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Ricostruzione Artistica di Messalina

Ricostruzione Artistica di Messalina


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Una Rinascita Artistica

I primi decenni del XX secolo hanno visto un'esplosione di espressione artistica nella comunità afroamericana. Il trasferimento nelle città, così come la maggiore fiducia che è derivata dall'abbandono della società di Jim Crow, ha contribuito a un'impareggiabile ondata di iniziative creative, poiché artisti, scrittori, compositori e musicisti hanno esplorato la natura della moderna identità afroamericana attraverso il loro lavoro . Una serie vertiginosa di nuovi mass media - film e dischi, poi radio e televisione - ha esportato quest'arte rivoluzionaria nel resto del paese e nel mondo e ha aiutato gli artisti afroamericani ad assumere un ruolo nuovo e dominante nella vita culturale della nazione.


Rivelato per la prima volta il volto dell'antica regina

Secoli dopo che una nobildonna visse e morì in Perù, gli scienziati hanno ricostruito il suo viso in uno straordinario 3-D.

Circa 1.200 anni fa, una ricca nobildonna, di almeno 60 anni, fu sepolta in Perù, riccamente rifornita per l'eternità di gioielli, fiasche e strumenti per tessere d'oro.

Ora, più di cinque anni dopo che la sua tomba è stata trovata intatta al di fuori della città costiera di Huarmey, gli scienziati hanno ricostruito il suo aspetto.

"Quando ho visto per la prima volta la ricostruzione, ho visto alcuni dei miei amici indigeni di Huarmey in questa faccia", dice il beneficiario del National Geographic Miłosz Giersz, l'archeologo che ha co-scoperto la tomba della nobildonna. "I suoi geni sono ancora al loro posto".

Nel 2012, Giersz e l'archeologo peruviano Roberto Pimentel Nita hanno scoperto la tomba El Castillo de Huarmey. Il sito collinare era un tempo un grande complesso di templi per la cultura Wari, che dominò la regione secoli prima del più famoso Inca. La tomba, che i saccheggiatori hanno mancato miracolosamente, contiene i resti di 58 nobildonne, tra cui quattro regine o principesse.

Esclusivo: rivelato per la prima volta il volto dell'antica regina

"Questa è una delle scoperte più importanti degli ultimi anni", ha affermato Cecilia Pardo Grau, curatrice dell'arte precolombiana presso il Museo d'Arte di Lima, in una precedente intervista. (Leggi di più sulla fantastica scoperta in National Geographic rivista.)

Una di queste donne, soprannominata la regina Huarmey, fu sepolta in particolare splendore. Il suo corpo è stato trovato nella sua camera privata ed era circondato da gioielli e altri lussi, tra cui orecchini d'oro, un'ascia cerimoniale di rame e un calice d'argento.

Chi era questa donna? La squadra di Giresz ha esaminato attentamente lo scheletro e ha scoperto che, come molte delle nobildonne del sito, la regina Huarmey trascorreva la maggior parte del tempo seduta, sebbene utilizzasse ampiamente la parte superiore del corpo, i biglietti da visita scheletrici di una vita spesa a tessere.

La sua esperienza probabilmente spiega il suo status di élite. Tra i Wari e le altre culture andine dell'epoca, i tessuti erano considerati più preziosi dell'oro o dell'argento, a testimonianza dell'immenso tempo impiegato per realizzarli. Giersz afferma che i tessuti antichi trovati altrove in Perù potrebbero aver impiegato da due a tre generazioni per tessere.

La regina Huarmey, in particolare, doveva essere venerata per la sua tessitura, fu sepolta con strumenti di tessitura realizzati in oro prezioso. Inoltre, le mancavano alcuni denti, in linea con il decadimento che deriva dal bere regolarmente chicha, una bevanda alcolica zuccherata a base di mais che solo l'élite Wari poteva bere.

Gli ornamenti per le orecchie sono tra i tesori della tomba imperiale di El Castillo de Huarmey, dove sono stati scoperti i resti della nobildonna.

La squadra di Giersz ha anche trovato un canale che porta dalla tomba della regina Huarmey alle camere esterne che porta residui di chicha. Il canale avrebbe permesso alle persone di condividere cerimonialmente i liquidi con la nobildonna, anche dopo che la sua tomba era stata sigillata. “Anche dopo la sua morte, la popolazione locale beveva ancora con lei”, dice Giersz.

Ma che aspetto aveva questa potente nobildonna? Nella primavera del 2017, Giersz si è consultato con l'archeologo Oscar Nilsson, famoso per le sue ricostruzioni facciali, per riportare in vita la regina Huarmey.

Nilsson non è il primo a provare a ricostruire i volti dell'élite precolombiana del Sud America. Recentemente, gli archeologi hanno resuscitato la Señora di Cao, una giovane aristocratica che visse 1.600 anni fa nell'antica cultura Moche del Perù. (Guarda come gli strumenti CSI hanno riportato in vita la Señora di Cao.)

A differenza di quella ricostruzione, che è stata fatta quasi interamente con i computer, Nilsson ha adottato un approccio più manuale per la regina Huarmey. Utilizzando un modello stampato in 3D del teschio della nobildonna come base, Nilsson ha ricostruito a mano le sue caratteristiche facciali.

Per guidarlo, Nilsson ha fatto affidamento sulla costruzione del cranio, nonché su set di dati che gli hanno permesso di stimare lo spessore del muscolo e della carne sopra l'osso. Come riferimento, ha anche usato fotografie di indigeni andini che vivono vicino a El Castillo de Huarmey. (I dati chimici confermano che la regina Huarmey è cresciuta bevendo l'acqua locale, giustificando il confronto.)

In tutto, Nilsson ha impiegato 220 ore per ricostruire il volto premuroso della nobildonna, senza dettagli troppo piccoli da ignorare. Per ricostruire il suo taglio di capelli, che il clima arido aveva preservato, Nilsson ha usato i capelli veri di donne andine anziane, che Gilesz aveva comprato in un mercato peruviano di parrucche.

"Se consideri il primo passo più scientifico, gradualmente entro in un processo più artistico, in cui ho bisogno di aggiungere qualcosa di un'espressione umana o una scintilla di vita", afferma Nilsson. "Altrimenti, assomiglierebbe molto a un manichino."

Alcuni avranno la possibilità di vedere di persona il capolavoro di Nilsson. La ricostruzione finita sarà esposta al pubblico a partire dal 14 dicembre, in una nuova mostra di manufatti peruviani che verrà inaugurata al Museo Etnografico Nazionale di Varsavia, in Polonia.

"Ci ho lavorato per 20 anni e ci sono molti progetti affascinanti, ma questo era davvero qualcos'altro", afferma Nilsson. “Non potevo proprio dire di no a questo progetto.”


Così male che sono brillanti? Guarda i 17 errori di restauro artistico più bizzarri e completamente stravaganti di tutti i tempi

"Bestia Gesù" non è l'unico lavoro di restauro ben intenzionato andato orribilmente, orribilmente male.

La statua di Santa Barbara nella Cappella di Santa Cruz da Barra in Brasile, prima e dopo il restauro. Foto di Milton Teixeira.

Il restauro è un'arte a sé stante, che aiuta a preservare i più grandi capolavori della storia dell'arte per i posteri. Ma per ogni lavoro ben fatto, ce ne sono altri che incontrano un occhio critico: gli esperti erano notoriamente divisi sui colori brillanti rivelati nella Cappella Sistina di Michelangelo a Roma dal lavoro svolto tra il 1980 e il 1994, per esempio. E altri ancora finiscono in un vero disastro.

Ecco alcuni dei più famosi fallimenti di restauro del mondo.

1. Leonardo da Vinci’s La Vergine col Bambino e Sant'Anna (1503) Il Louvre, Parigi

Leonardo Da Vinci, La Vergine col Bambino e Sant'Anna (1503), prima e dopo il restauro. Foto per gentile concessione del Louvre, Parigi.

Quando il Louvre restaurò Leonardo da Vinci’s La Vergine col Bambino e Sant'Anna (1503), rimuovendo secoli di sporco e scolorimento, il cambiamento al dipinto fu drammatico, tanto che due esperti di conservazione del pannello che consigliavano il restauro si rassegnarono per protesta sui metodi utilizzati per pulirlo.

Le preoccupazioni che quegli errori potessero essere ripetuti sono sorte nel 2016 mentre il Louvre si preparava a iniziare i lavori sul capolavoro dell'artista rinascimentale del 1513 San Giovanni Battista, che non era stata pulita dal 1802. Ma dopo nove mesi di lavoro, dettagli nei capelli e negli abiti del santo, persi sotto 15 strati di vernice, sono riemersi, ripristinando la delicata opera dell'artista.

2. Piramide di Djoser (ca. 2667–2648 a.C.) Menfi, Egitto

La piramide di Djoser in Egitto. Foto: Charlesjsharp, via Wikimedia Commons.

Nel 2014, il governo egiziano è stato preso di mira per il restauro della piramide più antica del paese, costruita per il faraone Djoser dell'Antico Regno. Sebbene i funzionari del governo abbiano negato che ci fosse alcun problema, i critici hanno affermato che l'opera ha danneggiato la facciata dell'antico sito, spingendo il Centro del patrimonio mondiale dell'UNESCO ad avviare un'indagine sull'opera.

Alla fine, tuttavia, sembra che tutto abbia funzionato, poiché la BBC ha pubblicato un articolo lo scorso aprile in cui si attribuiva alla società di ingegneria britannica Cintec il merito di aver salvato dalla rovina l'edificio a gradoni in pietra.

3. Santa Bárbara (circa 19° secolo) Cappella di Santa Cruz da Barra, Fortaleza de Santa Cruz, Brasile

La statua di Santa Barbara nella cappella brasiliana di Santa Cruz da Barra prima e dopo il restauro. Foto di Milton Teixeira.

Lo storico Milton Teixeira è rimasto scioccato nello scoprire che un restauratore troppo zelante aveva decorato la statua di Santa Barbara nella cappella di Santa Cruz da Barra in Brasile nel 2012. Il drammatico restyling aveva dato alla statua di legno piatta, pelle bianca, eyeliner esagerato , e una veste dai colori sgargianti.

Secondo Bol Notícias, il lavoro è stato svolto per un periodo di sei mesi dai conservatori del Museu Histórico do Exército di Rio e presumibilmente rimosso fino a quattro strati di vernice per ripristinare l'aspetto originale della statua. Ma Teixeira, un assiduo frequentatore della chiesa da 20 anni, era comunque inorridito. “Hanno trasformato Santa Barbara in Barbie!” ha detto all'agenzia di stampa locale Veja.

4. Statua di Sant'Antonio da Padova (XIX secolo) Soledad, Colombia

Un lavoro di restauro ha lasciato una statua di Sant'Antonio da Padova come se facesse visita a un salone di bellezza. Foto per gentile concessione di Juan Duque.

Forse anche peggio di una Maria sexy è questo Sant'Antonio da Padova glamour, svelato l'anno scorso in una chiesa colombiana. La parrocchia aveva inviato la statua per le riparazioni a causa dei danni delle termiti. Quando l'opera è stata restituita, la chiesa è rimasta inorridita nello scoprire che alla scultura di 150 anni era stato dato un restyling esagerato, con sia il santo che il bambino Gesù tra le braccia che sembravano sfoggiare ombretti eccessivi, arrossire, e rossetto.

L'opera d'arte restaurata è stata presa in giro per il suo aspetto effeminato, con Giovanni Montero, ex segretario alla cultura, che ha raccontato all'agenzia di stampa locale Semana che “la persona che ha lavorato alla statua, che non qualifico come restauratrice, ha praticamente deformato le caratteristiche originarie del santo”.

5. San Giorgio (ca. XVI secolo) Chiesa di San Miguel de Estella, Navarra, Spagna

Prima e dopo un maldestro restauro della statua di San Giorgio in Navarra, la chiesa spagnola di San Miguel de Estella. Foto via Twitter.

Quando la Chiesa di San Miguel de Estella in Navarra, in Spagna, ha deciso di restaurare la sua statua di 500 anni del leggendario San Giorgio, non contava di diventare lo zimbello di Internet. Ma questo è esattamente ciò che era in serbo per il lavoro in stile Disney svolto da un insegnante locale. La chiesa e la società responsabile sono state entrambe multate di € 6.000 ($ 6.840).

Fortunatamente, dopo tre mesi di lavoro, con un costo per la chiesa di 37.000 dollari, l'opera è stata ripristinata con successo al suo aspetto originale. “Oggi la statua ha gli stessi colori che aveva prima dell'intervento estremamente sfortunato dello scorso anno. Ma sappiamo di aver perso parte della vernice originale lungo la strada", ha affermato Carlos Martínez Álava, capo del dipartimento del patrimonio storico del governo della Navarra.

6. Statua del Buddha (ca. 1000) Anyue, Cina

Il Buddha Anyue prima e dopo il restauro. Foto di Xu Xin, via Weibo.

È stata una guida delle grotte di Dunhuang nella provincia di Gansu a contestare per la prima volta il nuovo lavoro di verniciatura su una statua del Buddha della dinastia Song di 1.000 anni nella cittadina cinese di Anyue. Il lavoro di restauro amatoriale è stato eseguito dagli abitanti dei villaggi locali nel 1995, ma è stato solo quando Xu Xin ha condiviso le immagini della scultura su Weibo nel 2018 che il catastrofico lavoro di verniciatura ha raggiunto la notorietà globale.

Il governo della contea di Anyue ha incolpato la mancanza di conoscenza della conservazione da parte degli abitanti del villaggio ben intenzionati e ha affermato che i funzionari non hanno notato il nuovo lavoro di verniciatura fino a quando non è stato completato. “Dopo l'incidente, l'Amministrazione dei Beni Culturali ha migliorato la gestione e la protezione di altre reliquie,” secondo una dichiarazione del governo. “Negli ultimi anni non sono stati più eseguiti lavori di riparazione simili.”

7. Castello di Ocakli Ada (ca. 100) Sile, Turchia

Castello di Ocakli Ada in Turchia, prima e dopo i restauri.

Le pittoresche rovine del castello di Ocakli Ada di 2.000 anni nella località balneare di Sile, in Turchia, erano completamente irriconoscibili dopo che un progetto di restauro quinquennale è stato completato nel 2010. L'edificio fatiscente è stato completamente ricostruito con materiali moderni, creando un liscio e l'aspetto a blocchi che sembra uscito dal gioco Minecraft.

L'opera è stata ampiamente derisa sui social media, con molti che hanno paragonato la facciata del castello al personaggio dei cartoni animati Spongebob Squarepants. Il comune ha difeso l'opera, raccontando Specchio giornaliero “la critica sui social media non si basa sulla conoscenza e prescinde dagli sviluppi e dalle decisioni prese durante il processo di restauro.”

8. Castello di Matrera (ca. IX secolo) Villamartin, Spagna

Il castello spagnolo di Matrera, prima e dopo il restauro, è stato eseguito dallo studio di architettura Carlos Quevado Rojas. Foto di Leandro Cabello, per gentile concessione di Carquero Arquitectura.

Uno sforzo altrettanto discutibile è stato fatto dallo studio di architettura Carlos Quevado Rojas nel restaurare il Castello di Matrera a Villamartin, in Spagna. Dopo che la fortezza medievale del IX secolo è parzialmente crollata nel 2013, i restauratori hanno ricostruito e stabilizzato la struttura, ma la legge sul patrimonio storico vieta le ricostruzioni mimetiche, il che significa che l'azienda ha dovuto utilizzare materiali moderni visivamente distinti dalle rovine esistenti.

Il risultato è stato uno stravagante mosaico di vecchio e nuovo che ha suscitato indignazione, con il gruppo politico di sinistra Izquierda Unida che ha presentato una denuncia al Ministero della Cultura. Nel frattempo, l'aspetto bizzarro del castello di Franken è diventato prevedibilmente virale e, a quanto pare, è diventato una rinnovata attrazione turistica.

9. Affreschi buddisti (ca. 907-1125) Chaoyang, Cina

Uno degli antichi affreschi buddisti nel tempio Yunjie a Chaoyang, nel nord-est della Cina, che ora è stato coperto da dipinti simili a cartoni animati come parte di un restauro. Foto per gentile concessione di STR/AFP/Getty Images.

Gli antichi affreschi buddisti nel tempio cinese di Yunjie avevano un disperato bisogno di lavori di conservazione per preservare i dipinti che si sfaldavano e si disintegravano. Insondabilmente, in quello che è un evento fin troppo familiare, il lavoro da £ 100.000 si è trasformato in un incubo technicolor. Nuovi dipinti in stile libro di fiabe hanno completamente sostituito le opere originali dell'era della dinastia Qing.

Il risultato è stato nientemeno che "la distruzione delle reliquie culturali poiché le reliquie originali non esistono più", ha detto Wang Jinyu, un esperto di restauro di affreschi dell'Accademia di Dunhuang, Telegrafo. In risposta, due funzionari del governo sono stati licenziati, uno dei quali ha affermato che si trattava di un "progetto di conservazione non autorizzato".

10. Mosaici antichi (ca. II-VI secolo), Museo Hatay, Antakya, Turchia

Mosaici presso il Museo Archeologico di Hatay in Turchia. Foto di Mehmet Daşkapan.

Un artigiano locale, Mehmet Daşkapan, è stato il primo ad alzare una bandiera rossa sui lavori di restauro in corso presso il Museo Archeologico di Hatay ad Antakya, in Turchia, sui mosaici dal II al VI secolo. Le foto erano schiaccianti, con le figure delicate che apparivano distorte e i dettagli fini persi.

Il Ministero della Cultura e del Turismo ha negato che ci fosse alcun problema, sostenendo che le foto sono state scattate durante la fase iniziale dei lavori di restauro e che presto sarebbero state riportate al loro originario splendore. Anche il restauratore Celal Küçük ha difeso il suo lavoro, ma le immagini parlano da sole.

11. Statua di Maria e Gesù Bambino (metà del XX secolo) Chiesa cattolica Sainte-Anne-des-Pins, Sudbury, Ontario

Heather Wise ha tentato il restauro di una statua di Gesù. Cattura dello schermo tramite YouTube per gentile concessione di Coisas da Net.

Una chiesa canadese ha avuto un problema di vandalismo, con teppisti locali che hanno ripetutamente decapitato una statua di Maria che tiene in braccio Gesù bambino. Quando la testa alla fine scomparve per sempre, l'artista locale Heather Wise si offrì di sostituirla gratuitamente e la chiesa accettò felicemente, dato che la sua stima professionale era di soli $ 10.000 CAD (7.300 $).

Ma quello che hanno ottenuto è stata una mostruosità rossa bizzarra e dalla testa appuntita che è diventata una sensazione su Twitter, spesso allegramente paragonata a Lisa Simpson. Wise ha affermato che il volto di terracotta, che presto ha iniziato a sciogliersi sotto la pioggia, era solo un segnaposto temporaneo mentre scolpiva una pietra sostitutiva, ma grazie all'attenzione dei media, il ladro penitente è stato spinto a restituire la testa originale.

La chiesa ha annunciato l'intenzione di pulire e restaurare la statua, ma ha ammesso che in realtà si era affezionata al ridicolo Gesù bambino rosso. Wise, tuttavia, la voleva indietro: era la sua opera d'arte più famosa, dopo tutto.

12. Sculture religiose (ca. XV secolo) Ranadoiro, Spagna

A sinistra, la statua della Vergine Maria del XV secolo prima di essere “restaurata” (a destra) da una donna locale nelle Asturie, in Spagna. Foto DSF/AFP/Immagini Getty.

In un altro caso di un parrocchiano fuorviato che ha seminato il caos su un'amata opera d'arte religiosa, Maria Luisa Menendez ha deciso di ravvivare un trio di sculture in legno del XV secolo con una nuova mano di vernice. (Uno era originariamente non dipinto.)

Anche se le statue erano state restaurate professionalmente solo 15 anni prima, il parroco avrebbe dato la sua benedizione al dilettante. I suoi sforzi dai colori vivaci - ha dato alla Vergine Maria i capelli turchesi - sono stati ampiamente derisi per il loro aspetto da cartone animato e sono stati anche distruttivi per la vernice e la patina originali.

"Hanno usato il tipo di smalto industriale che vendono per dipingere qualsiasi cosa e colori assolutamente sgargianti e assurdi", ha detto un residente locale Custode. “Il risultato è semplicemente sbalorditivo. Non sai se ridere o piangere".

13. Albero della fertilità (circa 1265) La Fonte dell’Abbondanza, Massa Marittima, Italia

I restauratori sono stati accusati di censurare i falli sul Albero della fertilità in Toscana, Italia. Foto tramite Wikimedia Commons.

Una delle opere d'arte più singolari dell'Italia, il Albero della fertilità, è stato scoperto nel 2000 ed è famoso per la sua rappresentazione di numerosi falli, o almeno lo era, prima di una pulizia del 2011. I restauratori che hanno eseguito i lavori sono stati accusati di aver censurato lo storico affresco rimuovendo dai rami precedentemente carichi di circa 25 peni pendenti.

“Il restauro non ha in alcun modo modificato radicalmente le caratteristiche originarie,” ha insistito Mario Scalini, assessore ai Beni e alle Arti della provincia locale, raccontando Telegrafo che il restauro dell'affresco gravemente danneggiato ha richiesto la rimozione dei depositi di sale e calcio. “L'operazione è stata eseguita con la massima cura.”

Un funzionario comunale ha chiesto un'indagine sulla questione, ma il danno è stato apparentemente fatto. Fortunatamente, le fotografie recenti sembrano mostrare almeno alcuni peni sopravvissuti.

14. Grande muraglia cinese (1381)

Sezione riparata della Grande Muraglia Cinese. Foto: STR/AFP/Getty Images.

Nel 2016, il mondo è rimasto scioccato nello scoprire che i restauratori avevano essenzialmente pavimentato una sezione di 1,2 miglia della Grande Muraglia cinese, costruita durante la dinastia Ming nel 1381. Per evitare che l'edificio fatiscente cadesse in ulteriore rovina, i lavoratori hanno versato un mix di calce e sabbia in cima alla struttura, trascurando completamente le merlature e le torri originarie.

"Questo è stato un atto vandalico fatto in nome della conservazione", ha detto Liu Fusheng, un ufficiale del parco della contea, all'epoca. "Anche i bambini qui sanno che questa riparazione della Grande Muraglia è stata un pasticcio".

15. La maschera di Tutankhamon (ca. 1323 aC) Museo Egizio, Cairo

Christian Eckmann lavora al processo di restauro della maschera d'oro di Tutankhamon al Museo Egizio del Cairo. Foto di Khaled Desouki/AFP/Getty Images.

Quando il personale del Museo Egizio del Cairo ha strappato la barba dalla maschera funeraria del re Tutankhamon di 3.300 anni fa, si è fatta prendere dal panico e ha cercato di incollarla rapidamente, usando una resina epossidica industriale, nel mezzo della galleria, durante l'orario di visita. È stato a dir poco un disastro, e il problema è stato solo esacerbato quando hanno cercato di raschiare via la colla, graffiando l'antichità storica.

I responsabili sono stati oggetto di un'azione disciplinare per aver infranto il protocollo per non aver informato il Ministero delle Antichità dell'incidente e per aver danneggiato il manufatto. Fortunatamente, un restauratore tedesco è stato in grado di rimuovere la colla e ripristinare la maschera.

16. Leonardo da Vinci’s Orfeo attaccato dalle Furie Collezione privata

Leonardo Da Vinci, Testa di uomo, faccia intera e testa di leone (ca. 1508). Per gentile concessione di Sua Maestà la Regina Elisabetta II/Royal Collection Trust, tramite il Teylers Museum, Haarlem, Paesi Bassi.

Sai che è brutto quando nessuna foto è mai risultata per mostrare un famoso restauro di un'opera d'arte. Nel 2001, l'esperto di Leonardo da Vinci Carlo Pedretti ha scoperto un disegno di Leonardo perduto nella collezione di un certo Stefano della Bella. Lo schizzo, Orfeo attaccato dalle Furie, si credeva provenisse dal Codice Atlantico, compilato da vari taccuini leonardeschi dello scultore Pompeo Leoni.

La buona notizia è durata poco. Pedretti annunciò presto che una squadra di restauratori colossalmente disinformati aveva distrutto l'opera d'arte storica trattandola con acqua e alcool senza prima testare la solubilità dell'inchiostro. Grazie alla sconsiderata svista, il delicato disegno scomparve. Scrivere sul quotidiano di Milano Corriere della sera, Pedretti ha espresso la speranza che esperimenti chimici o nucleari possano recuperare l'immagine perduta, ma il danno è stato purtroppo irreversibile.

17. Elias Garcia Martinez, Ecce Homo (ca. 1930) Chiesa Santuario della Misericordia, Borja, Spagna

Elías García Martínez, Ecce Homo (1930) e il famigerato tentativo di restauro del 2012 di Cecilia Giménez.

Nell'esempio senza dubbio più famoso di questa lista, Cecilia Giménez ha messo la sua piccola città spagnola sulla mappa quando i suoi esilaranti tentativi di restaurare un dipinto religioso di Gesù con la corona di spine sono diventati virali. L'82enne aveva le migliori intenzioni quando si è messa al lavoro sull'affresco in rapido deterioramento, ma le sue capacità non erano all'altezza del compito, per dirla alla leggera.

Il prodotto finito, universalmente deriso come Gesù Bestia o “Ecce Mono” (“Ecco la Scimmia”), ha avuto l'inaspettato risultato di trasformare Borja in una meta per decine di migliaia di turisti desiderosi di ammirare il famigerato lavoro di restauro per loro stessi. Giménez è diventato una celebrità improbabile grazie alla forza del fenomeno Internet, che ha ispirato un'opera e un documentario, e ora ha un centro d'arte dedicato, dimostrando che anche i peggiori disastri artistici a volte possono avere un lato positivo.


Milner e ricostruzione

L'Alto Commissario Milner trasferì il suo quartier generale da Città del Capo a Pretoria nel 1902. La mossa simboleggiava la centralità del Transvaal nella sua missione di costruire un nuovo ordine in Sud Africa. Quando Milner se ne andò nel 1905, la sua visione di un paese politicamente dominato dai bianchi di lingua inglese era fallita. I progetti per inondare il Transvaal rurale di coloni britannici hanno prodotto solo un filo e, peggio ancora, l'anglicizzazione obbligatoria dell'istruzione ha solo intensificato i sentimenti di nazionalismo afrikaner. L'opposizione al "milnerismo" ha definito i gruppi politici emergenti guidati dagli ex generali boeri Louis Botha, Jan Smuts e J.B.M. (Barry) Hertzog. Milner aveva sperato di trattenere l'autogoverno dai bianchi in Sud Africa fino a quando "ci sono tre uomini di razza britannica a due olandesi". Ma, quando il ministero liberale di Henry Campbell-Bannerman concesse un governo responsabile alle ex repubbliche nel 1907, i partiti afrikaner vinsero le elezioni nel Transvaal.

Tuttavia, se il progetto politico di Milner non ha preso forma, ha realizzato in gran parte il suo progetto per l'ingegneria economica e sociale. Servito da un gruppo di giovani amministratori selezionati con cura, ha fatto della ripresa economica una priorità perché era imperativo riportare le miniere alla redditività. Abbassò le tariffe ferroviarie e le tariffe sulle importazioni e abolì le costose concessioni concesse dal regime Kruger. Milner fece anche sforzi strenui per garantire manodopera a basso costo alle miniere. Per raggiungere questo obiettivo, ha autorizzato l'importazione di circa 60.000 lavoratori cinesi a contratto quando i migranti neri hanno resistito ai tagli salariali. I minatori cinesi, che sarebbero tornati per lo più a casa entro il 1910, svolgevano solo determinati compiti, ma il loro impiego creò un precedente per una barra di colore legale nelle miniere d'oro. Sebbene questo esperimento abbia provocato proteste politiche nel Transvaal e in Gran Bretagna, è riuscito a minare il potere contrattuale dei lavoratori neri. Il valore della produzione d'oro crebbe da 16 milioni di sterline nel 1904 a 27 milioni di sterline nel 1907.

L'amministrazione ha lavorato per rimodellare il Transvaal come base stabile per il capitale agricolo, industriale e finanziario, spendendo circa 16 milioni di sterline per riportare gli afrikaner nelle loro fattorie e attrezzarli. Ha istituito una banca della terra, ha promosso metodi di agricoltura scientifica e ha sviluppato metodi di riscossione delle tasse più efficienti, che hanno aumentato le pressioni sui contadini neri a lavorare per gli agricoltori bianchi. Soprattutto nel Witwatersrand, i giovani amministratori si sono occupati di urbanistica, trasporti pubblici, alloggi e servizi igienico-sanitari, e in ciascuno di questi ambiti una nuova geografia urbana procedeva dal principio della separazione dei lavoratori bianchi e neri.

La Commissione per gli affari nativi sudafricani (SANAC) è stata nominata per fornire risposte esaurienti alla "questione nativa". Il suo rapporto (1905) proponeva la separazione territoriale della proprietà terriera dei neri e dei bianchi, la segregazione urbana sistematica mediante la creazione di "luoghi" neri, la rimozione degli "squatter" neri dalle fattorie bianche e la loro sostituzione con lavoratori salariati e la segregazione dei neri dai bianchi. nella sfera politica. Queste (e altre raccomandazioni SANAC) hanno fornito la base per le leggi approvate tra il 1910 e il 1936.


Il ruolo della Chiesa Nera

La Chiesa afroamericana e mdashA Bulwark

In molte comunità afroamericane, grandi e piccole, la vita sociale, politica ed economica del popolo ruotava intorno alla chiesa. Il pastore era spesso il leader della comunità, l'insegnante e lo stratega aziendale. Le famiglie spesso trascorrevano molte ore in chiesa ogni settimana o quando il predicatore veniva nella loro comunità, a volte solo una o due volte al mese.

Elisabetta Bianchi. Tutti i Chillun di Dio hanno le ali! Acquaforte e acquatinta a terra morbida, ca. 1933. Fondazione Ben e Beatrice Goldstein, Divisione stampe e fotografie, Biblioteca del Congresso. Numero di riproduzione: LC-USZC4-6164 (5&ndash22)
Per gentile concessione della Sumter Gallery of Art, Sumter, South Carolina.

Aggiungi questo elemento ai segnalibri: //www.loc.gov/exhibits/african-american-odyssey/reconstruction.html#obj17

Attivismo nella Chiesa Nera

Questo opuscolo discute la storia di questa denominazione afroamericana, gli sforzi educativi tra le persone di colore in Ohio e altre questioni vitali per la comunità afroamericana durante la Ricostruzione. Fornisce importanti dati storici sulla Chiesa episcopale metodista africana (A.M.E.), specialmente a Cincinnati, discute i diversi ministeri della chiesa e delinea i numerosi sforzi edificanti e caritatevoli della denominazione nella comunità di Cincinnati. Esistono anche informazioni storiche sulla Wilberforce University in Ohio, un istituto di istruzione superiore acquistato dall'A.M.E. Chiesa nel 1863.

Atti della celebrazione del semi-centenario della chiesa episcopale metodista africana di Cincinnati. . . 8, 9 e 10 febbraio 1874. A cura del Rev. B. W. Arnett. Cincinnati: H. Watkin, 1874. Collezione di pamphlet di Daniel A.P. Murray, Divisione di libri rari e collezioni speciali, Biblioteca del Congresso (5&ndash3)

Aggiungi questo elemento ai segnalibri: //www.loc.gov/exhibits/african-american-odyssey/reconstruction.html#obj18

Un'istituzione afroamericana di istruzione superiore e mdashWilberforce University

Un gruppo di abitanti dell'Ohio, tra cui quattro uomini afroamericani, fondò la Wilberforce University vicino a Xenia, Ohio, nel 1856, e la chiamò in onore del famoso abolizionista britannico William Wilberforce. Quando la scuola non adempiva ai suoi obblighi finanziari, i leader della Chiesa episcopale metodista africana la acquistarono nel 1863.

Lo statuto della Wilberforce University, datato 10 luglio 1863, afferma che il suo scopo era "promuovere l'istruzione, la religione e la morale tra la razza di colore". Anche se l'università è stata istituita da e per le persone di colore, gli articoli stabilivano che nessun uno dovrebbe "essere escluso dai benefici di detta istituzione come ufficiali, docenti o allievi a causa della semplice razza o colore".


I fallimenti della Ricostruzione non sono mai stati più evidenti — o rilevanti — come oggi

La combinazione di covid-19 e le rivolte seguite all'uccisione della polizia di George Floyd hanno cambiato il modo in cui vediamo le nostre connessioni reciproche, creando un momento di trasformazione nell'immaginario politico americano simile a quello che il paese ha subito durante la Ricostruzione dopo la Guerra Civile. Resta da vedere come questo momento cambierà la nostra società, ma due recenti serie di proteste hanno il potenziale per modellare le conseguenze della pandemia e delle rivolte in modi molto diversi.

Una serie di proteste, che si sono verificate in gran parte ad aprile e maggio, ha cercato di porre fine al distanziamento sociale e di "liberare" le economie chiuse in modo che gli americani potessero tornare ai centri commerciali e ai ristoranti della vita quotidiana. Un altro, innescato dall'omicidio di Floyd, mette in netto rilievo le fatali conseguenze del ritorno in un mondo in cui, come ha affermato il presidente Barack Obama, "essere trattati in modo diverso a causa della razza è tragicamente, dolorosamente, esasperante" normale ".

Sebbene il nostro momento attuale sia diverso dalla Ricostruzione, o da altri momenti passati di crisi e trasformazione come la Grande Depressione e la Seconda Guerra Mondiale, una storia onesta della Ricostruzione ci invita a considerare i pericoli di un "ritorno alla normalità" con correzioni frammentarie e soluzioni a breve termine. pensiero. Ciò ha sabotato il potenziale della Ricostruzione di raggiungere l'uguaglianza e la democrazia, e quell'errore riecheggia nel presente.

Durante e dopo la guerra civile, anche molti americani hanno vissuto un mondo capovolto. La ricostruzione ha riunificato la nazione fratturata dopo la distruzione della Confederazione e la schiavitù con essa. Lo storico Eric Foner spiega che gli sviluppi più radicali della Ricostruzione sono stati il ​​"massiccio esperimento di democrazia interrazziale" e la "trasformazione degli schiavi in ​​lavoratori liberi" che hanno accompagnato il rimodellamento totale della società meridionale. Dalle tese trattative sindacali delle lavandaie emancipate alle parate armate dei club politici neri, gli afroamericani liberi e liberati hanno rivendicato l'accesso alle promesse di questo momento e immaginato che ogni giorno ne nascesse di più.

Between 1863 and 1865, Abraham Lincoln oversaw the passage of the 13th Amendment, which ended slavery or involuntary servitude everywhere in the United States “except as punishment for a crime,” though John Wilkes Booth assassinated him before the states ratified the amendment.

In that time, Congress also created the Freedmen’s Bureau to act as agents of Reconstruction throughout the former Confederate states, overseeing land, labor and political disputes between black and white southerners. The bureau took responsibility for implementing General William T. Sherman’s infamous postwar Field Order 15. An early success of Reconstruction, the order redistributed confiscated Confederate land — “40 acres and a mule” — to formerly enslaved people and provided unprecedented access to land, wealth and independence.

When Andrew Johnson assumed the presidency, however, he returned that land to its prior owners and helmed a tepid era of what scholars call “Presidential Reconstruction” that emphasized Southern states’ rights to self-governance.

Ultimately, Johnson and the Freedmen’s Bureau failed to acknowledge and address the deep racial animosity and class conflict of the postwar South. The rise of sharecropping, a system of land rentals that gave African Americans some autonomy over working conditions but required a deeply exploitative debt relationship, demonstrated the federal government’s inability to enforce fair treatment of people who were formerly enslaved. Johnson’s reversal of Field Order 15 only made it worse.

Then the 1866 midterm elections reshaped Congress, and in the process, Reconstruction. Between 1868 and 1870, the Fourteenth and Fifteenth amendments ensured citizenship and protected equal rights for African Americans, symbolizing the fundamental transformation of the political process and tremendous potential of a time period known as “Radical Reconstruction.”

In the face of violent voter suppression and intimidation, newly enfranchised African American Republican voters elected the nation’s first black senators, representatives, state representatives and lieutenant governors from former Confederate strongholds like Alabama, Louisiana and South Carolina. It would take almost a century after Reconstruction ended before the next African American senator, Edward Brooke of Massachusetts, joined their ranks in 1966.

But like the Freedman’s Bureau, these experiments in interracial democracy were cut short before they reached their full potential.

Reconstruction formally ended — or rather, was abandoned — in 1877 when President Rutherford B. Hayes pulled federal troops out of the South, honoring his end of a dubious bargain that won him the contested election of 1876.

Freed from oversight, self-proclaimed “redeemers” continued their quest to reclaim the South from African American and Republican rule, which they did throughout the region over a half century, dismantling the political and legal protections for African Americans in the name of reasserting labor control and racial dominance. The most infamous form of this retrenchment was racial terrorism but the horrors of rape, lynching and torture worked in tandem with coercive labor agreements, disenfranchisement and segregation to erase the potential for a reordering of power and reassert white supremacy among the broken remnants of a slave society.

The commitment to Reconstruction dissipated among many white Northerners too. Northern factory owners, financiers and merchants relied on Southern cotton, and industrial workers feared freedom and mobility in the South would lead to an influx of cheap black labor in the North that could undercut white wages and white supremacy. Even some white Union soldiers turned their backs on racial equality and black rights, despite having been early advocates for abolition after being radicalized by direct encounters with slavery and military service alongside self-emancipated African American men.

Across the reunited sections, white Americans’ dedication to Reconstruction also waned as they struggled to put years of unprecedented death and destruction behind them. Using celebrations of soldiers’ experience, loss and faith, they created a shared narrative that replaced the specific causes and outcomes of the war with increasingly vague paeans.


Jacques Derrida and Deconstruction

In 1905 Paul Cézanne wrote to the younger artist, Emile Bernard, “I owe you the truth in painting and I will tell it to you.” One can immediately imagine how Jacques Derrida (1930-2004) would have seized upon such a statement with its promise of “truth” “in painting,” two dubious precepts. Derrida would be compelled to deconstruct such a proposition. Despite its name, the Deconstruction that is associated with Derrida is not an act of destruction or a breaking up, instead Deconstruction, like Structuralism is an activity or performance. Deconstruction is reading, a textual labor, traversing the body of a text, leaving “a track in the text.” Unlike other forms of critical analysis, deconstruction cannot happen from the outside but, as Derrida stated, “Deconstruction is something that happens and happens from the inside.” As he stated to an audience of academics at Villanova in 1994 (in English),

The very meaning and mission of deconstruction is to show that things–texts, institutions, traditions, societies, beliefs, and practices of whatever size and sort you need–do not have definable meanings and determinable missions, that they are always more than any mission would impose, that they are always more than any mission could impose, that they exceed the boundaries they currently occupy..A “meaning” or a “mission” is a way to contain and compact things, like a nutshell, gathering them into a unity, whereas deconstruction bends all its efforts to stretch beyond these boundaries, to transgress these confines, to interrupt and disjoint all such gatherings.Whatever it runs up against a limit, deconstruction presses against. Whenever deconstruction finds a nutshell–a secure axiom or a pithy maxim–the very idea is to crack it open and disturb this tranquility. Indeed, that is a good rule of thumb in deconstruction. Quella is what deconstruction is all about, its very meaning and mission, if it has any. One might say that cracking nutshells is what decontsructrucion è. In a nutshell.

Deconstruction does not appeal to a higher logical principle or superior reason, something which Derrida considered to be metaphysical. His goal was to upsets the system of hidden hierarchies that composed philosophy by producing an exchange of properties. His major target was the hierarchy between speech and writing, in which speech was presumed to have preceded writing, this giving to speech a (false) priority and the (false) presumption of origin. In inverting the hierarchies embedded in paired opposites, Derrida insisted neither element can occupy the position of origin (such as speech over writing) and the origin looses its metaphysical privilege, which is why he insisted on deconstructing the Structuralist system of polarities and oppositions. He pointed out that the pairs, far from being equal or balanced, were, in fact, hierarchized, with one term being preferred (culturally) over the other. If this is the case, if “good” is preferred over “bad”, then the meanings of each/both term/s are interdependent. If the terms are interdependent, then they cannot be separated or polarized. If the terms cannot be separated or opposed in any final way, then their meanings are also interdependent and inseparable. This logical march which deconstructs

Structuralism began with Edmund Husserl (1859-1938) who was concerned with the problem of transcendence, the objectivity of objects, and their existence outside of temporal consciousness. In other words, the object had to be a form of knowledge of the object itself, not the mental acts which cognitively construct it. Phenomenological reflection suspends or “brackets” the question of existence and privileges the experience-of-object, which is the “object to be described” and this privileging means that the identity of the object must be ideal. But Derrida did not believe that Husserl’s transcendental acts of pure perception existed or that such states of purity could exist. Husserl posited an absolute ideal of objectivity, geometry, in order to differentiate between subjective and objective structures. Derrida asserted that Husserl “lodged” objectivity within subjectivity or self-presence, and that if this is the case, then the self must differentiate itself from the object and thus, Husserl introduces the idea of difference.

Derrida charged that Husserl created a structure of alterity or the otherness of the meaning or self. Living presence, according to Derrida, is always inhabited by difference. To express this differently, so to speak, difference creates an endlessly deferred meaning as the self and the object oscillate, unable to fix a position. By deconstructing Husserl’s philosophy, Derrida relocated his philosophy as writing. Without this “fixing” of a position, then a transcendental position is impossible, for if Derrida is correct and Husserl is merely writing, then yet another metaphysical account of the mystical thing in itself is revealed to be a figurative fiction. To the dismay of traditionalists, Postmodernism robs us of the fantasy of certainty. If we can never be certain, we can never know the truth. In contrast, the “close reading” of the Structuralists, that sought to find “unity,” gives way to a new close reading–Deconstruction–that seeks the “uncanny”–a Freudian term–that works against the bounds of the text. “The uncanny is that class of the frightening which leads back to what is known of old and long familiar…” said Freud, referring to something that is repressed but recurs, responding to deeper laws, which for Deconstruction is that which is hidden in the text.

Deconstruction intervenes in philosophical texts, seeking what is not acknowledged, and intercedes in the field of oppositions and their hierarchies and works within the terms of the system in order to break open the structure and to breach its boundaries to determine what might have been concealed or excluded, or repressed. To deconstruct a discourse is to show it undermines the authority of philosophy and reveals its literary/rhetorical aspects. In identifying the rhetorical oppositions that structure the ground of the argument Deconstruction deconstructs philosophy as language, as writing. In The Truth in Painting (1987), Derrida interrogated Emmanuel Kant (1724-1804) by introducing the concept of the passé-partout or what Americans refer to as the mat that encircles the painting or print or photograph, i. e. the work of art. He wrote,

Between the outside and the inside, between the external and the internal edge-line, the framer and the framed, the figure and the ground, form and content, signifier and signified, and so on for any two-faced opposition. The trait thus divides in this place where it takes place. The emblem for this topos seems undiscoverable I shall borrow it from the nomenclature of framing: il passe-partout. Il passe-partout which here creates an event must not pass for a master key.

Using the concepts of inside/outside and the idea of betweenness, Derrida was led to the next obvious question: “What is art? Then: Where does it come from ? What is the origin of art? This assumes that we reach agreement about what we understand by the word art. Hence: What is the origin of the meaning of “art?” The modern meaning of art must begin with Kant’s third Critique which was then commented upon by Georg Hegel’s Lectures on Aesthetics (1818-1829), who, in turn was over-writen by Martin Heidegger’s The Origin of the Work of Art (written 1935-7, published 1950/60) and Derrida also used Kantian the concept of the “parergon” to question the supposed autonomy of art and its relation to various discourses, such as history and philosophy, which seek to preserve its autonomy. Il parergon is the frame, the boundary between the art work (ergon) and its background and context, and in surrounding the painting, the frame guarantee its musical/metaphysical autonomy as “art.” Kant rejected the boundary-conditions and prevented the invasion of art’s privileged domain by assuming a distinction between intrinsic and extrinsic, or that which is proper to the domain of art and that which is outside the properties of art itself.

Kant introduced the metaphor of framing in an attempt to delimit a proper space of aesthetic representation, but in so doing, Kant perceived a problem, an undecidability in some seemingly marginal details that could not be detached without altering or upsetting the composition. For example, what is intrinsic to a sculpture with drapery? Should the body be considered as autonomous, that is self-sufficient without the drapery, or is the drapery intrinsic to the work of art itself? Decorative outwork was perceived of as part of art’s intrinsic quality, such as clothing on statues, which is not part of the essential form, and architectural details that are purely functional but that cannot be excluded from the overall artistic impression. Therefore for Kant, the parergon is a hybrid of inside and outside, frame, clothing, column, and there is no deciding what is intrinsic to artwork and what belongs to the outside frame. From the standpoint of Deconstruction, this “Framing” discourse is the chief concern of aesthetics which legitimizes its own existence by fixing a boundary between art and other modes of knowledge, including history and theory. “Art” becomes “art” through boundaries that exclude its other. Clearly, this notion of “frame” and the idea of “boundary” are both figural constructs hidden in plain sight within the discourse of aesthetics.

The frame is another variation of the Structure. Rhetorical figures, such as the “frame” in art, exist within discourse for a reason. Therefore, Derrida asked, “What is at stake?” why is the frame/the structure necessary? In asking why it is necessary to place art within s structure, to produce boundaries to validate “art,” he then demystified the notion of aesthetics as disinterested value. Aesthetics in “interested” in the sense that it defines and therefore produces “art” via these framing devices. The frame must be present in order to structure and the purpose of structurality is to both contain art within and exclude all that is deemed non-art. In the case of art, that which is “not art” is excluded in order to shape and form “art” as an entity that is transcendent. Therefore, Derrida asked, “What particular interests are served by aesthetics”? Contrary to the notion of a discourse that assumes art gives access to the realm of timeless and disinterestedness values, any discourse on art is always and inevitably bound up with interests that belong to the outside (of art).

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Dr. Jeanne S. M. Willette and Art History Unstuffed. Grazie.


Digital Art History: A subject in transition

This paper explores the use of computer graphics and computer vision techniques in the history of art. The focus is on analysing the geometry of perspective paintings to learn about the perspectival skills of artists and explore the evolution of linear perspective in history. Algorithms for a systematic analysis of the two- and three-dimensional geometry of paintings are drawn from the work on “single-view reconstruction” and applied to interpreting works of art from the Italian Renaissance and later periods. Since a perspectival painting is not a photograph of an actual subject but an artificial construction subject to imaginative manipulation and inadvertent inaccuracies, the internal consistency of its geometry must be assessed before carrying out any geometric analysis. Some simple techniques to analyse the consistency and perspectival accuracy of the geometry of a painting are discussed. Moreover, this work presents new algorithms for generating new views of a painted scene or portions of it, analysing shapes and proportions of objects, filling in occluded areas, performing a complete threedimensional reconstruction of a painting and a rigorous analysis of possible reconstruction ambiguities. The validity of the techniques described here is demonstrated on a number of historical paintings and frescoes. Whenever possible, the computer-generated results are compared to those obtained by art historians through careful manual analysis. This research represents a further attempt to build a constructive dialogue between two very different disciplines: computer science and history of art. Despite their fundamental differences, science and art can learn and be enriched by each other’s procedures. A longer and more detailed version of this paper may be found in [5].


So, what is Obscenity?

Obscenity is a social construction that varies according to time and place. In Hindu mythology, the yoni is the symbol of the fertility goddess Shakti , who was revered as far back as 4000 BC. It was seen as equal to its male counterpart, the lingam, and together they were the source of all existence. A similar mythology is present in Japan with the concepts of yin and yang , representing female and male energies. At the same time, the country still considers images of vulvas to be obscene from a legal point of view, as demonstrated by the 2014 conviction of the artist Megumi Igarashi .

But thanks to the influence the influence of female artists – and even advertisers – the vulva is back in the 21st century.

Top Image: An example of a Sheela na gig, a carving of a naked woman with an exaggerated vulva. Fonte: Pixabay License


Guarda il video: Messalina - di Enrico Guazzoni Versione sonorizzata (Potrebbe 2022).