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"I Will Survive" vince il primo e ultimo Grammy mai assegnato per la migliore registrazione in discoteca



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Dopo averlo visto dominare completamente il panorama musicale della fine degli anni '70, la National Academy of Recording Arts and Sciences ha dato alla disco il suo marchio di approvazione, decidendo di assegnare un premio Grammy per la migliore registrazione disco, proprio mentre lo stile musicale si stava preparando a morire. Il primo e ultimo Grammy per la migliore registrazione in discoteca è stato assegnato il 27 febbraio 1980 a "I Will Survive" di Gloria Gaynor.

A livello aziendale fondamentale, all'inizio del 1980 c'era una crescente disillusione all'interno dell'industria discografica riguardo al potenziale di profitto della discoteca. Per quanto la musica fosse popolare alla radio e nei club, la disco non era riuscita a produrre molti dei tipi di atti affidabili e multi-platino da cui l'industria dipendeva per i suoi maggiori profitti. Era anche difficile ignorare i segni evidenti del contraccolpo nella cultura popolare dell'epoca. Uno dei più grandi artisti del 1979, i Knack, veniva pubblicizzato esplicitamente come il gruppo che era venuto a distruggere la disco. Ad una partita dei Chicago White Sox del luglio precedente, decine di migliaia di predoni che odiano la discoteca hanno costretto alla cancellazione e alla perdita di una partita al Comiskey Park nella notte della promozione "Disco Sucks". E poi c'era la versione disco di Ethel Merman di "There's No Business Like Show Business", un segno sicuro dell'imminente apocalisse che l'Academy ha scelto di ignorare.

La categoria Best Disco Recording, riconosciuta per la prima volta dai Grammy in questo giorno nel 1980, è stata sommariamente eliminata dai premi dell'anno successivo.


I Will Survive: testi delle canzoni e significato dell'inno della discoteca che è ancora in giro oggi

Il successo di Gloria Gaynor "I Will Survive", uscito nel 1978 e numero 1 nel 1979, è drammatico fin dall'inizio: quelle parole di apertura di "All'inizio avevo paura, ero pietrificato" hanno creato l'affermazione implacabile di perseveranza che segue. Come tante canzoni pop facilmente riconoscibili, "I Will Survive" è piena di emozioni crude, e gran parte di essa è diretta a una persona specifica che ha fatto del male al cantante. Ma questa non è una canzone di vittimismo o crepacuore, tutt'altro. "Vai ora vai, esci dalla porta", canta Gaynor. "Girati ora, perché non sei più il benvenuto." "I Will Survive" cattura la sensazione di andare avanti con anche un pizzico di vendetta (la vendetta del vivere bene, come si suol dire), e poiché è un inno da discoteca, puoi ballare attraverso il dolore e il trionfo. C'è un motivo per cui questa canzone è stata l'unica a vincere un Grammy Award (nel 1980) per la migliore registrazione in discoteca.

Ai tempi dell'afro e dei jeans a zampa di elefante, la disco dominava il panorama musicale, che ti piacesse o no. Di tutti i successi disco che suonavano nei club, "I Will Survive" di Gloria Gaynor non solo è sopravvissuto, ma ha prosperato. Il messaggio potenziante di "I Will Survive" lo ha reso un successo di karaoke che è stato cantato in tutta l'America e continua a giocare molto con chiunque voglia gridare alle proprie avversità.

VH1 ha classificato l'inno survivalista al primo posto delle 100 migliori canzoni dance. Quasi tutti una volta o l'altra hanno canticchiato "I Will Survive", anche se odi la discoteca.


Questo giorno nella storia (4 marzo)

4 marzo 1994: muore John Candy

Articolo tratto da: History.com

La straordinaria star comica John Candy muore improvvisamente per un attacco di cuore in questo giorno del 1994, all'età di 43 anni. Al momento della sua morte, viveva vicino a Durango, in Messico, mentre girava Wagons East, un film western commedia interpretata dal comico Richard Lewis.

Nato nel 1950, il primo lavoro di attore professionista di Candy è stato nel teatro per bambini nel suo nativo Canada. Nel 1972, è stato accettato nella prestigiosa compagnia di commedie Second City a Toronto, dove sarebbe diventato uno scrittore e interprete regolare per il programma televisivo del gruppo, SCTV, insieme ad altri fumetti emergenti come Eugene Levy (in seguito co-protagonista di Candy in Splash) e Harold Ramis (Ghostbusters). Quando SCTV si trasferì alla televisione di rete nel 1981, Candy si trasferì con essa quell'anno e l'anno successivo, vinse gli Emmy Awards per aver scritto per lo spettacolo. Il personaggio SCTV ricorrente (e più famoso) di Candy era Yosh Shmenge, un clarinettista in una banda di polka. Avrebbe ripreso il personaggio in un finto documentario, The Last Polka, su HBO nel 1985 e avrebbe anche interpretato un musicista di polka nel grande successo Home Alone (1990).

Candy ha fatto il suo grande debutto nel cinema con Splash (1984), in cui ha rubato la maggior parte delle sue scene come il fratello ozioso e lussuoso del personaggio principale, interpretato da Tom Hanks. Il film, diretto da Ron Howard, è stato un grande successo, dando il via alle carriere di Candy, Hanks, Darryl Hannah e Levy. In una scena particolarmente memorabile, Candy si lancia con abbandono intorno a un campo da racquetball, usando il suo corposo corpo per un pieno effetto comico. Alto un metro e ottanta e pesa fino a 275 libbre, ha lottato con la dieta nel corso degli anni, ma il suo peso ha indubbiamente contribuito al suo successo come artista comico.

Dopo Splash, Candy era molto richiesta come adorabile idiota. Ha recitato in numerosi successi al botteghino nei successivi 10 anni, tra cui Spaceballs (1987) e collaborazioni con lo scrittore, produttore e regista John Hughes in Planes, Trains and Automobiles (1987), The Great Outdoors (1988) e Zio Buck (1989). Appassionato di sport e comproprietario dei Toronto Argonauts della Canadian Football League, è stato anche comproprietario della House of Blues, con gli attori Dan Aykroyd e Jim Belushi. Nel 1993, Candy è stato elogiato per il suo ruolo di allenatore sensibile di un'improbabile squadra di bob giamaicana in Cool Runnings (1993).

Al momento della sua morte, Candy aveva appena completato il suo debutto alla regia, la commedia cinematografica della Fox Television Hostage for a Day. Aveva interpretato i due terzi delle sue scene in Wagons East, che è stato terminato dopo che la compagnia di assicurazioni dei registi ha pagato un accordo di $ 15 milioni. Un altro film recentemente finito, Canadian Bacon, è uscito nel 1995. A Candy sono sopravvissuti sua moglie, Rosemary, e i loro due figli, Jennifer e Christopher.


È difficile immaginare la musica da ballo e i festival senza Kaskade. L'amato DJ/produttore nominato ai GRAMMY ha messo in scena brani melodici da pista da ballo dal 2001 e sembra essere stato il protagonista di quasi tutti i principali festival musicali in tutto il mondo. Eppure, in qualche modo, niente di tutto questo gli ha dato alla testa mentre rimane tra i primi 20 anni dopo l'inizio del gioco.

"Il fatto che altre persone volessero ascoltare la mia musica, al di fuori di quel piccolo, minuscolo mondo in cui mi trovavo, mi ha semplicemente lasciato senza fiato", ha recentemente detto a GRAMMY.com su Zoom, dal suo studio a Santa Monica, in California. "A tutt'oggi, sono ancora così grato per tutto ciò che è accaduto".

GRAMMY.com ha incontrato Kaskade per celebrare il suo ultimo progetto, the Ripristina EP, con quattro tracce che fanno da colonna sonora al videogioco Rocket League, è uscito su Monstercat il 5 marzo. Si è anche tuffato in profondità nell'EP, l'epica produzione che ha creato il suo concerto di Fortnite del 26 marzo e pianificando la sua incursione in NFT (token non fungibili). Anche il produttore di "Atmosphere" ha riflettuto sul suo viaggio verso la super celebrità e ha detto che non vede l'ora di tornare sulla pista da ballo.

Cominciamo con la nuova musica. Il tuo ultimo progetto, Ripristina, recentemente rilasciato su Monstercat. Sono curioso di sapere quale fosse la tua visione per questo EP.

Visione. Wow, è una parola grossa. [Ride.] Conosco i ragazzi di Monstercat da—sembra davvero tanto tempo—probabilmente da tre o quattro anni. Ero davvero incuriosito da come, non so, la mentalità progressista fosse l'etichetta. Così li ho contattati e sono diventato loro amico. E poi, forse due anni fa, sono venuti da me e mi hanno detto: "Vogliamo fare qualcosa [con te] nello spazio di gioco. Ti interessa?" E io sono tipo "Assolutamente". Oh Ehi. [Movimenti dietro ai giochi arcade.] Il mio studio si chiama Arkade e ho dei videogiochi qui. Sono tipo "Adoro i videogiochi! Sì, sarebbe super divertente e diverso". Un'altra società di software mi ha assunto circa 20 anni fa per remixare alcuni giochi, ma è stato tanto tempo fa.

E così, l'EP è stato uno sforzo piuttosto collaborativo nel fatto che erano tipo "Ehi, vogliamo che si adatti al gioco, e queste sono alcune delle diverse vibrazioni". E così, mi sono seduto e ho giocato a Rocket League per la prima volta circa otto mesi fa. Lo dipingerò come uno di quei rivestimenti d'argento della pandemia. In genere, faccio 120, 150 spettacoli all'anno, esco e completamente fuori programma, e cerco di trovare un qualche tipo di equilibrio.

Con più tempo libero e più tempo in studio, mi sono semplicemente aperto a fare cose come questa. Cosa che sarei stato, prima di questo, penso solo che sarebbe stato molto più difficile avere quel "Cosa stai cercando?" collaborativo. elemento. E sarebbe più difficile sedermi e affondarci davvero i denti e avvolgere la testa intorno al gioco e dare la mia opinione su ciò che penso funzionerebbe quando stai giocando.

Era come, "Ok, cosa c'è di bello ed energico, divertente e leggero? Come può adattarsi al mio suono? Come posso adattare il mio stile a questo?" Davvero, mi sono appena avvicinato in quel modo. Ma certamente, le persone di Monstercat erano tutte, "Adoriamo le tue cose dal suono classico". E "Miles To Go", per me, è la quintessenza di me. Questo è per me come posso sembrare, ma con una nuova interpretazione, un'atmosfera 2021.

Voglio parlare ancora un po' di "Miles To Go", che adoro. Sento che la voce di Ella Vos suona euforica ma anche urgente. Com'è stato lavorare con lei?

Lavorare con Ella è stato un sogno. È altrettanto bella e sorprendente come suona la sua voce. Non la conoscevo prima di questo progetto. E onestamente, ci siamo incontrati sul retro. È successo tutto nella nuvola, nello spazio.

Fedele allo stato attuale delle cose, era una canzone che è stata inviata al mio manager. "Ehi, questo è qualcosa che potrebbe interessare a Kaskade. Gli piace questo stile vocale." E quando l'ho sentito, ho pensato: "Santa vacca! Ha ucciso l'esibizione! Vorrei scrivere questa canzone". Era solo una specie di demo di pianoforte. E all'istante, quando l'ho sentito, ho avuto alcune idee su come volevo produrlo. Ma sì, la sua voce era già registrata: bella, incontaminata.

L'avevo sentita solo una volta prima, in una canzone ["Exhale"] con R3HAB. E ho adorato la sua voce allora, ero tipo "Wow! Chi è questa?" Quindi, è stato un bel momento [quando ho ricevuto la demo]. E in realtà, sono rimasto seduto in pista per un bel po', perché ero tipo, "C'è un messaggio qui". Lo tenevo in mano forse per un album futuro, o qualcosa che fosse parte di un quadro più ampio.

E una delle lezioni di vita che ho tratto da tutta questa faccenda è che forse non ho bisogno di aggrapparmi a quelle cose. L'ho prodotto, l'ho inviato a Monstercat. Ero tipo, "Va bene [per Rocket League]?" Se guardiamo le tracce insieme, questa è da una parte e "Flip Reset" è dall'altra. "Flip Reset" è più come battere, picco, un po' come se avessi segnato un goal nel gioco! "Miles To Go" è il più emozionante del gruppo. Ma funziona. Non volevano un sapore.

E quali sono alcuni degli elementi sonori che hai inserito in "Miles To Go" per dargli quel classico suono Kaskade?

All'inizio della mia carriera, da qualche parte lungo la linea, ho deciso che per distinguermi volevo che la musica elettronica che stavo facendo fosse più basata sui testi e sulla melodia. Anche nel mio primo album sei tu, sono io, ha quasi 20 anni ormai, è tutta una questione di songwriting. E questo era il mio accordo. Mi sono seduto e sono entrato in studio con persone che pensavo fossero grandi cantautori e ho detto: "Ho davvero messo alla prova le mie capacità di scrittura. Voglio continuare a spingere questo confine".

Sento che la musica dance non dovrebbe essere solo sound design. Ho sempre sentito che qualcosa che risuona e va oltre, e qualcosa con cui puoi lasciare un segno, è dove prendi un messaggio interessante, questi testi e una melodia forte, e li sposi con qualcosa di interessante dal punto di vista sonoro. Può essere un momento di impatto globale.

La musica dance è sempre il punto in cui ho la testa. La musica dance ha sempre riguardato i suoni. Ecco da dove veniamo. Drum machine, sintesi, "Lo metterò in una scatola, lo allungherò, lo modificherò e lo farò impazzire, e lo farò suonare come niente che tu abbia mai sentito prima." E lo senti, e dici: "Cos'è questo? Voglio di più".

Molte cose sono cambiate nel corso degli anni, perché 20, 25 anni fa, quando ci sono entrato, nessuno scriveva canzoni e le proponeva ai produttori di musica dance, perché eravamo una nicchia così piccola. Penso che la cosa più grande per me che sia cambiata negli ultimi cinque o sette anni, con ragazzi come David Guetta e Calvin Harris che sono stati in grado di attraversare e conquistare davvero le classifiche pop, le persone erano tipo, "Oh, quel ragazzo, Kaskade mi ha chiamato prima, forse dovrei richiamarlo?" Anche se stavamo riempiendo i nightclub e i grandi locali e suonando in festival massicci prima, penso che ci sia voluto un po' di ragazzi del nostro mondo per far sapere ad altri cantautori e artisti che il nostro mondo era credibile.

Sono cresciuto ascoltando la discoteca grazie a mio padre: adora Diana Ross e tutte le iconiche cantanti femminili. E tu sei stata la prima musica dance in cui mi sono appassionato, al college. Ora, vedo sicuramente la connessione nella tua musica con la discoteca, soprattutto perché la discoteca è la radice della musica da ballo.

100 percento. Permettetemi di fare un ulteriore passo avanti. Quando all'inizio mi sono davvero appassionato a questo, sono cresciuto nella periferia di Chicago e la maggior parte di quei primi dischi house erano così—voglio dire, la disco [era] appena finita. A Chicago dicono: "No, lo stiamo ancora facendo. Lo chiameremo in qualcosa di diverso, perché le persone sono masterizzare dischi da discoteca al Comiskey Park. Ok, bello, lo stiamo facendo in un magazzino, chiamiamola musica house." Molte persone discutono su come sia successo, ma io non sono qui per essere quel tipo. Quei ragazzi erano così influenzati dalla disco.

E quando sono arrivato, tutti quei primi produttori prendevano in prestito [disco] come ispirazione, e campionavano, tutta quella roba. Ora, non lo facciamo molto perché è illegale. Ma allora, c'erano molte cose che non erano ancora state chiarite. Ci sono così tanti di quei primi dischi a cui ripenso, ero un enorme DJ furtivo fan che cresce, e lo sono ancora. [Indica un vinile enorme.] Ho probabilmente 150 dischi di DJ Sneak. Stava incidendo molti di quei vecchi dischi da discoteca e rendendoli nuovi dal punto di vista sonoro.

Quando ci sono entrato per la prima volta, lo stavo imitando. Quando mi sono trasferito a San Francisco è stato come quando avevo quella mentalità di "Oh, posso scrivere le mie canzoni". A quel punto, la potenza del computer era diventata così grande: prima avevamo 10 secondi, poi 12 secondi, poi potevi registrare i testi nel tuo computer. Ciò ha portato a un boom creativo della musica elettronica.

Di cos'altro volevo parlare? Continuiamo a parlare di discoteca.

La discoteca va bene. Sei fortunato a essere cresciuto in una casa con esso. Ho fatto un po' di discoteca. ne ho un po' Bee Gees, certo, ma ho avuto un sacco di ABBA a casa mia, amico. Sono incredibili. La prima volta che sono andato a Stoccolma, tutto quello che riuscivo a pensare era tipo: "ABBA. Dove vivevano? Posso andare in un bar dove uscivano gli ABBA?" Il mio tour manager era tipo "Lascialo già". E io: "No, no, non sto cercando di essere divertente. Sono cresciuto ascoltando questa roba, è un grosso problema per me".

Voglio parlare di più di come ti sei avvicinato alla colonna sonora di Rocket League. In che modo è stato diverso da quando stai creando una canzone che suonerà alla grande a un festival o sulla pista da ballo?

Beh, quando vado in studio—è una cosa piuttosto egoistica—scrivo principalmente canzoni per me. Mi piace scrivere, creare, sedermi e scherzare con i suoni. Con il primo remix che sono stato assunto per fare secoli fa, la persona A&R era molto particolare come, "Ehi, mi piace davvero questa canzone che hai fatto, e penso che potrebbe adattarsi stilisticamente a qualcosa del genere perché voglio che sia suonato nei locali notturni all'una del mattino. Come puoi avvicinarti a questo?" Ero tipo, "Oh, sì. Vedo perfettamente che funziona".

È la stessa mentalità quando mi sono seduto a [lavorare su Rocket League.] "Cosa vorrei sentire? Cosa funzionerà? Come posso dare una svolta a questo?" "Flip Reset", la canzone con cui ho fatto K, era la cosa più ovvia per me. È qualcosa di super energico, divertente, leggero, esplosivo. Quindi ora, quando sei nella lobby del gioco e stai aspettando di scegliere la tua auto, sta sbattendo e in un certo senso ti eccita. "Closer" riguardava più solo l'atmosfera. È la musica in sottofondo mentre suoni, la vuoi vibrante, fresca, ma comunque energica. Onestamente, penso che sia questo il motivo per cui i giocatori in generale ascoltano così tanta musica dance. Ricevo continuamente messaggi su Twitter e Instagram, di solito persone che mi chiedono di postare più set perché li hanno ascoltati almeno 20 volte ciascuno e li hanno completamente memorizzati.

[Per Rocket League] volevo che andasse da cose esplosive, super energiche, a vibrazioni, e poi alcune delle mie cose classiche ed emotive che sarebbero state memorabili. La speranza per me era, ed è bello che funzioni in questo modo, è che le persone spengano il gioco e dicano: "Amico, adoro quella traccia. Come si chiamava? Oh, 'Miles To Go, ' lascia che lo metta."Scoperta ora, sta accadendo attraverso Tic toc, questi giochi e tutte queste diverse piattaforme. L'industria riesce a malapena a tenere il passo. È bello vedere i giovani esordienti e le persone veramente esperte là fuori che capiscono che possono connettersi alle persone in modi diversi e piattaforme diverse.

Qual è il tuo rapporto con i videogiochi? Ovviamente, vedo i giochi arcade della vecchia scuola dietro di te, ma sei cresciuto giocandoci? Li giochi ancora?

Di solito sono troppo occupato, non ho molte cose da giocare. Ma sì, ho una PS4 e una Xbox a casa mia e ogni tanto ci salto. Ma davvero, amo ancora i classici. Ho dei flipper nell'altra stanza. Quindi, mi piace tutto, amo il gioco. Ma le persone dicono sempre "Amico, lascia che ti giochi su Fortnite". Sono tipo, "Non capisci. Faccio schifo. Sono tipo 20 ore".

E a proposito di Fortnite, il tuo concerto di Fortnite è avvenuto il 26 marzo. Come ti sei preparato? E cosa vedi di positivo nel poter fare uno spettacolo in uno spazio virtuale?

Questa è una bella domanda. Penso che la sfida per me [è fare set più brevi]. Anche i festival sono difficili per me. Hai 67 minuti di tempo per l'esibizione. Vengo dal mondo dei club, e sono abituato a giocare due, tre, quattro o cinque ore, e mi sento davvero a mio agio in quello spazio.

La cosa bella dell'intera faccenda virtuale, specialmente quando si tratta di una produzione così completa come questa, è che può essere abbastanza pianificata. Lo sto totalmente battendo in molti dei miei concerti. Questa è una delle cose più belle della musica elettronica, perché una sera puoi andare ad ascoltarmi e sentire: "Mio Dio! Eravamo sulla stessa lunghezza d'onda". Voglio dire, ovviamente, mi sforzo per questo ogni singola notte. Ma alcune notti vanno meglio di altre. Ma lo spazio virtuale era bello perché era così pensato. È come, "Ecco il tuo tempo. Questo è ciò che dobbiamo consegnare".

Per la produzione dei miei spettacoli, sono parte integrante di quel processo. E non che lo facciamo bene ogni volta, ci proviamo. Per questo, stiamo facendo qualcosa di molto più provato. Abbiamo filmato il set, mio ​​Dio, in quattro giorni. Dirò, in modo conservativo, che ho fatto il set almeno 30 volte. E non è un'esagerazione. Ero così dolorante alla fine perché stavo saltando in giro. Il secondo giorno, erano tipo, "Fratello, stai bene con l'energia? Hai bisogno di una Red Bull o qualcosa del genere?" Ero così dolorante, perché continuavano a dire: "Devi portare l'uomo dell'energia, stiamo facendo dei primi piani ora". Posso solo impazzire così tanto. È come se avessi fatto due mesi di tour in quattro giorni.

Questo è pazzesco. Hai lavorato con un team di realtà virtuale? O come hai collaborato alla grafica e tutto il resto?

È da pazzi. Ascolta, abbiamo inviato tutte le mie immagini in anticipo, e poi ho inviato loro una lista dei desideri delle canzoni che volevo suonare. L'abbiamo abbinato, abbiamo sincronizzato le immagini. E hanno iniziato a programmare, un team di 50 persone, quando mi sono presentato per filmare. Questa è un'impresa enorme. Onestamente, mi sentivo come se mi stessi preparando ad andare in tournée per un anno e mezzo in un tour globale. Era enorme. E si erano preparati per sei o otto settimane prima che mi presentassi per esibirmi.

I ragazzi che l'hanno prodotto e messo insieme sono incredibilmente talentuosi. È selvaggio. Era ben oltre lo scopo di quello che avevo capito finché non mi sono presentato lì. Durante i flussi che ho fatto durante la quarantena, sono nella mia cucina come, "Ehi, sto cuocendo il pane alla banana e ascoltando alcuni dischi. Sintonizzati". Questa era l'estensione del mio streaming. Ne ho fatto uno al Grand Canyon, è stato fantastico e, ovviamente, ci è voluto un piccolo staff di persone per eseguirlo. Ma stavamo usando la bellezza dei dintorni per lasciare a bocca aperta le persone.

Questa cosa è davvero un miracolo tecnologico. Sembra un festival. Avevano la telecamera su un boom, passando sopra la mia spalla, e poi fuori in questo pubblico virtuale. Tutto il resto [era] animato, tranne me. È come se fossi davvero all'interno del gioco.

Parlando di cose folli che vanno al di là della mia immaginazione, hai twittato sul lavoro per pubblicare alcuni NFT [token non fungibili]. Sono curioso di sapere cosa vedi come il futuro per gli artisti che pubblicano NFT e lo usano come un modo per connettersi con i loro fan e anche come un'altra fonte di entrate.

Penso che sia eccitante. [Sono sempre entusiasta di] qualsiasi tipo di nuova piattaforma o tecnologia. Onestamente, nelle ultime 12 settimane, io e praticamente, non so, il resto del mondo dell'arte, stiamo leggendo, discutendo, guardando video su YouTube, cercando solo di capire di più lo spazio.

Per me, è un'opportunità per le persone di ottenere la mia arte in un formato diverso, o vederla in un modo diverso, e potenzialmente portarla a un nuovo pubblico. La vedo come una nuova opportunità per entrare in contatto con i miei fan che sono in giro da così tanto tempo, o anche con le persone che mi stanno incontrando per la prima volta. Penso che dal punto di vista musicale sia così nuovo, stiamo scoprendo i problemi man mano che andiamo avanti. Sto collaborando con un artista [visual]—e non ho intenzione di rivelare altro in questa intervista—perché, per me, per essere davvero efficace, deve esserci un elemento visivo nella musica.

Per quanto riguarda le entrate, voglio dire, sono super fortunato ad essere in una posizione in cui sono in questa parte della mia carriera e non ho speso tutti i miei soldi. Anche se la pandemia ha fatto schifo per molte ragioni, e sono sicuro che tutti abbiamo la nostra lista di ragioni per cui ha fatto schifo, per me, il breve elenco di ragioni per cui è stato bello è che devo rallentare. Non sto cercando NFT come parte di una nuova corsa all'oro. Penso che un sacco di gente sia solo perdutamente del tipo: "Oh, mio ​​Dio, soldi! Devo prendere un po' di questi soldi".

È un po' pazzesco come, poche settimane fa, all'improvviso la notizia sia stata che i Kings of Leon hanno un album NFT e Grimes sta facendo un NFT, e poi tutti sono saltati a bordo.

sono amico di deadmau5, lo seguo sulle sue piattaforme e chatto di tanto in tanto, e lui è fino al mento in queste cose. Ha messo qualcosa [sugli NFT], penso che fosse novembre dell'anno scorso, ed è stato davvero quando ho detto, "Oh, wow!" Joel [Zimmerman, a.k.a deadmau5] è davvero all'avanguardia e mi piace molto quello che fa nello spazio tecnologico. È stato allora che ho iniziato ad appassionarmi. E stavo già iniziando la mia corsa in questo spazio, quando boom, è successo.

Sarà interessante vedere come si evolverà. Sono stato curioso di vedere come la blockchain può servire le persone e uscire dalla sua sorta di bolla tecnologica e privilegiata. Gli NFT sono sicuramente una fantastica opportunità. E sai, la gente ama il merchandising, e io lo vedo come una nuova era.

Sì, di sicuro. Penso che ci arriverà. In questo momento, gli NFT sembrano super high-end e questa è una delle cose che sto cercando di ottenere con il mio drop, è assicurarmi di avere un numero di articoli che siano effettivamente entry level. Le persone che potrebbero essere curiose di NFT e avere un po' di Bitcoin, o che vogliono immergersi in esso, che ci sarà qualcosa di accessibile per loro.

Sto pensando più come, qual è la prossima ondata? Guardandolo come merch, o qualcosa del genere. Qualcuno può possedere la mia opera d'arte autenticata. Ho dei fan che ho incontrato che dicono "Sono stato a 100 spettacoli", quindi per qualcuno del genere. E nel mio negozio di merchandising, occasionalmente facevo stampe del fotografo che mi ha seguito per molto tempo, Mark Owens, e offri qualcosa del genere. È interessante allungare quello spazio. E lo vedo come un modo simile, solo in un mezzo digitale.

Questo è lo spirito. fino ad allora dovremo iniziare ad allenarci per questo - puoi immaginare quanto sarà epico ottenere finalmente questi spettacoli. https://t.co/6FgEtfPY7s

— Kaskade (@kaskade) 10 marzo 2021

Di recente hai programmato i tuoi spettacoli Redux per il 2022, il che è pazzesco. Cosa non vedi l'ora di tornare agli spettacoli IRL?

Oddio. Connessione umana. Mi manca. È stata una sfida fare musica in questo buco nero. Sono stato molto viziato nella mia carriera, anche all'inizio. Farei qualcosa e poi potrei andare a provarlo al club quella sera o la sera successiva. Avere quel feedback istantaneo è molto stimolante dal punto di vista creativo. Ha aiutato a dare forma a molti dei miei primi dischi.

Artisti indipendenti e persone nel mio spazio, non stiamo testando la nostra musica proponendola alla radio. Non scrivo dischi radiofonici. Il nostro spazio è nelle discoteche e nei festival. E per eliminarlo completamente dall'equazione, è come, "Aspetta. Funziona ancora?" Fortunatamente, ricevo messaggi dai fan come "Oh, mio ​​Dio! Adoro questo mix". E ce n'è ancora un po' lì, ma niente batte il vero affare, di persona, in uno spettacolo.

Tornando all'inizio, nel 2003, quando uscivi sono tu sono io, avevi idea che saresti stato dove sei ora?

[Avevo] Assolutamente nessuna inclinazione, nessun piano. Non ho mai avuto la minima idea. Ero completamente ingenuo, un po' stupido, giovane. Se avessi provato a programmare qualcosa di tutto questo, sono sicuro che avrei rovinato tutto. Non c'è metodo per la follia.

Di tanto in tanto parlo con i gruppi di giovani, e mi dicono sempre: "Beh, come sei esploso?" E io: "Non ne ho idea. Posso sedermi qui e darti i miei due centesimi, ma è inutile perché qualunque cosa io abbia fatto sarà completamente diversa per te, se stai cercando di entrare in questo spazio. " Quello che dico sempre loro è che non avevo aspettative. Voglio dire, davvero, per me, è stato come se potessi pagare il mio affitto a San Francisco, o anche solo avvicinarmi molto e comprare Top Ramen, onestamente, il mondo è la mia ostrica. Sto vivendo.

Ad oggi, sono ancora così grato per tutto ciò che è accaduto. E per non dire che non ho lavorato per questo, ho fatto tournée senza fine negli ultimi 20 anni, e mi sono quasi suicidato là fuori sulla strada. Perché credevo nella musica e credevo che potesse esserci qualcuno a cui piacesse. Ho sempre fatto uno sforzo per connettermi e costruire un pubblico. Il mio obiettivo finale era solo quello di poter vivere, pagare l'affitto e prendermi cura della mia famiglia.

Ed eccoti qui adesso.

Ora sono seduto in questo fottutamente ridicolo studio a Santa Monica, California. Stamattina sono andato a fare surf e ho una vita davvero incredibile, tutto libero di fare ciò che amo. Onestamente, per quanto schifoso sia il COVID-19, non sono uno che dovrebbe lamentarsi. Non ho una lamentela al mondo. Se un giorno mi senti lamentarmi, vieni su e colpiscimi in testa o qualcosa del genere.


“I Will Survive” vince il primo e ultimo Grammy mai assegnato per la migliore registrazione in discoteca - LA STORIA

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Ray Charles - Wikipedia 23 settembre 1930 - 10 giugno 2004, cantautore, musicista e compositore americano. Tra amici e colleghi musicisti preferiva essere chiamato "Fratello Ray". È stato spesso definito "Il genio". Charles era cieco dall'età di sette anni.
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14347 180527 nato il 26 maggio 1949 Hank Williams Jr.
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Hank Williams Jr. - Wikipedia Randall Hank Williams, nato il 26 maggio 1949, conosciuto professionalmente come Hank Williams Jr., è un cantante, cantautore e musicista americano. His musical style is often considered a blend of Southern rock , blues , and traditional country. He is the son of legendary country music singer Hank Williams and the father of Hank Williams III , Holly Williams ,
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14326 180519 born 19 May 1945 Pete Townshend
Pete Townshend writes My Generation on his 20th birthday - May 19, 1965 - HISTORY.com
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Pete Townshend - Wikipedia born 19 May 1945, an English musician, singer, songwriter, and multi-instrumentalist, best known as the lead guitarist, backing vocalist, and principal songwriter for the rock band the Who
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14309 180513 born May 13, 1950 Stevie Wonder
Stevie Wonder - I Just Called To Say I Love You - YouTube
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Stevie Wonder comes of age - May 13, 1971 - HISTORY.com
Stevie Wonder - Wikipedia Stevland Hardaway Morris, n Judkins born May 13, 1950, known by his stage name Stevie Wonder, is an American singer, songwriter, record producer, and multi-instrumentalist. A child prodigy , he is considered to be one of the most critically and commercially successful musical performers of the late 20th century.
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14090 180318 died March 18, 2001 John Phillips
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John Phillips (musician) - Wikipedia August 30, 1935 March 18, 2001, an American singer, guitarist, songwriter, and promoter , most of the 1967 Monterey Pop Festival , a landmark event of the counterculture era and the Summer of Love . Known as Papa John, Phillips was a member and leader of the vocal group The Mamas & the Papas .
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“I Will Survive” wins the first—and last—Grammy ever awarded for Best Disco Recording - HISTORY

This song was written by the former Motown producers Freddie Perren and Dino Fekaris. Perren was a co-writer on three #1 Jackson 5 hits: "I Want You Back," "The Love You Save" and "ABC." Fekaris' biggest co-write with Motown was "I Just Want to Celebrate" by Rare Earth, but he also placed tracks with The Temptations and The Four Tops.

When Perren and Fekaris left Motown, they formed their own production duo and scored big with Peaches & Herb, taking "Reunited" to #1. When they wrote "I Will Survive," they had nobody to sing it. The pair agreed that the next diva that came their way would get the song. That diva was Gloria Gaynor, whose record company called Perren looking for production work on a song called "Substitute," which was originally recorded by the Righteous Brothers. They took the gig, and Gaynor agreed to record "I Will Survive" as the B-side.

Gaynor leaned the song from a demo Perren and Fekaris made for her, and both songs were recorded in the session. Everyone involved in the recording knew that "I Will Survive" was the superior track, but the president of Gaynor's record company specifically ordered "Substitute," and released it as the A-side as planned. "Substitute" peaked at #107 in October 1978, but club DJs started playing started playing the B-side, and soon radio stations were also playing "I Will Survive." Polydor finally released the single with the sides flipped, and "Survive" peaked at #1 in the US in March 1979.

The musicians on this track were some of the first-call session players in the Los Angeles area. There were:

Drums - James Gadson
Bass - Scott Edwards
Guitar - Bob Bowles
Guitar - Melvin Ragin
Piano - Freddie Perren (also the song's co-producer and co-writer

String players were also brought in to play on the track.

Since this was first released, Gaynor has become a devout Christian and added a verse reflecting her faith to live performances:

I will survive
He gave me life
I stand beside the Crucified One
I can go on
I will be strong
For my strength to live is not my own
I will survive!

Comments: 34

  • Dannyy64 from Texas To Dan from Newton KS, I’ve been saying the same thing for years. Wonder if anyone ever mixed the 2 song into a monster inspirational song
  • Dan from Newton, Ks I can't believe no one has posted this!! The musical bridge (orchestra) part of this song sounds ALMOST EXACTLY like the musical bridge in 'Gonna Fly Now (Theme from Rocky)'. So much so, that I'm surprised it's not mentioned more often, or that there wasn't some sort of 'plagerizing' rumors.
  • Scott from Los Angeles, Ca I am Scott Edwards, the bass player on the original version of "I Will Survive" sang by Gloria Gaynor. The original writer of this song was Dino Fekaris who co-produced this song with Freddie Perren. A documentary of the birth and production of this song was done and I have excerpts of the video on my webpage at this link . Copy and paste. Grazie. http://scottedwardsmusic.com/i_will_survive_proof.htm
  • Kent from Greensburg, Pa I have a different and personal interpretation of this song. I have had to overcome so much in my life and still have more things to come and I figured if I have survived this long, then I can survive almost anything that isn't life threatening! I overcame self injurious behaviors, very bad depression, and suicidal tendencies and this song helped me get through all of them. So I have to say "Thank you Gloria for recording this song!" Chi lo sa? If she hadn't recorded I Will Survive, I might not be alive today.
  • Barry from Sauquoit, Ny Gloria pulled off a rare feat with this song. On March 10th, 1979 'I Will Survive' reached No. 1 & stayed there for two weeks, then the Bee Gees' 'Tragedy' became No. 1 for two weeks. And Gloria then recaptured the No. 1 spot for one more week.
  • Barry from Sauquoit, Ny In 1979 Gloria proclaimed "I Will Survive" a year later Amy Holland asked "How Do I Survive?"
  • Jackie from Blacksburg, Va Gaynor has said she doesn't Cake's remake because of the [email protected]#$ing lock". Personally, the bass line on that version is what blows the others away. If you haven't listened to it, find it an enjoy the bass line (the rest is great too). It's a shame, because I would love to have heard her singing (maybe a duet) with Cake.
  • Dennis Tate from Moses Lake, Wa Some guy made an awesome video of a one-eyed alien girl singing this song. The first time she says "I will survive," she's knocked flat by a giant disco ball. No disrespect to Gloria Gaynor but the irony just cracks me up!
  • David Mosley from Lincoln Park, Mi Hello All.
    I have been arguing with people for years, & years. Will someone whom has an original release of the album, containing I Will Survive from back in the '70's Look-Up (whom) actually is the responsible party whom wrote the song. Because I know it wasn't Gloria Gaynor . Originally written, & recorded by a man - ?
    Gloria Gaynor goes around taking credit for his song writing, everytime she appears on a show.
    That is getting on my last nerve, I saw a talk show years ago, with him on there, & he was addressed the issue with him losing-out on the song being recorded by her, & she publically states that she wrote the song for (reasons) etc.etc. Someone, Please, Please help set the record straight, because the original name will be in the credits of the song listing on an original album.
  • Paul from San Benito, Tx haha i love this song and no its just an ispirational song to empower any type of people who have to survive a battle with something. i use this song as my antham since my battle with alcoholism and P.S im only 14.. Alcohol and drugs are in schools stupid adults in denial. anyway thats besides the point this song will be as timeless as the battle for survival
  • Robert from Melbourne, Australia Hi there!, Firstly i work in the music biz, and was lucky enough to meet Gloria in NYC , she is a pain to work with. lol..We discussed the track and here is the story. Years before she wrote the song she was battling through breast cancer, after her fight , she wanted to write about experience but in a way that only she new, believe it or not.
  • Musicmama from New York, Ny Dave from Cardiff: Hmm. Playing this song at a bar mitzvah--or a wedding. What kind of message does that send? LOL

Anyway, I actually appreciate this song more now than I did when it first came out. Maybe it's because I'm older and more experienced, having survived a few things--including having to live as a male for more than forty years, and, as a result, doing all sorts of things to which I was completely unsuited. Here I've come! Thanks, Gloria!

The audience gave her a standing ovation as she sang.

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The 10-track dancefloor-ready, disco-tinged album was produced by Jones, with Jackson co-producing three tracks, including the smash-hit opening track and lead single, "Don't Stop 'Til You Get Enough," which the singer/dancer wrote himself. It also features songwriting from Stevie Wonder (on "I Can't Help It"), Paul McCartney (on "Girlfriend) and British songwriter Rod Temperton (on "Rock with You," "Off the Wall and "Burn This Disco Out"), the latter two who return on Thriller.

The LP made history by becoming the first album by a solo artist to spawn four Billboard Hot 100 Top 10 hits. "Don't Stop 'Til You Get Enough," earned Jackson his first GRAMMY win—for Best Male R&B Vocal Performance at the 22nd GRAMMY Awards.

"Don't Stop 'Til You Get Enough" was also nominated for Best Disco Recording—an award that unfortunately only lasted one year, and was won by Gloria Gaynor and her eterno disco gem, "I Will Survive."

His following album, 1982's Thriller, would see Jackson sweeping the 26th GRAMMY Awards with eight total wins, including Album Of The Year and Record Of The Year. Jones shared four of these wins for his stellar production on it.

Fuori dal muro e Thriller were both inducted into the GRAMMY Hall Of Fame in 2008. Jackson also received the GRAMMY Legend Award in 1993 and, posthumously, the Lifetime Achievement Award in 2010. Jones also earned the GRAMMY Legend Award (in 1991), as well as the Trustees Awards in 1989, which is the equivalent of the Lifetime Achievement Award for producers and other technical roles in music.


Sommaire

Jeunesse et formation

Gloria Fowles est la fille de Queenie May Proctor et Daniel Fowles, elle a six frères et sœurs [ 1 ] . Son père abandonne sa famille pour jouer dans des orchestres de jazz.

Elle écrit dans son autobiographie « Il y a toujours eu de la musique à la maison. » À la radio, elle écoute des chanteurs tels que Nat King Cole et Sarah Vaughan.

À 12 ans, elle est victime d'une agression sexuelle par le compagnon de sa mère [ 2 ]

À la fin de ses études secondaires à la Newark’s Southside High School [ 3 ] , elle s'oriente vers une carrière de chanteuse. Pour tranquilliser sa mère qui se soucie pour l’avenir de sa fille, elle suit des cours d’esthéticienne [ 3 ] .

Carrière

Débuts

Gloria Gaynor commence sa carrière comme chanteuse des Soul Satisfiers [ 4 ] , un groupe de jazz/pop, durant les années 1960 [ 5 ] . Son premier single est She'll Be Sorry/Let Me Go Baby, sorti en 1965 [ 6 ] .

Elle est découverte par Jay Ellis [ 7 ] , qui devient son agent artistique et producteur [ 8 ] .

Le succès vient en 1975 avec la sortie de son album Never Can Say Goodbye [ 9 ] produit par Meco Monardo [ 10 ] , la chanson titre est un remake des Jackson Five [ 11 ] . L'album l'établit comme une artiste de genre disco. La première face de cet album comprend trois chansons disco (Honey Bee, Never Can Say Goodbye et Reach Out, I'll Be There), qui s’enchaînent l'une après l'autre de façon continue, suite de 19 minutes vite demandée dans les discothèques [ 6 ] .

Le succès

En 1978, la sortie de Love Tracks la propulse dans le haut du classement des ventes pop grâce au titre I Will Survive. La chanson devient un emblème du féminisme et des LGBT [ 12 ] .

Lors d'une tournée, en 1978, elle est victime d'une mauvaise chute, elle se retrouve paralysée et doit subir une opération chirurgicale de la colonne vertébrale dont elle aura des séquelles [ 13 ] , [ 14 ] .

Fin 1979, elle sort l'album I Have a Right, qui contenait un autre tube populaire aux États-Unis (Let Me Know I Have A Right).

En 1979, Gloria Gaynor enregistre également un titre disco (Love Is Just A Heartbeat Away) pour un film de vampires, Nocturna [ 15 ] .

Elle connaît encore un succès en 1993 en sortant le tube First be a Woman.

En 2019, elle sort un album de chant gospel, Testimony (Témoignage), enregistré au RCA Studio A de Nashville [ 16 ] , [ 17 ] . Le 19 juin 2019 , le magazine Tabellone signale que l'album fait son entrée dans le Top Gospel Albums Chart [ 18 ] .

Opinion politique

Le 11 avril 2016 , elle dit son admiration pour Barack Obama et déplore de façon allusive la candidature de Donald Trump [ 19 ] .


“I Will Survive” wins the first—and last—Grammy ever awarded for Best Disco Recording - HISTORY

She is the first and only winner of the Best Disco Recording Grammy Award. She took home the prize in 1979 for “I Will Survive.”

A black woman: physicist, inventor, and NASA data analyst. When she wasn’t busy managing the Landsat program, which has produced millions of images of Earth, she was inventing the technology which went on to become the premise for more advanced TV screens and modern 3D technology.

In the late ’70s, she discovered that concave mirrors can create the illusion of 3-dimensional objects and began experimenting with how she could visually transmit the 3D illusion. In 1980, Thomas patented her illusion transmitter.

I am the first black actress to win Oscar, Tony, and Emmy for acting. I also knew how to get away with murder.

This woman recently became the first African American to lead a major TV network when she was named the Entertainment President of Disney’s ABC television network. She has worked for Walt Disney Co. as an executive for more than 10 years and helped developed ABC hit shows such as “Scandal” and “How to Get Away With Murder.”

In 2020, she was announced as the new chairman and CEO of Warner Bros. Television Studios.

In 1996, this former Texas Tech University basketball star became the first player to sign with the Women’s National Basketball Association (WNBA), which made its debut the following year.

In 2021, this woman is the first and only, so far, to win 28 Grammys to date. She started in a girl group before flourishing into an international solo artist!

Isn’t it nice that you can just walk into your home and turn on the heat when you’re cold?

This black woman took it upon herself to design a natural gas-fueled “new and improved heating furnace.” Her design earned a patent in December 1919 and helped give birth to the thermostat and the familiar forced air furnaces in most homes today.

In the 1930s and ’40s, I was one of the first people to combine gospel music with melody-driven urban blues, traditional folk, and a unique pulsating swing style. Today, my musical style is considered one of the first definite precursors of rock and roll.

Who is Sister Rosetta Tharpe

In 2021, She has become the first woman of color to host the nightly broadcast of “Entertainment Tonight” in the show’s 40-year history, CBS announced Thursday. She joins the host Kevin Frazier, who is also Black, starting Thursday night. Her promotion marks the first time the show has been anchored entirely by people of color.

Another historic first came in 1985, when this black athlete became the first woman to join the famous Harlem Globetrotters basketball team.

In 1955, this legendary opera singer broke the color barrier by becoming the first African-American to perform with the New York Metropolitan Opera.

This mathematician and Virginia native‘s calculations and programming helped to make a geoid, a mathematical model of the Earth’s shape, which is the foundation of the GPS. However, she prefers a map over GPS any day!

I am the first Black woman to graduate Yale Law School, join the New York City Bar Association and the NYC Law Department, and become a judge in the United States. I took office in 1939 on the New York City Domestic Relations Court and remained there for 40 years until my retirement.

This actress, comedian & author defined the odds by being the first black EGOT winner. She is also the "IT Girl" of 1993!

In 1986, this athlete became the first black woman to win the U.S. figure skating singles championship she was also the world champion that year, as well as a bronze medalist at the 1988 Winter Olympics, where she was the first Black woman to take home a medal at the winter Olympics.

She is the youngest Black Grammy Winner, taking home her first award at the age of 18, before Blue Ivy Carter won hers at 10!

A true visionary, she became the first female African American medical doctor to receive a medical patent when she invented a laser cataract treatment device called a Laserphaco Probe in 1986. (She was also the first African American to complete a residency in ophthalmology.) The co-founder of the American Institute for the Prevention of Blindness patented her invention in 1988.

As one of twelve children and the daughter of immigrants, I rose to become the first Black woman to ever argue a case before the U.S. Supreme Court.

Who is Constance Baker Motley

She's considered one of the world’s first Black superstars, the 30s and 40s belonged to the singer. Whether it was in theater or vaudeville, the Oscar-nominated phenom always pushed boundaries. In 1939, she became the first African-American to star in her own television program on NBC.

In track and field, this athlete is the first Black woman to win an Olympic gold medal in 1948


“Soul Makossa” is the first disco record to make the Top 40 - Jul 21, 1973 - HISTORY.com

TSgt Joe C.

During the pre-dawn hours of nearly any given night in the early 1970s, a group of young men who would change the face of the music industry could be found eating omelets and talking about records at a Manhattan restaurant called David’s Pot Belly. The names in this rotating group of friends are unfamiliar to most: David Mancuso, David Rodriguez, Michael Cappello and Nicky Siano. They were not musicans but DJs at dance clubs like The Gallery, The Loft and Le Jardin, and through their taste in music and their obsessive search for new material, they would collectively bring a thing called “Disco” into existence. Their power to shape popular culture would first become evident on this day in 1973, when a song called “Soul Makossa” entered the Billboard Top 40 as the first-ever chart hit definitively launched by the infant disco scene.

“Soul Makossa” was a 1972 recording by the Paris-based Cameroonian artist Emmanual “Manu” Dibango, and it is now best remembered as the source of the rhythmic chant—”Mama-ko, mama-sa, maka-mako-sa“—that appears in Michael Jackson’s “Wanna Be Startin’ Somethin”” (1982) and Rihanna’s “Don’t Stop The Music” (2006). Issued on the French label Fiesta, “Soul Makossa” might never have been heard on this side of the Atlantic had David Mancuso not pulled it from a shelf in a Jamaican record shop in Brooklyn one day in the spring of 1973 and, after hearing it, immediately recognized its percussion-heavy, Afro-Latin sound and repetitive chorus as absolutely perfect for the dance floor.

While DJs like Mancuso scoured every corner of New York City for new dance records to spin, the record industry paid absolutely no attention to the club scene, never having considered that it might offer a way to “break” a new record. “Soul Makossa” would change all that. As soon as Mancuso began spinning it at The Loft, his fellow DJs had to have their own copies, and so did their fans. Rolling Stone and Billboard magazine noted that the street price of the rare import had shot through the roof in New York City as devotees of the largely black, gay and Hispanic club scene tried to get their hands on Manu Dibango’s surprise hit. “People went wild trying to find that record,” Nicky Siano recalled in Love Saves The Day (2003), Tim Lawrence’s history of American dance culture in the 1970s. “No one had ‘Soul Makossa.'”

Taking note of its underground success, Atlantic Records licensed “Soul Makossa” from Dibango’s French label and released a domestic version of the single. When it entered the Top 40 on this day in 1973, it awakened the music industry to an important new cultural and commercial phenomenon, laying the groundwork for the disco explosion to come.


Guarda il video: Piano Karaoke InstrumentalI Will Survive. Gloria GaynorLower Key (Agosto 2022).