Podcast di storia

Tegola Etrusca Menade

Tegola Etrusca Menade


Tecnologia e ingegneria etrusca

Man mano che la potenza etrusca cresceva, i rivali mortali se ne accorgevano: pirati, cartaginesi, romani. Ma gli Etruschi non si accontentarono. Sono diventati noti ingegneri e tecnologi per proteggersi.

Avrebbero potuto usare un buon pubblicitario. Quasi nessuno oggi ha sentito parlare di un cuniculus etrusco, mentre tutti conoscono gli acquedotti romani.

--nuove tecniche idriche e agricole

--metallurgia, in particolare bronzo

--architettura ed edifici

Gli Etruschi diffusero i tetti di tegole e l'architettura dei templi in tutta Italia. I tetti di tegole proteggevano il fragile e deperibile edificio in legno sottostante.

Il loro notevole contributo è stato nel rendere popolare il sigillo del tetto. Il tetto potrebbe quindi proteggere la struttura dell'edificio in legno dagli effetti della pioggia e degli animali più a lungo rispetto ai materiali da costruzione esistenti.

Per sigillare, gli Etruschi stendevano rettangoli di tegole sul tetto, poi sovrapponevano tegole semitonde sopra, lungo le giunture dei rettangoli: un sigillo ingegnoso.

Le estremità delle tegole lungo la linea del tetto erano sigillate con antefisse, di solito con figure dall'aspetto feroce come una Gorgone o una Medusa per spaventare il pericolo. O per impedire agli uccelli di nidificare all'interno delle aperture.

L'impresa ingegneristica etrusca più notevole fu il controllo delle acque. .

L'acqua abbondante, controllata, pulita era uno dei problemi più seri dell'antico Mediterraneo.

Gli Etruschi abitavano pianure costiere potenzialmente fertili. Ma la loro fonte d'acqua - il flusso in discesa dagli Appennini - era imprevedibile. Serpeggiava in ruscelli e divenne una palude invece di scorrere in linea retta.

Anche l'acqua delle paludi potrebbe essere malsana. In una palude, l'acqua stagnante è esposta alla luce solare diretta, sviluppando alghe e gas metano.

il Cu niculus

Il cuniculus era la loro soluzione ingegnosa. Era un tipo di sistema di scavo che poteva drenare l'acqua lontano dalle paludi. Lo usavano per irrigare i terreni agricoli asciutti, aumentando così l'approvvigionamento alimentare.

Gli Etruschi si trovavano su vaste risorse naturali, sia sulla loro isola d'Elba che ai piedi dell'Appennino. Sotto la superficie giacevano abbondanti quantità di rame e altri minerali.

Man mano che la loro popolazione cresceva, emersero degli specialisti. Gli Etruschi svilupparono abilità metallurgiche molto desiderate.

Divennero famosi per il loro bronzo, una lega di rame e stagno, e per i loro gioielli d'oro.

Armatura Etrusca

Il bronzo ha dato loro un vantaggio in termini di valore militare. Il loro equipaggiamento militare era di bronzo, mentre i loro concorrenti avevano solo cuoio. Con la superiorità tecnica del loro bronzo, le forze militari etrusche potevano proteggere le loro risorse naturali e i loro porti.

I gioielli etruschi oggi mostrano una tecnica e una raffinatezza sorprendenti.

Hanno ideato nuove tecniche di lavorazione dell'oro, con conseguente forte domanda per i loro prodotti.

I minerali grezzi necessari per la metallurgia e per il commercio si trovavano all'interno del territorio etrusco. Le officine metalmeccaniche e i porti commerciali costieri erano sulla costa.

Per portare i minerali alle officine e poi alle navi mercantili, gli Etruschi costruirono strade che erano le migliori fino a quando i romani perfezionarono la costruzione di strade centinaia di anni dopo. Le strade etrusche erano di tufo, facili da tagliare ma anche facili da sgretolare.

La spedizione via mare era molto più economica e veloce del trasporto con carri trainati da animali. Gli Etruschi erano noti per la loro arte marinara, che consentiva loro di commerciare liberamente in tutto il Mediterraneo.

Commercio Etrusco

Il controllo dei mari da parte degli Etruschi fu fondamentale per lo sviluppo del suo commercio nord-sud. Volevano l'ambra. Questo prezioso ingrediente veniva utilizzato nella gioielleria e nei riti religiosi del Mar Baltico nel nord. Un tempo l'Italia dell'ambra, gli Etruschi la commerciavano via mare con aree di tutto il Mediterraneo e più a est.

Mentre possiamo vedere il prodotto finale - navi (attraverso dipinti), tetti di tegole, strade, equipaggiamento militare, gioielli - sappiamo poco di come siano arrivati ​​lì. Quali erano i mezzi di produzione? Come estraevano minerali e minerali grezzi dal terreno e lavoravano i metalli? Non sono state trovate miniere intatte o laboratori di metallurgia che ci diano indizi.


Architettura

Gli Etruschi introdussero in Italia i tetti di tegole. I tetti di tegole proteggevano l'edificio in legno deperibile sottostante.

Gli Etruschi amavano così tanto i Greci che non è facile definire le differenze tra l'arte greca e l'arte etrusca.

Nelle tombe e nei siti etruschi sono stati trovati più vasi greci di quanti ne siano stati trovati nella stessa Grecia. Nella sola Etruria meridionale si trovano circa 500.000 tombe etrusche.

In questo tipico vaso etrusco, puoi vedere chiaramente la mitologia greca ("Ercole che uccide l'Idra") e il design del vaso greco.

Fonti: Richard de Puma,, Arte etrusca al Metropolitan Museum (2013) Nigel, Spivey, Arte etrusca (1997)


Arte etrusca VI-V secolo aC

Il mistero avvolge gli Etruschi. Nessuno sa da dove provengano originariamente e solo alcune delle loro "parole" sono state decifrate. Abitano una regione dell'Italia centro-occidentale e questo gruppo di città stato indipendenti raggiunse il suo apice dal 700 al 400 a.C. L'Etruria cadde gradualmente vittima della crescente potenza di Roma. L'opera d'arte creata dagli Etruschi è stata influenzata da precedenti costruzioni greche e del Mediterraneo orientale. Anche così, gli Etruschi avevano uno stile e un talento tutto loro. Gran parte delle ceramiche e delle sculture su cui hanno lavorato per ore sono state realizzate appositamente per motivi funerari - non diversamente dai primi egizi - e i pezzi lasciati mostrano una grande passione e un intenso amore per la vita.

Antefissa etrusca Etrusca, Caere, 600 - 500 a.C. Originariamente circondata da una grande conchiglia smerlata, una testa di donna orna questa antefissa rotta o decorazione architettonica. La donna indossa un diadema, orecchini, una collana e un vestito fantasia. Un artigiano ha aggiunto una vernice brillante alla testa in terracotta modellata per enfatizzare l'effetto e la visibilità dell'antefissa. Sebbene questa antefissa sia insolita perché è un busto di una figura, non solo una testa. Le tegole che correvano lungo la gronda degli antichi edifici greci ed etruschi spesso terminavano in membri eretti chiamati antefisse. Queste terrecotte modellate spesso assumevano la forma di teste, sia umane che di creature mitologiche. Oltre ad essere decorative, le terrecotte architettoniche servivano a coprire e proteggere dalle intemperie le parti lignee a vista dell'architettura.

Gemma a forma di scarabeo

Gemma a forma di scarabeo Etrusco sconosciuto, 400 - 375 a.C. La figura maschile barbuta incisa su questa gemma è l'eroe Eracle, conosciuto nell'antica Etruria come Ercle. Con una mano Eracle strangola un uccello per il collo, con l'altra tiene la sua mazza, che il taglia gemme ha rappresentato con cinque fori. Sotto un piede, calpesta un altro uccello. L'eroe è impegnato nella sua quinta fatica, che gli ha richiesto di scacciare o uccidere i fastidiosi uccelli, a volte chiamati mangiatori di uomini, che abitavano la regione del lago Stymphalos in Grecia. Questa fatica è raramente raffigurata nell'arte etrusca e questa gemma è il primo esempio etrusco del mito. Le gemme etrusche assumono spesso la forma di uno scarabeo, una forma derivata dalla Fenicia e dall'Egitto. In quest'ultimo paese, lo scarabeo aveva un significato religioso come emblema del sole. Il supporto a filo attaccato allo scarabeo è moderno.

Statuetta votiva di Herkle

Statuetta votiva di Herkle Etrusco sconosciuto, 320 - 280 a.C. Herkle, la versione etrusca dell'eroe greco Eracle, è qui raffigurato come un giovane nudo, in piedi rilassato con il suo peso su un piede. In origine la sua mano tesa reggeva un oggetto rotondo, forse una mela in riferimento alle mele delle Esperidi, ultima fatica di Eracle. La pelle del leone di Nemea conferma l'identità dell'eroe. Herkle indossa la pelle sulla testa con le zampe anteriori legate intorno al collo. Alla fine del 300 o all'inizio del 200 a.C., questa rappresentazione di Eracle che indossa la pelle di leone sulla testa era passata in disgrazia nell'arte greca, ma rimase popolare tra gli Etruschi. Questo elemento apparentemente antiquato nella statua è compensato dalla conoscenza dell'artista dei recenti sviluppi della scultura greca, come evidenziato dalla posa del contrapposto della figura. Herkle era una figura molto popolare nella statuaria etrusca in bronzo. Probabilmente un devoto collocò questa statuetta in un santuario etrusco come offerta alla divinità.

Statuetta di un uomo barbuto

Statuetta di uomo barbuto Etrusca, 480 a.C. circa Bronzo Questo uomo barbuto indossa una tebenna, una forma di toga semicircolare. Una volta teneva qualcosa nella mano sinistra, che probabilmente lo avrebbe identificato. In mancanza di questo oggetto, la sua identità è messa in discussione. Potrebbe essere Tinia, l'equivalente etrusco di Zeus, il re degli dei se così fosse, avrebbe tenuto uno scettro o un fulmine. Tuttavia, potrebbe altrettanto facilmente rappresentare un adoratore o un sacerdote. Piccole figure come questa venivano spesso lasciate nei templi come offerta agli dei. Secondo quanto riferito, questa statuetta è stata trovata a Piombino, in Italia. Sebbene il suo viso e i suoi muscoli siano naturalistici, l'uomo barbuto è in posa rigida e il suo vestito è disposto in modo artificiale. Tali combinazioni di tratti stilistici opposti non sono insolite nell'arte etrusca. In quanto zona ricca di fonti metalliche, l'Etruria produceva grandi quantità di statuette in bronzo.

Manico di Patera a forma di ragazza alata nuda

Manico a patera a forma di ragazza nuda alata Etrusca, 350 - 300 a.C. Una figura scolpita di una divinità femminile alata chiamata Lasa forma questa maniglia etrusca a patera. La patera è un vaso composto da un elemento a forma di ciotola attaccato ad un'ansa. Gli Etruschi usavano una patera per versarsi acqua sulle mani prima di sacrificare, ma potrebbero anche averla usata per fare il bagno in generale. La donna tiene in mano un alabastro ed è nuda ad eccezione delle scarpe e dei gioielli. Gli studiosi hanno difficoltà a interpretare questo oggetto a causa dell'incertezza sia sull'identità di Lasa che sulla funzione della patera. Discutono se Lasa fosse una divinità maggiore a sé stante o se fosse solo una divinità minore, più frequentemente un attendente di Turan, l'equivalente etrusco di Afrodite, la dea greca dell'amore

Statuetta di un ragazzo africano seduto

Statuetta di fanciullo africano seduto Etrusco, 500 - 400 a.C. Con la testa in mano, un fanciullo siede rannicchiato a terra. Attraverso la resa dei capelli e dei tratti del viso, l'artista lo caratterizza come un africano. L'artista ha anche ritratto con cura le sue precarie condizioni fisiche ed emotive: schiena curva, costole prominenti e postura avvilita. Commercianti e marinai etruschi avrebbero incontrato gli africani nei loro commerci d'oltremare. Gli Etruschi tenevano anche degli schiavi, alcuni dei quali probabilmente africani, come sembra essere il ragazzo di questa statua. Tuttavia, la maggior parte degli Etruschi non avrebbe mai visto un africano, e quindi hanno svolto il ruolo di rare curiosità esotiche nell'arte etrusca. La forma della base della statuetta suggerisce che questa figura un tempo decorasse la parte superiore di un candelabro.

Antefissa: Menade e Satiro Danzanti

Antefissa: Menade e Satiro danzanti etruschi, 500 - 475 a.C. Satiro e menade danzanti in una festa dionisiaca su questa antefissa etrusca. Le antefisse erano tegole verticali, spesso decorate, poste lungo i bordi o le gronde dei tetti degli edifici greci ed etruschi. Oltre ad essere decorative, le terrecotte architettoniche servivano a coprire e proteggere dalle intemperie le parti lignee a vista dell'architettura. Gli occhi sporgenti del satiro, il naso camuso e le orecchie a punta sottolineano la sua natura bestiale, mentre il corno potorio che porta indica la sua natura dissoluta. La menade, con in mano krotala o nacchere, si allontana un po' dal satiro, ma in realtà non resiste ai suoi abbracci. Si dice che provenga da Caere, questa antefissa è notevole per la quantità di pittura originale che conserva. La vernice rossa e nera conservata sul vestito della menade trasmette un senso della decorazione colorata originale.

Statuetta di un giovane che indossa la corazza

Statuetta di un giovane che indossa la corazza Etrusco, 490 - 470 a.C. Su questa statuetta di bronzo etrusco, un giovane guerriero indossa la sua armatura. Afferra i lembi delle spalle della sua corazza, tirandoli in avanti per allacciarli. L'artista ha rappresentato la corazza in grande dettaglio, con file di cerchi e semicerchi punzonati che ne ornavano la superficie e una doppia fila di pterigi o lembi lungo il bordo inferiore. Da sotto la corazza fa capolino l'orlo decorato della corta tunica del giovane. La forma della base della statuetta indica che questo giovane un tempo decorava la parte superiore di un candelabro. Lo stile sia della base che del viso del giovane suggeriscono che la statuetta sia stata realizzata nella città di Vulci.

Cavallo e cavaliere Vulciano, Verso la metà del VI secolo a.C. La testa e il viso del cavaliere sono purtroppo tristemente sfigurati, la gamba e il piede destro inferiori danneggiati. Il cavaliere appartiene a un gruppo di sculture funerarie realizzate per essere poste all'ingresso delle tombe. La criniera del cavallo, ancora visibile a destra, era probabilmente intrecciata in cima.

Balsamarium (testa femminile) Etrusco, III secolo a.C. Si pensa che i vasi a forma di testa rappresentino Turan (Afrodite) o Lasa. Un articolo da toilette della signora, probabilmente servivano per sostanze profumate, ma assolvevano anche a una funzione funeraria e accompagnavano il defunto alla sua tomba. Questi vasi, solitamente abbastanza stereotipati, hanno un'espressione un po' noiosa in linea con una produzione di massa questo esemplare è insolito nella sua raffinatezza e con il suo impercettibile sorriso evanescente è davvero una deliziosa espressione di femminilità in Etruria.


Podcast Episodio 32 l Dimentica i romani, incontra gli etruschi

Gli Etruschi abitarono l'Italia molto prima dei Romani, che adottarono molte delle loro pratiche e della loro cultura.

Saima Baig

Sono un Chartered Environmentalist della Royal Society for the Environment, Regno Unito e comproprietario di DoLocal Digital Marketing Agency Ltd, con un Master of Environmental Management presso la Yale University, un MBA in Finance e un Bachelor of Science in Physics and Mathematics. Sono appassionato di scienza, storia e ambiente e amo creare contenuti su questi argomenti.


Navi

Mentre le strade dell'interno erano importanti, il commercio a lunga distanza doveva avvenire via mare. Gli Etruschi erano noti per la loro arte marinara, che consentiva loro di commerciare liberamente in tutto il Mediterraneo.

Nave mercantile da un affresco tombale a Tarquinia

Cosa commerciavano gli Etruschi? Volevano l'ambra. Questo prezioso ingrediente veniva utilizzato in gioielleria e nei riti religiosi, e proveniva dal Mar Baltico a nord. Una volta che l'ambra arrivò in Italia dal nord Europa, gli Etruschi la commerciavano via mare con aree di tutto il Mediterraneo e più a est.

Sull'Adriatico gli Etruschi stabilirono per il commercio est-ovest il porto di Spina, sotto l'odierna Venezia. Da Spina esportarono i propri prodotti finiti, in particolare gioielli, e importarono un gran numero di vasi greci nel V secolo a.C. (Quasi tutti gli antichi vasi greci ora conservati in musei di livello mondiale, come il Met di New York, provenivano da siti etruschi scavati in età moderna.)


Tegola Etrusca Menade - Storia

L'utilizzo della Terracotta per la produzione di coppi come materiale di copertura, risale a tempi antichissimi, a tal proposito distinguiamo due tipologie fondamentali di tegole:

Tegola a botte – Detta anche coppo in italiano, di forma cilindrica, leggermente rastremata (sezione conica). È la forma più antica.

Piastrella piana – Presente in numerose varianti geografiche, a seconda che fosse utilizzata sia come calotta che come tegame, o solitamente come calotta per coppo. In quest'ultimo caso sono ora conosciuti come “Roman Pans.”

Le piastrelle di argilla refrattaria sono state utilizzate dalla civiltà mesopotamica a quella greca, etrusco-italica, romana e bizantina: una storia antica che si dipana, senza soluzione di continuità, fino ai giorni nostri. È durante il periodo ellenistico che le tegole in laterizio evolvono in un prodotto edilizio specializzato, sia dal punto di vista tecnologico/funzionale che estetico.
È interessante notare che in Grecia – dove c'era un uso limitato di mattoni di argilla, sia crudi che cotti, a causa dell'abbondanza di pietre e marmi, c'era un ampio uso di tegole in terracotta. La necessità di proteggere e decorare i templi, realizzati con materiali più deperibili (legno, argilla di mattoni di fango), ha portato i produttori greci a perfezionare e adottare rivestimenti in argilla refrattaria su larga scala.
Nel Peloponneso avviene l'evoluzione del tetto a capanna con pendenza limitata, con frontone e copertura in tegole in cotto, divenendo presto la caratteristica più apprezzata per gli edifici monumentali. Si diffuse poi in tutte le regioni colonizzate dell'Asia Minore, della Sicilia e della Magna Grecia.

In età ellenistica si svilupparono due sistemi molto diversi di copertura in cotto, sia per la tipologia delle tegole, sia per la forma e il colore della decorazione: il tetto spartano e il tetto corinzio. Quello corinzio, più articolato e decorato, sostituì il tetto spartano del VI secolo a.C.

Il tetto spartano consisteva fondamentalmente in tegole a botte (semicilindriche) che si sovrapponevano l'una all'altra come calotte e tegami alternativamente. Il tetto corinzio, più complicato, presenta nelle sue prime fasi un'ampia varietà di forme: tegole piane con margini laterali curvi o rialzati ad angolo retto (conosciute oggi come Roman Pans perché divennero popolari in epoca romana) e la botte o triangolare piastrelle come tappi. A volte questi erano fatti di un unico pezzo (un Capostipite della “S-tegola”) che conosciamo oggi. Sono state create altre piastrelle speciali che vediamo ancora oggi: ad esempio le piastrelle di colmo dedicate. L'ultimo elemento del tetto sarebbero le antefisse – blocchi verticali che terminano le tegole di copertura di un tetto di tegole, con un obiettivo decorativo e pratico allo stesso tempo, ornando l'edificio e impedendo agli uccelli di nidificare all'interno del foro – concepito come una semplice chiusura dell'estremità del Pan romano, con una palmetta in rilievo.

Ricostruzione del rivestimento del tetto di un tempio greco (G. A. Breymann, 1885)*

Colonie greche della Sicilia occidentale e della Magna Grecia, svilupparono un sistema di tegole in laterizio che presenta tratti di originalità per cui possiamo effettivamente identificare un terzo tipo detto siciliano o ionico. La caratteristica di questo sistema è rappresentata dalle tegole piane abbinate a tegole semicilindriche. Ciò che più distingueva il tetto siciliano da quello spartano e corinzio, però, è l'assenza di antefisse e la povertà degli ornamenti a rilievo.

Anche nell'architettura etrusca, che ha preceduto e si è sviluppata per alcuni secoli contemporaneamente a quella romana, l'uso di elementi in terracotta per il rivestimento dei tetti aveva una lunga e importante tradizione.

Il tipico tetto etrusco è estremamente decorato e colorato. Il colmo del tetto è caratterizzato da grandi tegole ornate da fantastiche figure di belve o antenati divinizzati la linea di gronda è chiusa dalle antefisse, spesso rappresentanti volti mostruosi, comici e bizzarri. I tipi di tegole utilizzate dagli Etruschi sono piatte ea forma di botte e si sovrappongono l'una all'altra. Abbiamo anche esempi di Pan romani ornati con una testa di grifone.

Ricostruzione di un tempio etrusco, secondo le indicazioni del De Architectura di Vitruvio. (F. Bombardi, 1990)*

Il rivestimento del tetto in laterizio dei templi etruschi, del VI secolo a.C., mostra influssi dal mondo greco sotto forma di tegole piatte e semicilindriche lo stesso avviene con le antefisse femminili a forma di testa.

La copertura del tetto utilizzata dai romani, segue direttamente quella etrusca e greca, in particolare quella siciliana: le tegole piane si sovrappongono trasversalmente nel senso della pendenza del tetto. Le tegole a botte sono generalmente poste a copertura delle connessioni laterali delle tegole. I cappucci traingolari scompaiono a favore della forma a botte affusolata con un'estremità più larga dell'altra per facilitare l'installazione.

Esempio di tetto romano realizzato sia a botte che in coppi.

Le tegole romane hanno una forma piuttosto standard (rettangolare o trapezoidale), mentre ci sono diverse variabili per quanto riguarda le dimensioni. Come le tegole piatte, anche le tegole romane a botte hanno poche varianti: prevalentemente la forma a botte è ora la forma preferita e il coice ha i bordi dritti o affusolati per adattarsi alle pentole rettangolari o trapezoidali. Il loro tipico colore bruno-rossastro era dovuto ad una forte cottura necessaria per rendere tali prodotti, per loro natura porosi, più impermeabili.

La stessa tecnologia sviluppata dai Romani sopravvisse alla caduta dell'Impero d'Occidente, trasmigrando in Europa e, in particolare, nell'Italia dell'Alto Medioevo. I monumentali edifici pubblici romani, molti dei quali caduti in disuso, erano visti come importanti depositi di pietre, mattoni e tegole.

Durante il tardo medioevo ci furono tentativi di standardizzare la produzione di laterizi. Tra tutti gli artigiani attivi nei vari campi della produzione edilizia, gli operai delle fornaci erano i più soggetti a regolamentazione. I governi hanno tentato di controllare i prezzi dei mattoni per proteggere l'interesse pubblico nell'area che copriva il materiale da costruzione di base. Divenne indispensabile controllare la dimensione dei mattoni, in quanto il fornaciaio, quando si trattava di un prezzo fisso di vendita, era tentato di tagliare i costi riducendo le dimensioni del prodotto. Così dalla seconda metà del XIII secolo in poi gli statuti comunali di Venezia, Padova, Pisa, Roma, Siena e altre città’ fissarono le misure per i mattoni e i sacchi di calce e regolarono i prezzi per ogni tipologia di prodotto. ​Gli statuti comunali costruivano modelli di mattoni che venivano usati come unità di misura ufficiale. A volte il modello ufficiale era accessibile ed esposto permanentemente in un luogo pubblico. Una città dove si possono ancora vedere in mostra al pubblico campioni di mattoni e tegole è, tra le altre, Assisi. Alla base della torre del Palazzo del Capitano del Popolo è presente uno strumento dimensionale di riferimento (“Abaco”) per le misure comunali per coppi e laterizi in cotto, con iscrizione recante la data del 1349.

Abaco per i provvedimenti comunali per tegole in cotto e mattoni alla base della torre del Palazzo del Capitano del Popolo, Assisi, Italia.*

Una leggenda narra che la tipica forma a botte ricurva derivi dalla lavorazione, che un tempo avveniva sulla sommità della coscia del muratore. In realtà le tegole furono “formate” – questo è il termine esatto – in uno stampo di legno, preparato da un operaio. La forma era convessa e aveva gli spigoli sui 4 lati, spigoli che permettevano la compressione manuale dell'argilla fangosa, detta marna. Le linee sul retro della piastrella sono originate dalle impronte del muratore, che pressava l'argilla in forma per 600/700, anche 800 volte al giorno. Dopo la pressatura, il manufatto è stato lasciato essiccare al sole per almeno una/due ore. Una volta utilizzate tutte le forme di legno, il muratore sbucciava le piastrelle grezze e le metteva in un letto di sabbia per farle asciugare. Dopo 20/30 giorni di essiccazione sono stati posti in forno e cotti per diversi giorni.

Per consentire un efficiente deflusso delle acque piovane, l'utilizzo delle tegole doveva essere necessariamente associato alla realizzazione di tetti a falde, ciò significa che le tegole sono state il sistema di copertura esclusivo fino all'avvento del cemento armato (inizio 1900), che ha permesso la realizzazione di coperture piane, impermeabilizzate mediante applicazione di carta catramata. L'uso delle piastrelle rimane estremamente diffuso per ragioni estetiche, di conservazione del patrimonio paesaggistico e storico, e anche per l'efficienza del materiale in termini di isolamento termico e idrico.

Tetti Romani: rattoppare i tetti è un processo organico e continuo.

Data l'estrema diversità dei contesti geografici in cui le piastrelle venivano utilizzate in Europa, era inevitabile che si sarebbero evolute in varie forme e dimensioni.

La tegola può variare anche a seconda della sua posizione sul tetto (ad esempio quelle sul colmo sono più grandi di quelle sulle zone in pendenza). Il colore delle piastrelle è un'altra variabile importante: cambia a seconda delle diverse regioni geografiche perché argille diverse producono piastrelle di colore diverso, ma anche tempi di cottura e temperature diverse influiscono sul colore finale.

Questo è ancora il tipo di copertura più comune nei paesi mediterranei ed è ancora considerato molto conveniente.

Le caratteristiche che caratterizzano le tegole in cotto e le rendono la scelta più apprezzata sono:

  • Ottima resistenza all'acqua e al gelo.
  • Isolamento termico eccezionale riducendo la perdita o il guadagno di calore indesiderato e diminuendo il fabbisogno energetico del sistema di riscaldamento e raffreddamento.
  • Longevità, una vita misurata in secoli.
  • Porosità, che permette ai vapori formatisi sotto il tetto di essere assorbiti e poi evaporati all'esterno.
  • Versatilità architettonica.

In Europa sono numerosi i centri di produzione di tegole in laterizio che utilizzano sia tecniche tradizionali che materiali e design innovativi.

È importante dire che sta diventando sempre più popolare nel settore delle costruzioni e dell'architettura recuperare, rivendere e riutilizzare vecchie piastrelle, che hanno un fascino unico e sorprendente dovuto al tempo, all'usura e al carattere.

* Immagini da Tetti in Laterizio di Alfonso Acocella, Editore Laterconsult, Roma, 1994


Catalogo Etruria I: Terrecotte architettoniche e placche murali dipinte, Pinakes c. 625-200 aC

Questo catalogo documenta la collezione di terrecotte architettoniche e placche (pinakes) nella Ny Carlsberg Glyptotek. Alcuni pezzi architettonici, come le sime, le antefisse e le placche di rivestimento, erano modellati e quindi prodotti in serie, mentre altri, come gli acroteri, un singolo antepagmentum e le placche columen e mutulus, erano generalmente modellati a mano. I pinakes sono stati dipinti individualmente per le pareti sia degli edifici religiosi che delle camere funerarie.

Il catalogo si apre con una prefazione che spiega la storia della collezione. Fu assemblato principalmente dal fondatore del museo, Carl Jacobsen, nel 1890, ma parti, comprese le placche a muro, furono aggiunte nel 1977-1978 e nel 1990 fu fatto un prestito a lungo termine di frammenti di placche di rivestimento. i pezzi acquistati nel 1977- 1978 sono stati recentemente oggetto di una causa. Queste furono le ultime acquisizioni del museo dal mercato internazionale dell'arte ea causa della perdita di informazioni derivante da tali acquisti, il museo ha cessato di raccogliere. Prevede invece di integrare le mostre del proprio materiale attraverso scambi e prestiti a lungo termine.

Nell'Introduzione, Winter presenta una panoramica dell'architettura etrusca, comprese le case, gli edifici comunali e i templi, e dettaglia i componenti di un tetto in terracotta. Così facendo, individua e localizza i singoli elementi, citando i numeri delle voci corrispondenti nel catalogo. Quindi discute le tecniche di produzione e gli stili (o sistemi) di decorazione, che sono anche rappresentati nella collezione. Si tratta di informazioni importanti per coloro che visitano il museo o semplicemente sfogliando il catalogo, che potrebbero non avere familiarità con la decorazione etrusca del tetto e delle pareti. Inoltre, lo studioso dell'arte etrusca trarrà beneficio dallo sviluppo cronologico di forme (es. simas e placche a columen e mutulus) e motivi (soprattutto per antefisse e placche da rivestimento) e dalla correlazione, in alcuni casi, di specifici tipi decorativi con le dimensioni di un edificio o la loro posizione su di esso (ad es. antefisse, placche di rivestimento).

Christiansen offre un'analisi simile, ma più breve, per le placche murali in terracotta. In contrasto con la posizione esterna delle terrecotte architettoniche, questi pinakes erano usati principalmente all'interno. Caere ha prodotto gli esempi più noti e questi sono citati per informazioni su dimensioni, tecnica di costruzione, composizione della decorazione pittorica e metodo di applicazione. Le origini delle placche a muro nella Glyptotek sono sconosciute, ma Christiansen nota la loro somiglianza con quelle di Caere. Tutti sono frammentari, consentendo al massimo la ricostruzione dei motivi, ma non delle dimensioni originali.

Segue un catalogo del materiale, con contributi di entrambi gli autori. Si inizia con un'intera copertura etrusco-ionica e si prosegue con elementi ormai isolati organizzati per tipologia. (Vedi elenco dei capitoli.) Ogni oggetto è descritto e datato, con ricostruzioni per alcuni e fotografie per quasi tutti. I singoli pezzi sono identificati da numeri di inventario e discussi in termini di dimensioni, condizioni, tecnica di fabbricazione, materiale, data di acquisizione e probabile luogo di origine. La maggior parte, ma non tutti, di questi oggetti sono stati pubblicati altrove e tali informazioni vengono fornite, spesso insieme a fonti per esempi correlati. Il catalogo è quindi molto dettagliato e informativo.

Ciò che è notevole della collezione è la sua gamma sia di data che di tipo, e la sua qualità generalmente elevata. I resti di due protomai leonini un tempo attaccati a tegole di copertura (n. 5) sono collocati già nell'ultimo quarto del VII secolo e si collocano quindi all'inizio della decorazione architettonica in Etruria. Una figura alata probabilmente staccata da un'altra tegola (n. 6) riflette tipi del periodo orientalizzante, sebbene datata 600-580 a.C. All'altra estremità dello spettro cronologico sono una sima rastremata in rilievo con teste femminili e mute alternate che sorgono da grappoli d'acanto (n. 12) e un'antefissa a testa femminile (n. 21), entrambe del II secolo a.C. e forse lo stesso tetto. La maggior parte dei pezzi, tuttavia, risale al VI secolo, il che non sorprende vista l'enorme produzione in quel periodo. 1

Nonostante siano rappresentati tutti i componenti di un tetto etrusco, le antefisse costituiscono il grosso della collezione, probabilmente anche per ragioni produttive. Un gran numero di antefisse recano una testa femminile, disadorna o impreziosita da un diadema, un tutulo, una cornice di conchiglia o una cornice di conchiglia floreale. Gli esempi vanno in data da ca. 540 a.C. all'epoca ellenistica. Altre antefisse mostrano la testa di Acheloo o un silen, anch'esso racchiuso in una conchiglia o, per quest'ultimo, una cornice floreale di conchiglia. Il telaio a conchiglia, costituito da una serie di foglie o lingue che racchiudono fasce in rilievo, è caratteristico dei tetti nella regione meridionale italiana della Campania. Nella collezione Glyptotek sono presenti esemplari dei tre tipi (nn. 26-28), con testa femminile, palmetta rovesciata e gorgoneion, racchiusi ciascuno in una cornice di conchiglia, che decoravano il Tempio della Mater Matuta a Satricum, in Campania. Inoltre, la Glyptotek di Ny Carlsberg possiede una serie di antefisse a figura intera, risultato dell'aumento delle dimensioni dei templi, e quindi della loro decorazione, a cavallo tra il VI e il V secolo. Questi oggetti mostrano una varietà di rappresentazioni, tra cui una menade singola (n. 38), una menade e un silen (in diverse versioni, nn. 39, 44), un silen seduto (n. 43), una figura che corre (identificata come Phosphoros , n. 40), Typhon (n. 42), e Potnia Theron (n. 41), quest'ultima di epoca ellenistica.

Next in number are revetment plaques, nearly all of which belong to the 6 th century. Several preserve color, including two sets in low relief in white-on-red decoration (nos. 55-56), two others in higher relief with black, white, and various shades of brown and red (nos. 59-60), a number of plaques with varied, and often unusual, themes rendered only in paint (nos. 62-66), and four fragments preserving floral relief in red, black, and white or pink (no. 67).

Especially striking are the acroteria, which were generally executed in the round and largely, if not entirely, handmade. These include a female head (no. 68) now attributed to a ridge statue of the second Temple of Mater Matuta in the San Omobono sanctuary in Rome, and fragments of at least two sphinxes (no. 69), a hippocamp with rider (no. 70), a male figure, possibly Herakles (no. 71), and a likely Harpy flanked by volutes (no. 72).

In addition, rider acroteria placed atop a raking sima can be reconstructed from fragments in the Ny Carlsberg Glyptotek (no. 73) and elsewhere. The acroteria were of two types made from very similar moulds : a single Amazon on a pair of horses to right and two warriors, each on his own horse, to left. The two groups would have appearedto ride toward the apex of the temple, which was occupied by a striding-warrior acroterion (no. 74), while the columen and mutulus plaques below were also decorated with warriors in relief (no. 75). All these figures are approximately one-quarter life size and are united as well by stylistic and technical characteristics. Patricia Lulof, who authored the entries, explains that all pieces were found in excavations of 1869-1870 at Caere and belong to the roof of a temple there.

The wall plaques (pinakes) show finely executed representations of the Archaic period and slightly later, but their fragmentary nature makes identification of the scenes uncertain. One (no. 78) may depict the Judgment of Paris and a three-part series (no. 79) is attributed to a narrative frieze of ritual or mythological content. A plaque showing a warrior with parts of another extending over the finished edge (no. 80) and a fragment with a male figure divided by a joint (no. 81) provide further evidence that a single pinax may not be complete in itself. At the same time, the collection contains at least one, and probably two, narrow plaques, each of which bears a fully contained figure (no. 85). These are tentatively identified as revetments flanking a doorway or window.

A bibliography appears at the end of the book, which provides citations for sources and abbreviations noted in the text. Since the authors mention developments in Campanian antefixes that subsequently impacted those of Etruria (p. 18), a brief bibliography of Campanian terracottas would have been useful. Besides articles by various scholars, one might cite the book by C. Rescigno, Tetti campani, età arcaica: Cuma, Pitecusa e gli altri contesti. Rome: G. Bretschneider, 1998.

Overall, this publication provides an excellent background to Etruscan architectural decoration and a thorough documentation of the important pieces in the Ny Carlsberg Glyptotek. The reader is aided by clear descriptions and illustrations, even for fragmentary items. Reconstructions are offered for many compositions and are particularly helpful for the unusual pediment represented by Amazon- and warrior- acroteria ascending the sima (no. 73). Another unusual arrangement, consisting of a hand-made depiction of Herakles attached to the corner of a raking sima and of snake heads, perhaps of the Lernean Hydra, rising above (nos. 9-10), would also have benefited from a reconstruction drawing. Similarly, the tentative assignment of an elaborate raking sima (no. 13), small female head antefixes (no. 48) and large female- and silen-head antefixes (nos. 49-50) to separate locations on a single late 4 th century roof, and of a lateral sima (no. 15) and revetment plaques (nos. 53-54) to another, much earlier (ca. 580 B.C.) roof, could be better envisioned with reconstructions. Such drawings would further enhance the impressiveness of this publication.

Sommario

Foreword, 7-10
Introduction, 11-24
Catalogue, 25
The Architectural Terracottas, 27
Etrusco-Ionian Roof, 27-33
Cover Tiles, 34-37
Raking Simas, 38-53
Lateral Simas, 54-55
Antefixes, 56-113
Revetment Plaques, 114-139
Acroteria, 140-159
Columen and Mutulus Plaques, 160-171
The Painted Wall Plaques, Pinakes, 172-191
Bibliography, 192-196
Concordance, 197-198


Ceramics, Metalwork, Sculpture.

Ceramica

Etruscan pottery terracotta overcoat technique was widely used in sculpture, in the production of masks and decoration of sarcophagi. The most splendid pottery recovered in the necropolis of Etruria were essentially imported from the cities of Greece and the Greece Magna, forming part of the network of exchanges and business between Etruscans and Greeks, but we find that along with these imported works were other local production that mimicked the first, about all those that were carried out in the attic and Corinthian style, which had a price more affordable and economical that the imported. The fact about these works less price did not indicate anything were of lesser quality since it is difficult to distinguish between the imported from the local.

Some ceramic Greek teachers (as Demerito di Corinto) then opened workshops specialized in the major cities of Etruria, disseminating their work systems: they taught how to debug and waterproof clay, also introduced the use of winch, introduced new forms of decoration painted with colors made on mineral bases as well of the popular Greek style ceramic realization. The geometric style is stylized, and goes from being of naturalistic character to offering inspirations based on episodes from mythology.

Il più prominente Etruscan ceramic is performed in the technique of Bucchero (derived from the Spanish word Bucaro) which is a ceramic made using a much more refined clay and whose termination is much more polished since they use a rich thin grain of iron. Its texture was fragile and porous, black or dark grey becoming bright and beautiful when they were polished. This type of pottery was produced from the middle of the 7th century BC.

Baking this ceramic in a smoked atmosphere devoid of oxygen to reduced the porosity of the surface of the object to be impregnated of carbon particles. This type of technique was formerly known by other cultures before them, but the Etruscans raise it to a degree of perfection by using refined clay resulting in even more uniform black. This ceramic Bucchero in an initial archaic period of its realization was a bit loaded and tended to be profusely decorated and at the V century B.C the production of these type of ceramic stopped.

Approximately in the year 550 BC black-figure Corinthians pottery was the one that kept dominating the market preference of Etruria. It Is known that master potters from Ionia not only dominated the Etruscan market, but even went on to productions in the same Etruria. The ceramic Caeretan hydrae were extremely important and were made in Cerveteri. Master Athenian potters even export to Etruria a special production line when black-figure pottery and also the red figures began to gain in popularity and demand therefore to dominate the market.

Meanwhile the Etruscan ceramists produced pottery black figures but with great Greek influence in its forms and designs. They later also produced red-figure pottery around the V century BC, but rather doing them following the so-called attic style that was performed in the city of Vulci and Civita Castellany. Glazed Black ceramic came to also have popularity as well as that it produced with silver colors that imitated the metal very sophisticated these one that were a success in business and were of great demand during the Hellenistic period, producing them in the central region of Etruria.

Scultura

The Etruscans did not used marble despite its Greek influence in their sculptural productions, however the terracotta and local stones were widely used above all for the production of bas-reliefs, funeral and religious sculptures to decorate the temples. Sculptures were also produced for the decoration of the houses of the wealthy people who could afford them.

Bronze sculptures

However when they were made in bronze these sculptures were only for the decoration of religious and funerary theme. The topics of everyday life, or profane nature according to the evidence preserved until now do not show that they have been prepared using the bronze.

– The highlight of the Etruscan sculpturein bronze was the “Capitoline wolf” made around the 5th century B.C presumably in the first half of this century and whose known image is shown in the article devoted to the history and Etruscan culture on this site.

– Il chimera of Arezzo (380 – 360) BC the Greek classical models of Praxiteles and Scopas-related.

– The Marte of Tody. This sculpture shows already elements of Greek classical models of schools of Phidias and Policleto.

Sculptures in terracotta (Coroplastia)

The terracotta was used for elements of architectural production such as

  • Plates
  • Antefixa (an ornamental edging on the eaves of an ancient building with a tiled roof that hides the joints of the roof tiles)
  • Acroterion (an architectural ornament placed on a flat base called the acroter or plinth). Stand out the productions in the city of Caere. The most important example is the sarcophagus of the spouses made in the period around 530-520 BC.

Sculptures of religious and mythological subjects were produced in the city of Veii. As an important example of those productions is The Apollo sculpture around the VI century B.C and is a representation of God’s natural size. Other Etruscan sculptures discovered at the same place of worship in Veii are made with the technique of modeling and archaic representation elements from the influence of Greece and were intended to decorate the top of the temple. Stands out the name of Vulca (Etruscan sculptor from this region of Veii) to who is attributed the statue of Jupiter and Hercules.

The reliefs found mainly associated with funerary art (Since have not been reached enough samples of decorative reliefs made with different purpose to evaluate them), are composed of funeral steles, cippi and sarcophagi as well as crematories urns and reliefs on the walls. They tell about the life of the deceased and thank to this information we have been able to obtain valuable data related to the Etruscan culture.

Jewelry and metal work of the Etruscan Art.

Stand out in the preparation of refined and original gold and silver artifacts such as pins, bracelets, rings, necklaces, jewelry for personal adornment, house goods decoration, daggers, shields, swords and pectoral amongst other many items thanks to the metallurgical development reached by several Etruscan cities.

In a first period the archaistic influence from the techniques of master Jewelers of Greece with strong Orientalizante influence stands out in the 7th and 6th BC.

The Etruscan developed wonderful pieces using metal with techniques such as the grain, watermark and embossment. By evidence found in the city of Vetulonia of small unfinished blocks in ivory it is known that there was a local production. Over time the local craftsmen progressively adapted their work to the specific characteristics and taste of the Etruscan Art. A little more freedom in forms were placed but making sure nevertheless that the beauty and perfection of the art pieces remains.

They worked silver and other metals producing various with strong Oriental influence. Some objects as for example metal vessels made in order to contain wine were reproduced in bronze, as well as other various objects including hand mirrors depicting a few of them mythological scenes as well as scenes of the everyday life. They had in many cases inscriptions with short messages, by this one it can be deducted that the main Etruscan women clients of these mirrors could read, at least the aristocratic woman’s who could afforded.

Etruscan objects for decorative use.

Beautiful objects made of ivory and amber were primarily made for jewelry and other body ornaments like Combs. Some small vessels to contain perfumes and ointments were found. Semiprecious stones cut in required forms to complement the decoration of rings, necklaces and earrings were made with expertise and attention to detail. It still amazes the ability of these master craftsmen who with tools today for us rudimentary, managed objects of so much beauty.

It is true Yes, that the Etruscans had a strong Greek influence in their works of art that they imitated them because they appreciate the perfection of their work and skills which is perfectly related with the tastes and characteristics of their own culture, but from there to say as others have said that they were mere imitators without intentions of creating their own style It really is an injustice to affirm a testimony like that without even have all the elements because many have been lost.

Deny that the Etruscan artwould have its own identity by the mere fact they used Greek skills and techniques It is going too far in the waters of ignorance and give too little credit to a culture that it is now that it is beginning to know its history and legacy a little better. The Greek techniques by the way were more than tested to work perfectly fine related to the taste of that period in history and also had great demand thanks to the perfection and beauty with which they were created so why the Etruscan should not imitated them is they fix perfectly for their purpose? Is not easy to take some other culture techniques and style to make them your own but they overcome the challenge nevertheless with success.


BLACK IS BEAUTIFUL!

A Black Man’s Head Protects Sanctity of Ancient Italian Temple
Image of the Week: The black man represented “otherness” and therefore had the ability to protect the community from harm. BY: IMAGE OF THE BLACK IN WESTERN ART ARCHIVE
Posted: July 29 2014 3:00 AM
3 2

Etruscan antefix, first half of the fifth century B.C. Polychromed terra-cotta, 25 cm high. MENIL COLLECTION, HOUSTON
This image is part of a weekly series that The Root is presenting in conjunction with the Image of the Black in Western Art Archive at Harvard University’s W.E.B. Du Bois Research Institute, part of the Hutchins Center for African and African American Research.

The head of a black man seen here, enclosed in a shell-like frame and painted in naturalistic colors, represents a key piece of sacred imagery produced by the rich but still imperfectly understood culture of ancient Etruria. This loose confederation of city-states dominated much of the central Italian peninsula for several centuries until its absorption by the Roman Republic by the first century B.C.

Though damaged, the terra-cotta plaque still communicates much of its original expressive effect. It was produced through the pressing of damp clay into a mold, a technique ideal for the extensive replication of a single motif across the facade of the temple. Known as an antefix, it once formed the end of a clay roof tile that capped the sloping roof of the sanctuary. These painted reliefs ran along the eaves of the building as a horizontal series of functional ornaments. As one approached the structure, the pitched roof would recede from view, leaving the row of terra-cotta antefixes isolated against the sky.

This work comes from an unidentified temple located in the southern zone of Etruscan territory at the present-day Italian town of Cerveteri. To the Romans it was known as Caere, but to the Etruscans themselves it was called Cisra. Situated near the sea, the sizable settlement was an important center of international trade and controlled much of the area around it.

The aesthetic experience of an ancient Etruscan temple was quite different from that of Greek sanctuaries such as the Parthenon and numerous kindred examples. The visual effect of the temple, raised on a high base and topped by a massive, overhanging roof, was dominated by a deep porch supported by massive wooden columns. Distinguishing it even further from its Greek counterparts was the wealth of painted terra-cotta sculpture fixed along key points of the exterior. Because of the use of impermanent materials such as wood and mud brick for the structure itself, Etruscan temples survive almost solely as accumulations of this clay decoration.

Seen in isolation here, the head of the black man once played an integral role in the spiritual functioning of the structure. Current scholarship has interpreted these heads as boundary figures, separating the mundane world from the sacred precinct of the temple. Not merely decorative, they had an inherent purpose to ward off demonic influences that might disturb the veneration of the deity. That the black head served this purpose is demonstrated not only by the archaeological evidence but also by the representation of black people in contemporary art and literature of the Mediterranean world.

At Pyrgi, a port town located not far from where this antefix was found, another temple site has yielded several successive sets of related tile covers. The concept of blackness consistently occurs throughout these groups. For instance, two of the sets of antefixes juxtapose black and white maenads, the female followers of Dionysus, the “good god” of wine and revelry. A subsequent set of these tiles featured black male heads alternating with those of white maenads. The antefix seen here most likely appeared in a similar context of meaning.

The use in a religious context of imagery related to the often rambunctious god of intoxication may at first seem incongruous, but it was quite in keeping with the strong sense of complementarity that ruled the ancient world. Although the gods themselves often behaved capriciously, beyond their usually benign presence lay a vast array of destabilizing forces. Antefixes with heads of the followers of Dionysus probably served an apotropaic function—that is, they were placed along the exterior of the temple to ward off any malign influences that might threaten the harmony of the divine precinct.

According to the ancient Greek author Plutarch, envious looks were diverted by unusual and often disturbing imagery before they could do any harm. Like the followers of Dionysus, the black man represented a foreign presence in the ancient Mediterranean consciousness and therefore was endowed with the ability to protect the community from harm. Thus concretized and focused, the black head became a familiar aspect of otherness among the Etruscans.

It is worth mentioning that an African form of Dionysus was venerated in Egypt well before the time this antefix was created. In this guise, the god of wine was the son of Ammon, the chief deity of the Egyptian pantheon. The cult of Ammon first arose in the black African kingdom of Meroe, later known as Nubia. A further association is thereby established between the cult of Dionysus and the origins of the black man on the antefix.

Though the Etruscans were almost certainly acquainted with actual black people through their far-flung trading network, the motif of the black head seems to have entered their visual vocabulary through a more formal process of artistic transmission. A likely source of the black-head antefix is an unusual group of vases with paired heads created by Athenian potters during this same period. At least two such vases have been excavated at Etruscan sites.

These distinctive works have been thoroughly analyzed by the scholar Frank Snowden. Known as janiform vases, these vessels usually feature a carefully modeled black male or female head conjoined with that of a distinctly contrasting type. Frequently, the image of Dionysian satyrs, or “barbarians,” occurs opposite the black face, a combination recalling the alternating types of Etruscan antefixes.

It is significant that representations of people of African descent focus solely on the head when they make their first appearance in Mediterranean art. The image of the black was initially imbued with a strongly symbolic meaning, a quality most effectively conveyed by the distinctive features of the head.

Interestingly, the same potent strategy would again be employed at a much later, distinctly different phase of European history. At a time during the Middle Ages when the direct awareness of black people was just beginning, the use of the “Moor’s head” as a heraldic device on flags and coats of arms carried with it a similar conception of the black as a signifier of both foreignness and great power.

The Image of the Black in Western Art Archive resides at Harvard University’s W.E.B. Du Bois Research Institute, part of the Hutchins Center for African and African American Research. The founding director of the Hutchins Center is Henry Louis Gates Jr., who is also The Root’s editor-in-chief. The archive and Harvard University Press collaborated to create The Image of the Black in Western Art book series, eight volumes of which were edited by Gates and David Bindman and published by Harvard University Press. Text for each Image of the Week is written by Sheldon Cheek.

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