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Decodificare l'enigma di Barcellona di un antico tempio musicale romano

Decodificare l'enigma di Barcellona di un antico tempio musicale romano


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Mentre la recente attenzione del mondo si è concentrata su Barcellona, ​​mentre alcuni dei suoi abitanti si radunano per l'indipendenza della Catalogna dalla Spagna, poche persone sanno che la città ospita uno dei più grandi tesori sotterranei della storia europea; un sito archeologico di 4000 metri quadrati di raggio (1,3 miglia quadrate) di rovine romane, incluso l'enigma del Tempio di Augusto. Il segreto di questo tempio non risiede solo nelle sue misurazioni, ma come ha indagato l'autore e ricercatore Ashley Cowie, è stato scoperto che racchiude l'antico codice della musica e dell'architettura, espresso dagli architetti romani nei linguaggi cosmici universali della matematica e della geometria.

Le rovine romane sotterranee

Il Barri Gotic (Quartiere Gotico) di Barcellona ricorda un labirinto, con vicoli tortuosi che portano l'ignaro esploratore a imbattersi improvvisamente nel medievale PlaCa del Rei o Piazza dei Re. Molti turisti potrebbero non sospettare che nascosto sotto il cortile del Palazzo Reale del XIV secolo sulla piazza, il Museo d 'Cronologia'ória de la Ciutat (City History Museum) espone le rovine romane sotterranee più estese e magnifiche del mondo. Un tempo orgogliose, ora fatiscenti, gigantesche colonne di arenaria sporgono da passerelle e strade a mosaico rotte, in quella che era una città vivace e fiorente tra il I e ​​il VI secolo d.C.

Tempio di Augusto

Nelle vicinanze si trovano le rovine di un un tempo glorioso tempio romano dedicato ad Augusto, costruito durante il periodo imperiale in quella che era l'antica colonia romana di Barcino (l'odierna Barcellona). Augusto (dal 63 a.C. al 14 d.C.) fu il fondatore del principato romano ed è considerato il primo imperatore romano, ma questo tempio in rovina a suo nome fu scoperto solo alla fine del XIX secolo, quando tre delle sue quattro vaste colonne emersero da un cantiere.

A differenza della maggior parte degli edifici romani a Barcellona, ​​che furono demoliti per diventare le fondamenta di strutture più recenti, le colonne del Tempio di Augusto rimasero intatte e furono incorporate negli edifici medievali che furono costruiti intorno ad esse. Migliaia di turisti visitano queste colonne ogni anno, si scattano un selfie veloce e salgono i gradini della Barcellona moderna. Solo poche persone si prendono il tempo per riflettere sui volumi di dati nascosti e antiche conoscenze incorporate, non solo nelle misure delle colonne reali, ma negli spazi accuratamente delineati "tra" le pietre.

I tre pilastri del Tempio di Augusto a Barcellona, ​​Spagna ( CC di-SA 3.0 )

Misure del Tempio

Nel 2017 ho lasciato Londra e sono sceso nella malavita di Barcellona, ​​trascorrendo sei mesi a misurare pietre e spazi e a portare alla luce i frammentari progetti di ricerca di quegli studiosi che erano venuti prima di me con interessi simili. Scoprii che nel 1830 l'architetto spagnolo Antoni Celles scrisse una descrizione completa del Tempio di Augusto e per di più disegnò un piano dettagliato del tempio con misurazioni accurate delle fondamenta e delle circonferenze delle colonne. Ha registrato: “Si è scoperto che aveva 11 colonne su ogni ala, comprese le colonne angolari, e con 6 sulla parte anteriore e ulteriori 6 sulla postico. L'intero edificio misurava circa 35 x 17,5 metri di dimensione .” (114,8 x 57,4 piedi). Antoni Celles nacque a Lleida e studiò architettura presso l'Accademia di San Fernando de Madrid tra gli anni 1793 e 1802. Nel 1797 aveva ottenuto l'autorizzazione di Madrid per istituire una Classe di Architettura a Barcellona e diede i primi corsi di Architettura della città.

Sebbene Celles abbia registrato le misurazioni fondamentali del tempio, non è arrivato al punto di interpretarle, quindi la metrologia sottostante su cui è stato costruito questo tempio non è mai stata studiata, fino ad ora. E, proprio come previsto, si scoprì che questo tempio custodiva l'antico codice della musica e dell'architettura espresso dagli architetti romani nei linguaggi cosmici universali della matematica e della geometria.

Per rivelare questo codice architettonico-musicale perduto, bisogna semplicemente chiedere "perché" gli architetti dei templi romani hanno scelto esattamente "35 x 17,5" metri (114,8 x 57,4 piedi) che riflettono un doppio quadrato con un rapporto (2:1) e non qualche altra misura o proporzione?


Che cosa c'è sotto La scoperta di un antico complesso a Salonicco accende vecchi dibattiti

Le guide del GREEK TOUR a volte possono essere permalose. Dopo aver studiato per anni per ottenere una licenza, proteggono il loro monopolio sulla condivisione di informazioni sui tesori del loro paese. Ma Yannis Kiourtsoglou, una guida con sede nel nord della Grecia, è generoso con le sue conoscenze in questi giorni. Ogni fine settimana porta centinaia di persone a fare passeggiate gratuite per Salonicco, attirando l'attenzione sui bei monumenti sopravvissuti e su quelli altrettanto belli che sono stati cancellati dai crimini archeologici. Racconta ai suoi seguaci, ad esempio, del tempio agli dei egizi, costruito nel 250 a.C., riscoperto nel 1917 e ora sepolto sotto squallidi edifici moderni.


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Sotto Augusto, le arti della tradizione ellenica furono adattate per proclamare la permanenza
e universalità del potere romano. Artisti e artigiani di Alessandria, Atene e
L'Asia Minore è accorsa alla corte imperiale per creare modelli che celebrassero il meglio di tutti
mondi possibili. Durante gli anni di crisi del regno di Commodo, gli artisti svilupparono la
linguaggio artistico indipendente che ha portato alle notevoli opere della tarda antichità.

L'immagine duratura di Roma rappresenta una delle più grandi conquiste collettive dell'umanità. Riflessa nell'arte imperiale dall'ascesa al trono del primo imperatore romano Ottaviano (31 a.C.), alla deposizione dell'ultimo, Romolo Augusto (476), fu proseguita dalle dinastie bizantine ("emperatori dei romani" fino al 1453). e rivivere a intervalli nel mondo occidentale medievale e moderno. Durante il regno di Augusto (31bc-ad14), l'arte imperiale - sia nell'ambito della celebrazione pubblica sia sotto forma di ritratti del sovrano - l'arte imperiale fu promossa a livello paritetico, sociale ed economico ed esportata fino ai confini più remoti. dell'impero. Questo stato d'animo di fervore ideologico permeò l'arte dell'intera epoca imperiale.

Un impero di simboli

Imperterriti da qualsiasi sfida, i romani costruirono archi, ponti, acquedotti, strade, città murate e fortezze di frontiera. Queste costruzioni erano i simboli consapevoli di un potente impero, le cui tracce durature e immutabili sono ancora da
essere visto oggi dall'Europa fino alla Mesopotamia e al Nord Africa.
Al centro della continua venerazione dell'ideale dell'impero da tante generazioni c'era l'antica preoccupazione religiosa dei romani di garantire la sopravvivenza e la fortuna della loro comunità attraverso la scrupolosa osservanza della volontà divina. Le pratiche superstiziose, minacciate dalla popolarità in Italia della dottrina epicurea, furono modificate nei secoli futuri da Augusto, che le tradusse in fedele adesione alle immagini del nuovo regime. Della mitologia ereditata dalla Grecia orientale, che tanto aveva imbarazzato i razionalisti, pochi elementi conservati sono stati sufficienti per risalire alle essenziali origini storiche di Roma e per riorientare le credenze tradizionali verso le nuove strutture del dominio imperiale. Questi includevano la discesa dei Giuliani dalla dea Venere Genitrica al ruolo di Marte, dalla nascita di Romolo alla vendetta dell'omicidio di Cesare e la protezione di Diana e Apollo nelle battaglie che posero fine alle guerre civili. Compito del Sommo Pontefice incaricato delle funzioni religiose era di preservare sulla base di queste credenze il "reciproco legame" (religione) con gli dei piuttosto che esporre la natura delle divinità. Il passato è stato reinterpretato come precursore della storia di Roma da scrittori come Livio. che iniziò con Enea e proseguì con le imprese dei Romani secondo la volontà della provvidenza. Nel ravvivare le forme di culto necessarie al mantenimento dello Stato, il personaggio di spicco della classe dirigente ha evocato l'aspetto morale dell'antico zelo religioso, adattandolo agli atteggiamenti filosofici popolari. I ritratti di Augusto incarnano gli aspetti eroici e divini delle "azioni" (res gestae) dell'uomo che li ha eseguiti. Attraversando la "città del marmo" dal Palatino al Campidoglio e al Campus Martins, si è circondati da edifici e monumenti che culminano nel Mausoleo di Augusto, dove l'apoteosi dell'Imperatore compì la leggenda delle sue origini: l'ingresso al tumulo era in linea con il Pantheon, luogo in cui Quirino, all'inizio di Roma, ascese al cielo. di Virgilio Eneide proietta il messaggio nel futuro. L'Ara Pads, l'altare allestito per commemorare la regola di Augusto, trasmette la notizia dell'investitura messianica e svela l'eternità di Roma, così come il Carmen Saeculare (una lirica corale) di Orazio e la quarta Egloga di Virgilio. D'ora in poi, nessun monumento pubblico mancherebbe di riflettere nelle azioni degli eroi rappresentati o nella sua decorazione allegorica la fede nell'essenza sacra ed eterna di Roma.

Alcuni motivi dell'immaginario in stile ellenistico di Ottaviano rimangono nella ritrattistica ufficiale creata dopo il 27 aC, quando fu onorato con il titolo di Augusto. Tuttavia, queste influenze greche sono mitigate dalla preferenza romana per i dettagli specifici nella ritrattistica. Ciò è esemplificato nell'imponente statua in marmo di Augusto da Prima Porta, risalente a dopo il 17 aC. che pur basandosi su un modello classico è stato modificato per cogliere le reali fattezze dell'imperatore. In Grecia, tra le tante immagini convenzionali, vi è una straordinaria statua in bronzo, raffigurante Augusto a cavallo con attributi militari e religiosi. Tra questi si possono vedere il fodero della sua spada e il lituus (un bastone utilizzato per la divinazione) degli auguri sul monte del suo anello — Augusto fu nominato Sommo Pontefice nel 12 a.C. Il suo collo è lungo e la frangia di capelli è tipicamente biforcuta sopra la fronte nei primi ritratti. Il corpo è sottile sotto il mantello, la faccia è ossea e il cranio irregolarmente largo. Un'aria di sfida è suggerita dal mento prominente, dalle labbra contratte dalla contrazione nervosa delle guance e dalla tensione negli occhi. Il ricordo della giovinezza contrasta con la dura verità di un uomo in età avanzata. La rappresentazione principale di Augusto e altre sue immagini sono messe da parte dall'artista, che mostra la verità inquietante, ben lontana dall'immagine prediletta a fini propagandistici: i segni di un'adolescenza infelice, il turbamento mentale di un uomo anziano che, dietro la maschera inflessibile del potere, mai raggiunta la piena maturità.

Ottaviano, ribattezzato Augusto nel 27 aC, abitava originariamente nei pressi del Foro ma si trasferì in seguito al Palatino, dove acquistò la casa appartenuta all'oratore Ortensio. Dopo la vittoria su Semis Pompeo (36 aC), acquistò edifici vicini e li fece demolire, donando il terreno allo Stato per il Tempio di Apollo. Al piano terra della sua casa, nel settore occidentale che era destinato ad uso privato. le pitture decorative della cosiddetta Stanza delle Maschere appaiono ancora straordinariamente fresche e luminose. Le pareti rappresentano, mediante sapiente illusione, i contorni di un palcoscenico teatrale. La struttura appare sovrapposta allo sfondo permanente della pietra, movimentato da rientranze e aggetti. La zona centrale riproduce il sipario in tessuto dipinto che ricopre la porta del palcoscenico, con un richiamo all'opera in corso. Sulla parete occidentale è un paesaggio sacro che allude a un gioco satirico. Le linee orizzontali, che in realtà vengono verso il primo piano, convergono in un punto di fuga posto all'altezza dello sguardo di chi entra nella stanza, secondo la teoria della prospettiva geometrica delineata dal filosofo greco Democrito in aktinografia. Regole altrettanto rigorose applicate alla rappresentazione delle ombre. In questa decorazione di "secondo stile" della Casa di Augusto, la prospettiva di quello che molto più tardi fu definito di tipo brunelleschiano era generalmente sostituita da un sistema di punti di vista diversi per le tre sezioni orizzontali (zoccolo, fascia centrale e cornice) della parete. Nella Sala delle Maschere, l'adesione al modello teorico è attribuita a un pittore della corte di Cleopatra, che seguì il vittorioso Ottaviano di Alessandria (28 aC).

Durante il periodo da Silla a Cesare (c.90-40bc). artisti a Roma provenienti dalle città greche dell'Italia meridionale e della Sicilia si erano concentrati sulla rinascita di parti dell'antica cultura greca. Questa tendenza culminò nell'Ara Paris, o Altare della Pace augustea, eretto nel 13 aC per celebrare l'era di prosperità e sicurezza durante il dominio di Augusto. La scultura, che fonde l'influenza ellenistica con il messaggio universale dell'Atene di Perikle, è una registrazione realistica in stile italico della cerimonia di consacrazione ed è stata dedicata il 30 gennaio del 9 aC. Condivide lo stesso trattamento formale del fregio processionale panatenaico di Fidia nel Partenone. Sulla parete nord si svolge una processione, perfettamente ordinata per famiglia e ceto, delle principali figure: sacerdoti, auguri, littori (assistenti). Ottaviano, flamen (sacerdoti). Agrippa, il giovane Caino Cesare, Livia, Tiberio, Antonia Minore e Druso con il figlio Germanico, Domizia e Domizio Enobarbo e Mecenate. Per molti secoli a venire, questa composizione segnò la propaganda dinastica. La disposizione dei rotoli d'acanto affollati di piccoli animali sotto le figure riunisce le tradizioni patrizie e il nuovo ordine del principato. Sulla parete orientale del monumento Enea è rappresentato come il padre fondatore, il cui albero genealogico è tracciato dai viticci. Questi erano i rami nobili di un'ascendenza radicata nel costume. Il ritmo ipnotico delle spirali vegetali cambia per l'arresto improvviso del corteo all'ingresso del recinto, consentendo ai partecipanti di raccogliere le vesti o di voltarsi, mentre una figura ammantata sullo sfondo, simbolo dell'inverno, pone il dito alle sue labbra per imporre il santo silenzio.

Augusto affidò la continuità delle sue idee a forme di indiscutibile bellezza. Poiché Roma appare come la proiezione ingrandita della città-stato greca predominante, il suo archetipo era l'Atene di Pericle. La tradizione figurativa ellenica si riconosceva soprattutto nella decorazione di edifici civili e religiosi a Roma. Una legge fu addirittura proposta (ma non approvata) da Agrippa. Genero di Augusto, per cui tutte le opere d'arte greche originali trasferite in Italia sarebbero state esposte in luoghi pubblici. L'apprezzamento del patrimonio di Roma era garantito dal classicismo.
che ha temperato l'accettazione degli esperimenti ellenici. Con artigiani che lavoravano a modelli specifici, si adeguavano a un'unica volontà, orgogliosi di far parte di un'impresa collettiva, la trasformazione allegorica di Roma, che conferiva ad Augusto il carattere dell'Essere Supremo. Nel ritratto ufficiale del principesse, a cui fu aggiunto il titolo di Augusto nel 27 aC, i tratti del viso furono adattati alle regole della statuaria classica e l'acconciatura resa simile a quella degli eroi di Policleto. Per la corte e i cittadini dei feudi e delle città di provincia che seguivano l'esempio di Roma, furono reclutate botteghe di scultori ateniesi per fornire copie degli originali più famosi di scultori greci come Mirone e Lisippo. Questo è diventato il modo più popolare per arredare una casa o una villa. Alcuni artisti si trasferirono in Italia e fornirono una vasta gamma di calchi, una selezione dei quali si aggiunse alle crescenti collezioni di Roma. I capolavori più famosi del momento sono stati copiati anche se era difficile catturare lo spirito poetico dell'originale: il risultato finale dipendeva dalla capacità dell'artista di infondere alla sua copia un po' della vitalità e dell'energia dell'originale. A Baia una bottega possedeva i calchi di decine di opere famose di Atene, dalle quali risultavano statue ed erme di bronzo, monumenti con fusto quadrato recante un busto. Molte di queste statue sono state ritrovate nella Villa dei Papiri ad Ercolano dove, accanto alle immagini del proprietario, si affiancavano teste di filosofi, busti di guerrieri e le sembianze di eroi, come Achille e Pentesilea, e divinità tra cui Minerva, Apollo, Diana. Hermes, Bacco ed Eracle, Nelle pitture murali, conosciute come "secondo stile" (secondo i quattro "stili" pompeiani), le forme architettoniche creavano un'illusione di spazio, al centro della quale erano riproduzioni di capolavori ellenistici con scene mitologiche.

Pianta delle Terme di Diocleziano, Roma.
La parte centrale delle terme ora si forma
la Chiesa di Santa Maria degli Angeli


Durante il periodo imperiale, la popolarità dei bagni pubblici segnò un'inversione di tendenza della tarda età repubblicana, quando prevaleva la privacy. Il lavatrina, una piccola stanza per le abluzioni private nelle case, fu sostituita da stabilimenti comunali. Il balaneia o bagni pubblici originari della Sicilia e della Grecia, offrivano acqua calda e bagni di vapore, utilizzando un sistema di aria calda fatta passare attraverso tubazioni sotterranee (iperkausterion). Il valore igienico di questo sistema è stato sottolineato nel santuario di Epidauro dove l'originario sistema greco è stato integrato da nuove strutture in epoca romana. Inizialmente, i bagni pubblici costruiti a Roma erano conosciuti come balneari (III secolo a.C.), e poi terme, ancora di derivazione greca (thermos che significa "caldo"). I bagni venivano regolarmente ispezionati per la pulizia e la temperatura: in seguito, questi ispettori furono chiamati curatores thermarum. I romani si ispirarono alla combinazione greca dei bagni (loutra) con palestre e presto ebbe aree speciali per l'esercizio fisico. Le Terme di Agrippa (19 aC) furono costruite su scala monumentale, complete di un parco e di una vasta piscina.
Le Terme Centrali di Pompei (ancora incomplete nel 79 d.C.) si basavano sui precetti di Vitruvio, ingegnere militare e autore di De architettura. Uno degli architetti di Nerone introdusse la pianta assiale e simmetrica (ad62), poi sviluppata da Apollodoro di Damasco nelle Terme di Traiano, dove era prevista una sezione separata per le attività culturali con biblioteche e sale latine e greche (auditorium) per lezioni e conferenze. Questo piano divenne ancora più ampio nei successivi complessi urbani di Caracalla e Diocleziano. Mentre i visitatori seguivano la sequenza rituale di spogliatoio, palestra caldarium (stanza calda), tepidario (stanza calda), e frigidarium (cella frigorifera), ne potevano godere la statuaria e la decorazione, che comprendeva una sorta di soggetti: atleti, ninfe, la danza bacchica, Venere che sorge dall'acqua, e le divinità benefiche. Nelle parole di un epigramma anonimo: "Bagni, vino e amore corrompono i nostri corpi. Ma loro sono la vita."

La diffusione del messaggio imperiale ricordava il regno di Alessandro Magno (356-323 aC). Le conquiste di Roma rivaleggiavano con quelle macedoni in termini di guadagno territoriale e promettevano una stabilità ancora maggiore. Il collegamento era costituito dalla consacrazione dei supporti in bronzo della tenda che Alessandro aveva portato nelle sue campagne nel tempio di Marte Ultore. Tuttavia, è stato chiarito che l'impero romano non condivideva nulla, né era paragonabile a nessuna monarchia greca: questa illusione era stata dissipata da Cesare. Quando il giovane Ottaviano visitò la tomba del fondatore ad Alessandria, si rifiutò di guardare i resti del re Tolomeo, dichiarando che era venuto a vedere un re, non un cadavere. Roma aveva soggiogato il regno di Macedonia e tutti gli altri da esso derivati, per riassumere il destino universale di Alessandro.
La strategia di lunga data di stabilire contatti fu sostituita dall'annessione, una forma integrale di governo in cui l'immagine di Augusto era replicata ovunque, come lo era stata quella di Alessandro, come l'incarnazione vivente dell'impero onnicomprensivo. Gli artisti, con la loro responsabilità di perpetuare volti e atti umani eroici, facevano parte della cultura e altrettanto necessari quanto avvocati, medici e funzionari statali per salvaguardare l'umanità. Un risultato della visione romana fu che la cultura greco-latina fu resa tangibile e duratura sotto forma di monumenti. Architettura, pittura e scultura assunsero nella società un ruolo paragonabile a quello attribuito alla filosofia greca. Aristotele riteneva che la logica fosse il fondamento della ragione e centrale in ogni discorso, anche se la conversazione si trasformava dal fatto alla persuasione: nei trattati romani era l'esito pratico dell'eloquenza che diventava l'espressione più alta dell'attività intellettuale. La produzione artistica era un "discorso dimostrativo", affidato a specialisti il ​​cui compito era immortalare funzioni e cerimonie collettive o servizi individuali.

La fine della lotta di classe e la guerra civile hanno contribuito a portare un nuovo senso di coesione nella società. Dall'epoca dei primi re fino alla metà dell'età repubblicana, i conflitti tra patrizi e plebei avevano accentuato il contrasto tra l'arte autoctona e le opere destinate ad un'aristocrazia cautamente ricettiva dei modelli ellenici. Ora era difficile isolare l'arte "plebea" nel senso storico di quella classe sociale. Al tempo di Augusto. Roma aveva già stabilito un equilibrio tra le due fazioni, risultando in una struttura di governo più uniforme. Augusto scelse di rilanciare il titolo di "tribuno del popolo", che avrebbe reso inviolabile la propria persona e il suo diritto di legiferare. Il ripristino della pace interna dopo la sconfitta finale di Marco Antonio aveva rimosso la più grave minaccia all'unità romana. La pianificazione ufficiale gradualmente cedette al clientelismo privato, il tenore di vita della classe media migliorò e il potere d'acquisto si sviluppò. L'atmosfera generale era di festa armoniosa. I romani avevano sempre trovato rassicurazione nello scopo e nel contenuto dei loro monumenti, che tendevano a variare nella forma a seconda del livello di sofisticatezza culturale del pubblico. Il nuovo fattore, rispetto alla struttura sociale tradizionale dell'epoca repubblicana, era che Roma ora governava su una popolazione cosmopolita come Alessandro aveva solo sognato nei suoi ultimi anni, quando incoraggiò gli uomini macedoni a sposare donne persiane. Fin dall'età ellenica. I greci erano rimasti stupiti dall'usanza del quiriti (cittadini romani) di concedere la cittadinanza agli schiavi liberati e di consentire ai figli di tali schiavi l'accesso alla magistratura. Anche il padre di famiglia poteva liberare il suo servo straniero per renderlo suo pari. Ogni romano poteva così creare nuovi cittadini, investendoli di prestigio e potere, e contribuendo a formulare una cultura di massa più complessa e comprensiva di quella di Alessandria. Alle moltitudini, con le loro fondamentali esigenze rappresentative - ex voto, ritratti, monumenti funerari - veniva assegnato quell'elemento della cultura greca che già aveva permeato la cultura italica e l'arte plebea: il realismo socialista. Questo non è stato tanto promosso dalla gente quanto offerto loro come "pane e circhi". La combinazione di semplicità e influenza greca può essere vista nella decorazione figurativa dei monumenti commemorativi, una forma di arte pubblica attuata dallo stato. In origine c'era stata la pittura trionfale dell'età repubblicana, su grandi tele, che illustrava le azioni degli eroi vittoriosi. Questi avevano molto più probabilità di influenzare la mente collettiva di qualsiasi dipinto da cavalletto, piuttosto alla maniera dei cartelloni pubblicitari moderni. Nel rilievo celebrativo dell'età imperiale. la politica statale assecondava ancora la parzialità popolare per la narrazione, combinando una narrativa chiara con spettacolari artifici ellenistici riscoperti. Nel corso del tempo, il modo romano di rappresentare la storia divenne così radicato nell'immaginario sociale che fino all'età del cristianesimo medievale, venne visto come l'unico modo di presentazione, ed era quasi una seconda natura, parte dell'esperienza visiva dell'Occidente civiltà. Per quanto i cittadini romani di ogni estrazione potessero differire privatamente nella scelta di altre forme d'arte, erano uniti nella loro reazione positiva all'onnipresente propaganda dell'Impero.

Figlia di Marco Antonio e Ottavia (sorella di Augusto). Antonia Minore sposò Druso Minore (secondo figlio di I.ivia), da cui partorì Claudio. Come imperatore, Claudio le dedicò monete con l'iscrizione "Antonia Augusta" dopo la sua morte nel 37 d.C., la cui immagine corrisponde a quella del grande busto noto come il Ludovisi Giunone. La fascia di lana, ornata di perle e perline che circonda il diadema di Giunone è adeguata al suo ruolo di sacerdotessa del Divino Augusto. Le regine elleniche erano spesso esaltate in questo modo ambiguo, sia come sacerdotesse che come divinità. Un perfetto esempio è fornito da questa scultura cortese in stile neo-attico. Rispetto ai modelli dell'età classica, l'effetto di chiaroscuro nella pettinatura diventa qui più accentuato e graziosi boccoli compaiono dietro le orecchie e scendono lungo il collo, alludendo allo stile introdotto da Agrippina il Vecchio. La testa, leggermente inclinata a sinistra, è stata inserita nella
drappeggio di una statua colossale del culto imperiale. Come dichiarò Seneca nel suo Apocolocynthosis ("La zucca di Claudio"), un commento irriverente sulla deificazione del defunto imperatore, il passo dal sublime al ridicolo è piccolo.

Caratteristico del mondo romano, clientes (o liberti) erano letteralmente i seguaci plebei dei patrizi, che davano servizio e lealtà in cambio di protezione. La carriera di un politico emergente dipendeva dal numero di clientes lui aveva. quindi il loro mantenimento era considerato un investimento economico insieme alla proprietà. Gli schiavi liberati divennero cittadini e rimasero loro seguaci patrono (manoscritto). Anche da morti, continuarono ad accrescere il prestigio dei patrizi, con i loro monumenti funerari allineati lungo le strade fuori città, che portavano iscrizioni che proclamavano i legami fatti con la manomissione. In epoca augustea il marmo di Luni sostituì il travertino per questi ritratti scolpiti. Il taglio della figura alla base del petto era un retaggio della tradizione etrusca. I busti erano scolpiti in cornici profonde, come se fossero rivolti verso l'esterno dall'interno di una finestra, dalla tomba verso la vita. I membri della famiglia sono stati messi vicini o mostrati in un abbraccio. I costumi che governavano l'immagine pubblica erano ancora una volta controllati da regole che erano state offuscate alla tempestosa conclusione della repubblica. Augusto ordinò di indossare una toga insolitamente grande come segno di a civis romanus e questo stile trovò viva accettazione tra i liberti, che potevano così affermare i privilegi che avevano conquistato.

I bambini nati da un liberto dopo la sua manomissione erano liberi da tutte le restrizioni speciali e il figlio di un liberto ottenne il diritto di arruolarsi nell'esercito. Accanto a rappresentazioni di uomini e donne in toga avvolti nei mantelli c'erano i cittadini in armi, nella posa eroicamente nuda di derivazione greca. Il numero degli individui rappresentati, compresi quelli ancora in vita, e le dimensioni del monumento, costituivano una metafora di orgoglio e di speranza per la famiglia che cresceva. Le cifre variano molto: ognuna ha una storia da raccontare: è un ricordo del passato e un modello per il futuro. Ad esempio, i gesti degli sposi del gruppo Gratidii raccontano una storia d'amore. La rappresentazione statica frontale dei singoli volti deriva dalla tradizione italica, ma la composizione complessiva presenta elementi sia della nobiltà classica che del sentimento greco.

Dal regno di Augusto, l'uso della toga divenne sempre più popolare. Il balteus, la spazzata sul petto, si allentava con una piega (umbone) un'altra piega di materiale (seno) appeso all'altezza del ginocchio. Nella statua marmorea di Tito (79-81 dC), proveniente dal Palazzo Lateranense, la linea del panneggio va dal piede destro alla spalla sinistra, sopra la quale l'estremità (lacinia) cascate. Le ombre sono così fitte e le pieghe così fini da sembrare un'opera in bronzo. L'artista ha unito i lineamenti grossolani dell'imperatore con un'eleganza ottenuta attraverso il delicato intaglio che nelle pieghe sapientemente rese rivela la posa del corpo sottostante. La grande testa è modellata con tocchi incredibilmente leggeri. Gli occhi piccoli, un po' inquietanti, sono circondati da minuscole rughe e incorniciati da un viso quadrato. Il sorriso sulla bocca prominente suggerisce insieme sensualità e amabile ottimismo. Vicino al piede sinistro c'è un nido di vespe questo è un riferimento alla nonna di Tito Vespasia Polla, che ha derivato il suo nome dall'insetto, vespa (vespa), e dal cognome del padre Vespasiano. Il ceppo. al cui interno c'è un nido d'ape (favo, un'altra allusione fonetica al cognome Flavio), serve, quindi, non solo come sostegno fisico: è il suo albero genealogico.

Nota: l'amministratore del sito non risponde ad alcuna domanda. Questa è solo la discussione dei nostri lettori.


Decodificare l'enigma di Barcellona di un antico tempio musicale romano - Storia

Il taozhong, il primo tipo di campana, è apparso nella società cinese primitiva. Era uno strumento da suonare per i lavoratori dopo il lavoro. L'introduzione del metallo ha portato al tongnao (uno strumento a percussione di bronzo simile a una campana rovesciata, suonato da un martello), il tongling (una piccola campana di bronzo) e il tongzhong (una campana di bronzo). Poi si sono evoluti nel bianling (un carillon di piccole campane), biannao (un carillon di strumenti a percussione che ricordano campane capovolte) e bianzhong (un carillon di campane).

Molti rintocchi di campane apparvero nei giorni precedenti all'unificazione della Cina della dinastia Qin (221 a.C.-206 a.C.). La maggior parte di esse aveva la forma unica di coppie di piastrelle combinate. Hanno prodotto note rapide e brevi. Ogni campana poteva produrre due note diverse quando veniva colpita la parte anteriore e quella laterale della sua parte inferiore. Quindi tali campane erano anche conosciute come campane a doppia nota. Poiché venivano utilizzate principalmente per spettacoli, erano anche chiamate campane musicali.

Con lo sviluppo della società e il trascorrere del tempo, le campane musicali divennero gradualmente vasi sacrificali feudali e importanti simboli di potere, rango e posizione delle classi dirigenti. Secondo The Junior Dancing Master, il Ministero dei Riti, il Rituale di Zhou, "L'imperatore potrebbe avere campane sui quattro lati del suo palazzo, un duca o un principe potrebbe avere campane su tre lati della sua residenza, un ministro potrebbe avere campane su due lati della sua residenza e un funzionario potrebbe avere campane su un lato della sua residenza." Questa era una chiara prova della rigida gerarchia del potere a quei tempi.

Due to the differences in the uses, shapes and regional features and the evolution of times, the ancient Chinese percussion instruments before the Qin Dynasty were divided into the nao (an ancient percussion instrument resembling an inverted bell, sounded by a hammer), duo (a kind of bell used in ancient China when proclamations were issued or in times of war), zheng (a bell-shaped percussion instrument used in ancient times by troops on march), goudiao (a long and narrow bell), yongzhong (a bell with a cylindrical handle on top), niuzhong (a bell with a semi-circular knob on top), yangjiaozhong (a bell shaped like a ram's horns) and tongzhong (a tube-shaped bell).

With the introduction of Buddhism into China after the Qin Dynasty, ancient bells gradually became important musical instruments for Buddhism. As the saying goes, "There are bells at every temple. Without bells, there would be no temples." Round bells took the place of those shaped like combined pairs of tiles. The strokes of bells became sweet and sonorous, spreading to distant places.

With their imposing shapes and deep and prolonged sound, round bells were widely used in Buddhism and Taoism. They also entered the imperial court and became a symbol of imperial power. During the Ming and Qing dynasties, ancient Chinese bells were divided into musical bells, Buddhist bells, Taoist bells, imperial court bells and bells for sounding the night watches. Their functions and uses were broadened. According to a historical record, "Bells are the leading musical instruments made of metal. The peals of big ones can be heard five kilometers away and the strokes of small ones can reach places half a kilometer off. When a monarch held court or an official leaves his office, a hell is struck to call together their subordinates. A bell is struck at a feast to accompany the singing of songs. A bell is struck at a Buddhist or Taoist temple to draw the devotion of worshippers and the awe of ghosts and gods." In those days, bells served as musical instruments, sacrificial vessels and musical instruments used in Buddhist or Taoist masses, keeping up all the uses of bells during the pre–Qin period and the Sui, Tang, Song and Yuan dynasties.


Masonic Number Three—The Triptych

Much like the “Cathedral Code”, this three door entrance has never been investigated or explained. Let’s call it a “Triptych”—this Triptych is directly connected with the twin towers above it.


The Twin Towers are symbolized on the ground by the
Triptych’s twin outer doors, which signify “opposites.”

The twin towers terminate (or rise up) from the Triptych’s outer doors. The doors are, like the towers, a pair of opposites, and are encoded in both ancient and modern architecture, as evidenced by the very modern building below:

A massive Triptych graces the facade of Rockefeller Center. Above the door on the right is
a male, above the door on the left is a female, and a ‘god’ sits above the center door.

The male and female figures atop the doors of opposites are, of course, pairs of opposites themselves:

The Triptych design that graces the entrance of Rockefeller Center matches the
Masonic symbolism of Sun (right), Moon (left), and the Spiritual Eye (center).

But what symbolism lies behind that third door? We know already, from the evidence above, the meaning behind the dual outer doors: what is the esoteric meaning beside the door they juxtapose?

The answer is, in fact, a major part of Freemasonry’s lost secret: the secret is symbolized by the sacred Masonic number three, and the answer is that the third door represents you. That god in the center of that Triptych above represents man’s soul, the eternal Self that is not physical, the Self that every human body, or “pair of opposites”, contains within it.

The metaphor here being, of course, that the two opposing halves contain a higher element: a third element inside, the soul.

You don’t HAVE a soul. You ARE a soul. You HAVE a body.”

—C. W. Lewis

The body, the physical, two-sided part, is material and temporary, composed of the same pairs of opposites as the material world in which it lives. The soul, however, is not thus subjected: it lives free of the laws of the physical universe, a teaching echoed in the biblical tale of the Garden of Eden where Man falls to the lower world after eating from the Tree of Knowledge of Good and Evil (good and evil being opposites).

“…the fall [of your soul] from perfection into duality…was naturally followed by the discovery of the duality of good and evil…This is the Biblical version of a myth known to many lands …”

—Joseph Campbell

The Self or soul, then, has fallen from its higher spiritual home in the heavens and has landed in the material world of opposites:

“According to this mystic doctrine…all souls have pre-existence and have descended from the spiritual world into the earthly prison of the body…”

—John Yarker, Arcane Schools

What this teaching implies is that humans are in fact divine already: they existed before the birth of the body and will survive after it. Having fallen, however, the soul is now imprisoned inside a material body that mimics the duality of the universe in which it lives.

“Man is a god in the body of an animal according to the pronouncement of ancient philosophy…”

—Alvin Boyd Kuhn

The word “imprisoned” is accurate because your body is not your true home but an imperfect and transitory vehicle. The body imprisons the soul because it requires care and constant maintenance. To survive, it must continually:

  • Respirare
  • Mangiare
  • Bevanda
  • Maintain A Constant Temperature
  • Fight Disease

A body can endure for decades, but death will eventually come to it. For the ancients, the fall into this fragile human body is a tragedy:

“…the Platonists in general believed in a pre-existent state, in which all souls had sinned, and thus lost their wings, whereby they were once capable of ascending, and so they sunk into these bodies partly as a punishment for former follies.”

—Olinthus Gregory, The Fall of Man and the Depravity of Nature

The end result of this particular consequence is, unfortunately, the loss of the true Self and the true origin entirely: the soul has descended so deeply into the material world that it has lost sight of the eternal “god within”.

“A man is a god in ruins.”

—Ralph Waldo Emerson

The soul is thus imprisoned in these conditions over which it has no control, but it is not completely powerless. The soul is eternal, a trait that imbues it with its own inherent powers: powers that can be exercised in the material world. Though the soul is in a fallen state, the powers it has were never lost, merely covered up and unrecognizable.

Masonry exists not only to reveal to Man the presence of his inner soul, but to help him rediscover its higher powers—powers that have been covered up by the body.

We can see this entire concept carved on an ancient statue that still sits in ruins in the Elephantine Caves of Bombay, India. Note how the statue forms a three-in-one design, with a male on the right (sun, Jachin pillar) and female on the left (moon, Boaz pillar) flanking a “god” in the center (the eternal, spiritual you).

Above: The Mask of Eternity, as described by Joseph Campbell. Elephanta Caves, India.

Press play on the one minute video below and watch how the illuminated 20th century professor of mythology, the brilliant Joseph Campbell, analyzed this ancient Triptych-like statue:

As Joseph Campbell tells us in this video, we are all-powerful beings. To spark these powers…to turn these powers “on”…you need to employ the actual formula of the number Three. That is, you need to “reconcile” or “balance” your twin bodily opposites. This forms the basis of the lost secret of Freemasonry:

“…only by the reconciliation of opposing forces is the Pathway made to true occult knowledge and practical power…”

—Israel Regardie, The Eye in the Triangle

In other words, you need to “join” your male “right-half” and your female “left-half,” the twin sun and moon pillars:

“…Join the male and the female and you will find what you are seeking…”

—Aphorisms of Zosimus

Once the twin opposing forces have been balanced or reconciled, then the true “soul within” is revealed. This three-in-one practice of uniting the opposites through the middle path is an ancient exercise, virtually unknown in the West and now the exclusive province of the Eastern religions:

“Unfortunately our Western mind, lacking all culture in this respect, has never yet devised a concept, nor even a name, for the union of opposites through the middle path, that most fundamental item of inward experience…

…It is at once the most individual fact and the most universal, the most legitimate fulfillment of the meaning of the individual’s life.”

—Carl Jung

This “union of opposites through the middle path”, described by Jung, is the secret of the Triptych entrance on Gothic cathedrals. It forms the lost wisdom of the Masons as well as being the deeper meaning behind the famous Masonic number “Three”.

The Triptych very elegantly conveys the ancient occult wisdom of the practice outlined above, and its arcane Pagan wisdom, as mentioned, runs counter to the mainstream Christian belief that every human being’s soul and body are created at the very moment of our birth on earth.

The Masons did not just encode this secret into the High Gothic cathedrals they also adorned castles, lodges, temples, and multitudes of other buildings with the Triptych entrance, embedding their secret for future generations.

Above: Masonic temples with Triptych entrances spazio


The Temple of Bacchus is one of the best preserved Roman temples in the world

Located in modern-day Lebanon (north of Beirut) in the Beqaa Valley, the ancient city of Baalbek, also called Heliopolis or City of the Sun, notes its heyday during the Roman period. Its colossal constructions make it one of the most famous sanctuaries of the Roman world and a model of an Imperial Roman architecture.

When this area of the Middle East was part of the Roman Empire, Baalbek was known as Heliopolis Photo Credit

The Temple of Bacchus (left) and the medieval fortifications of Baalbek in front of the city in 1959. Baalbek was Hellenized after the conquests of Alexander the Great in the 4th century BC. The Greeks named it Baalbek “Heliopolis” Photo Credit

From the 1st century BC and over a period of two centuries, the Romans built three giant temples here: Jupiter, Bacchus, and Venus. Next, to the Jupiter complex, which was created to be the largest temple in the Roman Empire, there is a separate building known as the Temple of Bacchus. The temple is slightly smaller than the Temple of Jupiter, but it became one of the most celebrated sanctuaries of the ancient world.

Although it is sometimes called “The Small Temple,” it is larger (and better preserved) than the Parthenon in Athens Photo Credit

Temple of Bacchus entrance Photo Credit

Propylaea at the entrance of the site Photo Credit

The temple was commissioned by the Roman Emperor Antoninus Pius and designed by an unknown architect around 150 A.D. after the cult of Bacchus had become popular in the empire. Antoninus Pius had intended to make the people of the Baalbek region have great respect for the Roman rule, so he built two towers on the eastern edge of the Temples’ entrance way to create a more familiar building that the locals could relate to and recognize.

The massive structure was dedicated to the Roman god of the wine, Bacchus (also known as Dionysus) but traditionally referred to by Neoclassical visitors as the “Temple of the Sun.” It is the best-preserved structure at Baalbek and the most beautifully decorated temple in the Roman world.

The period of construction is considered between 150 AD to 250 AD Photo Credit

A temple most probably dedicated to the Roman Wine God Bacchus Photo Credit

The best preserved Roman temple of its size Photo Credit

Temple of Bacchus pilasters Photo Credit

The reason why it is so well preserved is that has been a part of the Baalbek’s Medieval Fortifications. A series of earthquakes over the centuries had further damaged the site, and it wasn’t preserved or excavated until 1898 when a German expedition began to reconstruct the ruins. Extensive clearings and repairs were accomplished under the French mandate and, later, by the Lebanese government. Some figurative reliefs depicting Greek gods have survived, though in a pretty deteriorated condition.

The main entrance is decorated with grapes and vines, and some of the carvings on the ceiling include different versions of the image of Bacchus. Other sculptures include rituals, practices, people, and creatures, and its ornamentation served as an important model for Neoclassical architecture.

Over the centuries, Baalbeck’s monuments suffered from theft, war, and earthquakes, as well as from numerous medieval additions Photo Credit

Temple of Bacchus columns Photo Credit

In 1984, several ruins of Baalbek, including the Temple of Bacchus, were inscribed as a World Heritage Site.

The temple allures people with its impressive dimensions, richly decorated stonework and monumental gate with Bacchic figures.


Riprendi

Introducción

El culto a los dioses y su recreación artística en Grecia y Roma se remontan al Antiguo Egipto, según podemos comprobar al estudiar las monedas antiguas. Grandes efemérides como el asesinato de César o leyendas como la llegada de Asclepio transformado en serpiente para liberar a Roma de una plaga, alternan en la numismática grecorromana con invocaciones a deidades mayores como Apolo el médico (en épocas de grandes epidemias) o el egipcio Amón.

Desarrollo

Caracterizado con las astas de un carnero, Amón fue asimilado como epíteto de Zeus en Grecia y de Júpiter en Roma, tal como reflejan los antiguos tetradracmas de Alejandro Magno y las medallas consulares de Claudio. Resulta emocionante sostener un denario de Marco Aurelio con La Salud personificada y pensar que acaso fue entregado a Galeno como pago por sus servicios. No obstante, apenas existen tributos numismáticos a personas alejadas del poder como el gran médico de Pérgamo. Los anatomistas ilustrados franceses (Garengeot en 1742 y Flurant en 1752), heredando la costumbre de la escuela renacentista de Padua de recuperar mitos y dioses de la Antigüedad Clásica, denominaron a la retorcida corteza temporal medial asta de Amón. Entre los estudiosos de esta primitiva estructura cerebral destacan Lorente de Nó y su maestro Cajal, cuya divinizada efigie domina en los billetes de 50 pesetas emitidos en 1935.

Conclusiones

La numismática grecorromana, en tanto que asequible fuente arqueológica y artística de primer orden, nos informa acerca del origen de los mitos de la Antigüedad, los cuales continúan inspirando a las artes y las ciencias.


Dan Brown

Dan Brown is the author of numerous #1 bestselling novels, including The Da Vinci Code, which has become one of the best selling novels of all time as well as the subject of intellectual debate among readers and scholars. Brown’s novels are published in 56 languages around the world with over 200 million copies in print.

In 2005, Brown was named one of the 100 Most Influential People in the World by TIME Magazine, whose editors credited him with “keeping the publishing industry afloat renewed interest in Leonardo da Vinci and early Christian history spiking tourism to Paris and Rome a growing membership in secret societies the ire of Cardinals in Rome eight books denying the claims of the novel and seven guides to read along with it a flood of historical thrillers and a major motion picture franchise.”

The son of a mathematics teacher and a church organist, Brown was raised on a prep school campus where he developed a fascination with the paradoxical interplay between science and religion. These themes eventually formed the backdrop for his books. He is a graduate of Amherst College and Phillips Exeter Academy, where he later returned to teach English before focusing his attention full time to writing. He lives in New England with his yellow lab, Winston.

Brown’s latest novel, Origin, explores two of the fundamental questions of humankind: Where do we come from? Where are we going?


Guarda il video: Voyager lenigma del dischi di pietra (Giugno 2022).