronze and copper
H: 41 x W: 21 x D: 26 cm (16 1/8 x 8 1/4 x 10 1/4 in.)
Image courtesy of and © The Trustees of the British Museum

Portrait of a Poet, “The Arundel Head” (detail)
200-1 B.C.
greco
Bronze and copper
H: 41 x W: 21 x D: 26 cm (16 1/8 x 8 1/4 x 10 1/4 in.)
Image courtesy of and © The Trustees of the British Museum

Discovered in the 1620s at Smyrna (present-day Izmir, in western Turkey), this portrait originally had inset eyes, and the open mouth may have contained silvered teeth. Its copper lips are still preserved. The graphic realism of the wrinkled face, the interest in characterizing old age, and the heightened emotional expression embody Hellenistic style, yet the locks of hair are neatly arranged in a Classical fashion. The full beard, long hair, and round fillet on the head are attributes of Greek poets, playwrights, and other intellectuals.

Portrait of a North African Man, from Cyrene (in present day Libya),
300-150 B.C.
greco
Bronze, copper, enamel, and bone
H: 27 x W: 20 x D: 24 cm (10 5/8 x 7 7/8 x 9 7/16 in.)
Image courtesy of and © The Trustees of the British Museum

Excavated in 1861 near the Temple of Apollo at Cyrene (in present-day Libya) along with fragments of a gilt-bronze horse, this head represents an indigenous Libyan or Berber. High cheekbones, crow’s-feet at the eyes, and a short beard contribute to the image’s realism. The full lips, inset with copper, are slightly parted to reveal bone teeth, and the inlaid eyes, outlined with copper lashes, preserve traces of white enamel. The portrait’s distinctive features demonstrate the widespread popularity of Greek-style works as well as Hellenistic artists’ interest in depicting different ethnic characteristics.

Portrait of a Man
About 150 B.C.
Marmo
H 40.7 cm W 25 cm D 31.7 cm
Il J. Paul Getty Museum

Drapery at the back of the neck suggests that this over-life-size head belonged to a full-length figure wearing a cloak – possibly a hero, a king, or a benefactor. Although carved in marble, the portrait displays traits associated with bronze sculpture: sharply outlined lips, rendered as if inset in copper, and finely incised eyebrows, mustache, and beard. The fleshy neck and highly modeled forehead and cheeks are also features of Hellenistic bronzes, and similarly derive from prototypes worked in softer materials such as clay or wax.

Head of a Votive Statue
375-350 B.C.
Bronze
H 24.3 cm W 15.5 cm D 15.5 cm
The Trustees of the British Museum
Image © The Trustees of the British Museum

The idealized features of this head and the arrangement of the hair reflect pre-Hellenistic traditions of Greek sculpture. The short bangs and the large, compass-drawn pupils, however, are distinctly Etruscan, as is the beard stubble, which seems to have been employed in central Italian portraiture to express strength and wisdom. Reportedly found on an island in Lake Bolsena, Italy, in 1771, this sculpture may have been produced by a workshop in nearby Volsinii (present-day Orvieto). According to ancient sources, Roman soldiers plundered two thousand bronzes when they sacked that city in 265 B.C.

Portrait of a Man
About 300 B.C.
Bronze, copper, and glass
H 26.8 cm W 21.8 cm D 23.5 cm
Bibliothèque nationale de France

Found near San Giovanni Lipioni in central Italy, this portrait has been linked with Rome’s conquest of the region of Samnium, but whether it depicts a Roman general or a local leader remains uncertain. The crown of the head, now lost, was separately cast. Glass-paste eyes are set between copper lashes, and the lips too are copper. As on the Head of a Votive Statue, a faint beard is indicated. The cubic shape of the head, the flat facial planes, and the distinctive forward comb of the hair situate this sculpture within an Etrusco-Italic artistic tradition.

Portrait of a Boy
100-50 B.C.
Bronze and copper
H 140 cm W 57.2 cm D 45.1 cm
H of the head 23 cm
H of the base 4.5 cm
The Hellenic Ministry of Culture, Education and Religious Affairs. The Archaeological Museum of Herakleion
Image © Archaeological Museum of Heraklion, Ministry of Culture & Sports, Archaeological Receipts Fund

Wearing a long cloak that envelops both arms and hands, this figure was discovered in 1958 along the beach of Hierapetra, on the Greek island of Crete. Its original context and function remain uncertain, and the subject’s identity is unknown. Distinguished by the individualized, almost petulant face and elaborate sandals, the portrait may have been intended to honor a local youth of high status.

Portrait of a Boy
25 B.C.-A.D. 25
Bronze
H 132.4 cm W 50.8 cm D 41.9 cm
The Metropolitan Museum of Art, Rogers Fund, 1914
Image © The Metropolitan Museum of Art/Scala, Firenze

Said to be from Rhodes, a Greek island noted for its skilled bronzeworkers, this graceful figure was assembled from at least seven separately cast parts: two arms, two legs, the torso and head, and two sections of drapery. Apparently intended to be seen from below, the statue may have been erected on a tall base and set into a niche. The comma-shaped curls over the forehead echo portraits of the Roman imperial family, but the garment is Greek. The boy may have been a young member of the local aristocracy.

Portrait of a Man
100-1 B.C.
Bronze
H 43 cm W 26 cm D 25 cm
Soprintendenza per i Beni Archeologici di Napoli
Su concessione del Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo – Soprintendenza per i Beni Archeologici di Napoli – Foto Giorgio Albano

This portrait of an anonymous older man is distinguished by its meticulous characterization of the hair, eyebrows, and beard. These features were worked into the wax model before casting, using different techniques and tools including a pointed modeling knife, a multipronged instrument, and a penlike device. The asymmetry of the face and neck muscles suggests that the head was originally turned further to its right. The current orientation is the creation of a Renaissance restorer, who transformed the ancient fragment into a bust.

Editions of the Past / Retrospective Styles

Retrospection, or the borrowing of earlier forms and styles, appears to have begun as early as the fifth century B.C. It continued into Hellenistic and early Roman Imperial times, when sculptors regularly employed and adapted Archaic and Classical features, sometimes eclectically, to recall the art of previous periods. Throughout the second century B.C., conquering Roman generals took original Greek art back to Rome, where it was paraded in triumphal processions, dedicated in temples, erected in civic spaces, and displayed in elite homes. To satisfy an eager market, Greek artists flocked to Rome and produced new works emulating older ones, often taking advantage of bronze as an ideal medium for replication and serial production. Statues in Archaic style were created not only to appeal to the interests of antiquarian collectors but also to evoke the religious piety of a bygone age. The Classical style came to be favored by the emperor Augustus for much of his official art, as it conjured the golden age of Athens.

Herm Bust of the Doryphoros
50-1 B.C.
Bronze
H 58 cm W 66 cm D 27 cm
Inscribed in Greek: “Apollonios, son of Archias, of Athens, made [this]”
Soprintendenza per i Beni Archeologici di Napoli
Su concessione del Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo – Soprintendenza per i Beni Archeologici di Napoli – Foto Luigi Spina

The Doryphoros was a famous full-length statue of a heroic spear bearer created by the fifth-century B.C. Greek sculptor Polykleitos. This herm bust, which excerpts just the head and chest of that figure, is considered one of the most accurate surviving replicas, capturing the finely incised hair and idealized facial features of the now-lost original its eyes are eighteenth-century restorations. The bust was found amid an extensive collection of sculpture that decorated the Villa dei Papiri at Herculaneum. The artist Apollonios of Athens added his signature in Greek along the front, advertising his skill and guaranteeing the authenticity of his work for his Roman patron.

Bust of a Youth “The Beneventum Head”
About 50 B.C.
H 33 cm W 23 cm D 20 cm
Bronze and copper
Musée du Louvre, Département des antiquités grecques, étrusques et romaines, Paris
Image © RMN – Réunion des Musées Nationaux – Foto Daniel Arnaudet/Gérard Blot

The wreath of wild olive suggests that this figure is a victorious athlete, and the form of the bust indicates that it was set atop the pillar of a herm. The precise arrangement and striations of the hair are reminiscent of works by the fifth-century B.C. sculptor Polykleitos, but the melancholy expression and the delicate appearance of the face are characteristic of first-century B.C. Roman creations made in Classical Greek style. Found in Herculaneum, this bust was given by King Ferdinand II to the Pedicini family of Beneventum and subsequently sold to the emperor Napoleon III in the 1800s.

Apollo “The Piombino Apollo”
About 120-100 B.C.
Bronze, copper, and silver
H 117 cm
Musée du Louvre, Département des antiquités grecques, étrusques et romaines, Paris
Image © RMN-Réunion des Musées Nationaux – Foto Stéphane Maréchalle

With its stiff posture and left foot placed forward, this figure of a nude male youth looks like an Archaic Greek kouros. Yet the smooth musculature, relatively slender limbs, and treatment of the hands and feet appear more naturalistic than original Archaic kouroi, which functioned as religious dedications and grave markers in the sixth century B.C. A pseudo-Archaic votive inscription to Athena on the left foot, now only partially legible, indicates that this statue too was intended as an offering in a sanctuary. Another inscription on a lead tablet found inside the bronze links it to the Greek island of Rhodes. The statue was eventually transported to Italy and lost when the ship carrying it foundered in port at Piombino, where the figure was discovered in 1832.

Torso of a Youth “The Vani Torso”
200-100 B.C.
Bronze
H 105 cm W 45 cm D 25 cm
Georgian National Museum, Vani Archaeological Museum-Reserve
Photo: Rob Harrell, Freer Gallery of Art and Arthur M. Sackler Gallery, Smithsonian Institution

Boy Removing a Thorn from His Foot “The Spinario”
About 50 B.C.
Bronze and copper
H 73 cm
Musei Capitolini, Rome, 1186
Image courtesy of Archivio Fotografico dei Musei Capitolini, Palazzo dei Conservatori, Sala dei Trionfi – foto Zeno Colantoni

The lithe body and naturalistic pose of this boy contrast with the highly stylized face and hair, and the fall of the hair does not correspond to gravity given the inclination of the head. Other versions of the sculpture (no. 54) confirm that this bronze combines a Hellenistic body with an early-fifth-century B.C. head type originally intended for another figure. Such eclecticism is characteristic of late Hellenistic and early Roman Imperial sculpture. This statue seems never to have been buried underground and has been famous in Rome since medieval times, inspiring artists for centuries.

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Boy with Thorn, chiamato anche Fedele (Fedelino) o Spinario, is a Greco-Roman Hellenistic bronze sculpture of a boy withdrawing a thorn from the sole of his foot, now in the Palazzo dei Conservatori, Rome. A Roman marble of this subject from the Medici collections is in a corridor of the Uffizi Gallery, Florence.

The sculpture was one of the very few Roman bronzes that was never lost to sight. It was standing outside the Lateran Palace when the Navarrese rabbi Benjamin of Tudela saw it in the 1160s and identified it as Absalom, who “was without blemish from the sole of his foot to the crown of his head.” It was noted in the late twelfth or early thirteenth century by the English visitor, Magister Gregorius, who noted in his De mirabilibus urbis Romae that it was ridiculously thought to be Priapus. It must have been one of the sculptures transferred to the Palazzo dei Conservatori by Pope Sixtus IV in the 1470s, though it is not recorded there until 1499-1500. It was celebrated in the Early Renaissance, one of the first Roman sculptures to be copied: there are bronze reductions by Severo da Ravenna and Jacopo Buonaccolsi, called “L’Antico” for his refined classicizing figures: he made a copy for Isabella d’Este about 1501 and followed it with an untraced pendant that perhaps reversed the pose. For a fountain of 1500 in Messina, Antonello Gagini made a full-size variant, probably the bronze that is now in the Metropolitan Museum of Art, New York. (Text from the Wikipedia website)

Il J. Paul Getty Museum
1200 Getty Center Drive
Los Angeles, California 90049

Opening hours:
Tues – Friday 10 am – 5.30 pm
Saturday 10 am – 9 pm
Sunday 10 am – 9 pm
Monday closed


Minerva

Ovid called her the "goddess of a thousand works." Minerva was worshipped throughout Italy, though only in Rome did she take on a warlike character. Her worship was also taken out to the empire - in Britain, for example, she was conflated with the wisdom goddess Sulis.

The Romans celebrated her festival from March 19 to March 23 during the day which is called, in the feminine plural, Quinquatria, the fifth after the Ides of March, the nineteenth, the artisans' holiday. A lesser version, the Minusculae Quinquatria, was held on the Ides of June, June 13, by the flute-players, who were particularly useful to religion. In 207 BC, a guild of poets and actors was formed to meet and make votive offerings at the temple of Minerva on the Aventine hill. Among others, its members included Livius Andronicus. The Aventine sanctuary of Minerva continued to be an important center of the arts for much of the middle Roman Republic.

Minerva was also worshipped on the Capitoline Hill as one of the Capitoline Triad along with Jupiter and Juno, at the Temple of Minerva Medica, and at the "Delubrum Minervae" a temple founded around 50 BC by Pompey on the site of the church of Santa Maria sopra Minerva (near the present-day Piazza della Minerva and the Pantheon).
FROM: Wikipedia "Minerva"


Sommario

introduzione. 1

Part 1 Minerva in Pre-Flavian Italy. 10

1.1 Iconography and Types. 11

1.3 Minerva in the Cultural Narrative. 39

Roman Authors: Transition from Etruria. 45

1.4 Sanctuaries, Votives, and Rituals. 70

Etruscan Votive Deposits. 81

Urban Etruscan Sanctuaries. 83

Unlocated or Ambiguous Sites. 89

Temple of Jupiter Optimus Maximus, Capitoline Hill. 95

Aedes Minerva, Aventine Hill. 100

Minerva Capta, Caelian Hill. 106

Minerva Medica, Regio V. 101

Miscellaneous Shrines and Temples. 111

1.6 Becoming the Roman Minerva. 114

Part 2 Domitian’s Minerva. 117

2.5 From Promachos to Polias. 186

Conclusion Minerva: From the Etruscans to Domitian…………………………………. 188

A.1 Over-Lifesized Marble Head in Budapest. 190

A.2 The Forum Transitorium. 199

Catalog. 212

Bibliografia. 255


Is Minerva the same as Athena?

Originally, Minerva was an Italian goddess of handicrafts closely associated to the Greek goddess Atena. The scholarly consensus, however, is that Minerva was indigenous, passing to the Romans from the Etruscan goddess Menrva, and that her name derives from meminisse, meaning 'to remember'.

Beside above, what is Athena's other name? Atena or Athene, often given the epithet Pallas, is an ancient Greek goddess associated with wisdom, handicraft, and warfare who was later syncretized with the Roman goddess Minerva.

Hereof, what is Minerva the goddess of?

Minerva è il goddess of wisdom, medicine, the arts, poetry, and handicrafts. Later in Roman history, she became the goddess of war as well. So, she was pretty important to the Romans. Now, in many ways Minerva mirrors the Greek Athena, one of the more prominent deities.

Who were Minerva siblings?

Minerva was the daughter of Jupiter and Juno. Apollo era the son of Jupiter and Latona. His twin sister was Diana. Diana era the daughter of Jupiter and Latona.


Minerva’s Guidance Blended with Other Gods

Moreover, in certain areas of the Roman Empire, Minerva blended with local deities to become a hybrid goddess. One of these, for instance, was Sulis-Minerva, a combination of Minerva and the Sulis, a local wisdom goddess worshipped by the people of Britannia. Additionally, there were also temples dedicated to Minerva alone. One of these, for example, is the Temple of Minerva Chalcidica or Minervium which was built by Pompey. Later on, the site was Christianized and a church, Santa Maria sopra Minerva (Saint Mary above Minerva) was built above the alleged ruins of the temple. Excavations in modern times, however, have shown that the Minervium was in fact close to but not directly under this church.

Santa Maria sopra Minerva in Rome. (Peter1936F / CC BY-SA 4.0 )


7. Votive value. Two bronze miniature axes. Wellmade axe. More rudimentary axe.

Votive Bronze Miniature Axe

Description and comment: In France miniature axes such as these, are often found in burials or areas which may have religious significance, signifying a common religious Iron Age or Romano Celtic practice in that country and here in Britain on the Fen Edge.

The axe as an embodiment of military power and agricultural competence is a common symbol in prehistory. In a burial it may signify the most useful tool – defence and domestic efficiency – that a human can take into the afterlife. On a religious site, it will probably invest the giver with domestic and farming handyness plus defence, fighting skills. They may also be simply carried about to convey day to day useful powers to the bearer.

Dimensions and details:

Well-made bronze axe

Found: Godmanchester vicinity.

Data: 50 BC to 4th century AD.

Lunghezza: 33mm.

More rudimentary bronze axe

Found: Central Godmanchester. Cambridge Street.

Data: 50 BC to 4th century AD.

Lunghezza: 30 mm.


Apollo of Veii

Name Apollo di Veio Typology Statua acroteriale Date 510-500 BCE Location Room 40 Production place Veii Provenance Veii Findspot Sanctuary of Portonaccio Materials polychrome terracotta Technique hand molded Dimensions in cm H 186 Width 78 Inventory Number 40702-40703 Bibliography

G. Q. Giglioli, &ldquoVeio. Scavi nell&rsquoarea della città e della necropoli: statue fittili di età arcaica&rdquo, in Notizie degli Scavi di Antichità 1919, vol. XVI, pp. 13-37, in part. figg. 2 e 3 alle pp. 13 e 14, pp. 16 e 18, tavv. I-IV.

M. Pallottino, &ldquoLa scuola di Vulca&rdquo, in M. Pallottino, Saggi di antichità, I-III, Roma 1979, pp. 1008-1009, tavv. XXVIII-XXIX, XXX, 1-2.

G. Colonna, &ldquoIl maestro dell&rsquoErcole e della Minerva. Nuova luce sull&rsquoattività dell&rsquoofficina veiente&rdquo, in Opuscula Romana 16, 1987, a pp. 23 nota 43, 26 nota 54, figg. 57-58.

F. Boitani - M. Diana - T. Sante Guido, &ldquoIl restauro dell&rsquoApollo di Veio&rdquo, in Kermes aprile-giugno 2004, pp. 41-60 (sul restauro).

G. Colonna, &ldquoL&rsquoofficina veiente: Vulca e gli altri maestri di statuaria arcaica in terracotta&rdquo, in M. Torelli - A.M. Moretti Sgubini (a cura di), Etruschi. Le antiche metropoli del Lazio (Roma, Palazzo delle Esposizioni 21 ottobre 2008 - 6 gennaio 2009), Verona 2008, in part. pp. 59-62.

C. Carlucci, &ldquoVeio. La coroplastica: Veio, Portonaccio. 2. Apollo&rdquo, in M. Torelli - A.M. Moretti Sgubini (a cura di), Etruschi. Le antiche metropoli del Lazio (Roma, Palazzo delle Esposizioni 21 ottobre 2008 - 6 gennaio 2009), Verona 2008, p. 201 (con bibliografia precedente).

--> Acquisition date 19 May 1916

Found in fragments in 1916, the polychrome terracotta sculpture represents the god Apollo, dressed in chiton and cloak, as he walks barefoot with his left arm outstretched forward and the other lowered, perhaps to carry the arch.
Together with other statues, this was also intended to decorate the top of the roof of the temple of Portonaccio in Veii, dedicated to the Etruscan goddess Menerva (Athena) and dated to the end of the 6th century BCE.
Apollo's threatening attitude is, therefore, to be related to the statue of Heracles displayed in the room in front of him and belonging to the same context: the god is ready to fight with the hero, who has just captured the deer with golden horns, sacred to his sister Artemis.
The statues of Portonaccio have been attributed to the "Master of Apollo", who belonged to the last generation of clay sculptors (coroplasts) of the workshop of Vulca, author of the famous statue of Jupiter in the Capitoline Temple (580 BCEca) commissioned by the first Etruscan king, Tarquinius Priscus for the same temple, perhaps, at the end of the 6th century, King Tarquinius the Superb asked the "Master of Apollo" for two carts as an ornament for the roof.

G. Q. Giglioli, &ldquoVeio. Scavi nell&rsquoarea della città e della necropoli: statue fittili di età arcaica&rdquo, in Notizie degli Scavi di Antichità 1919, vol. XVI, pp. 13-37, in part. figg. 2 e 3 alle pp. 13 e 14, pp. 16 e 18, tavv. I-IV.

M. Pallottino, &ldquoLa scuola di Vulca&rdquo, in M. Pallottino, Saggi di antichità, I-III, Roma 1979, pp. 1008-1009, tavv. XXVIII-XXIX, XXX, 1-2.

G. Colonna, &ldquoIl maestro dell&rsquoErcole e della Minerva. Nuova luce sull&rsquoattività dell&rsquoofficina veiente&rdquo, in Opuscula Romana 16, 1987, a pp. 23 nota 43, 26 nota 54, figg. 57-58.

F. Boitani - M. Diana - T. Sante Guido, &ldquoIl restauro dell&rsquoApollo di Veio&rdquo, in Kermes aprile-giugno 2004, pp. 41-60 (sul restauro).


Why do Romans hate Athena?

Click to read in-depth answer. Subsequently, one may also ask, what is Athena afraid of?

In the end of Book VI of the Odyssey, Odysseus sends up a pray to Atena, the Greek goddess of Wisdom and Warfare. It then says Atena does not openly acknowledge him. The reason being that she feared Poseidon's wrath.

Additionally, why was Minerva important to the Romans? Minerva is the goddess of wisdom, medicine, the arts, poetry, and handicrafts. Later in Roman history, she became the goddess of war as well. So, she was pretty important to the Romans. Combining aspects of both Menvra and Athena, Minerva grew to be one of the most respected goddesses in the Roman religion.

Besides, why is Athena's Roman name Minerva?

Minerva è il Roman goddess of wisdom. She was also the goddess of trade, the arts, and strategy in war. Minerva was highly influenced by the Greek goddess Atena. Quando il Romans made contact with the Greeks, they saw their gods as being similar to those of the Greeks.

It is presumed that her Roman name, Minerva, is based on this Etruscan mythology. Minerva was the goddess of wisdom, war, art, schools, and commerce. She was the Etruscan counterpart to Greek Atena.


Guarda il video: Installation of the Statue of Athena Parthenos ca. 170. (Agosto 2022).