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Il progetto dell'artista: oro precolombiano - Teresita Fernández

Il progetto dell'artista: oro precolombiano - Teresita Fernández

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Teresita Fernández sull'oro precolombiano

"Sappiamo che questo rappresenta la grandezza, eppure abbiamo solo una manciata di esempi per indicarlo".

The Artist Project è una serie online del 2015 in cui diamo agli artisti l'opportunità di rispondere alla nostra collezione enciclopedica.


Unearthing Place: Intervista a Teresita Fernández

Fata Morgana, 2015. Vista dell'installazione. Madision Square Park, New York
2015-2016. © Teresita Fernández. Foto: Elisabeth Bernstein. Per gentile concessione dell'artista, Lehmann Maupin, New York e Hong Kong, e Anthony Meier Fine Arts, San Francisco.

TAttraverso le sue sculture, disegni e installazioni, l'artista Teresita Fernández espande costantemente la definizione di paesaggio, spostando le nozioni di luogo in un regno concettuale che seduce e sfida lo spettatore. La domanda Dove sono? si gonfia in Cos'è successo qua?, Chi è stato qui prima di me?, accanto al più metafisico In che modo la mia presenza definisce questo luogo e la mia esperienza di esso?

Lindsey Davis: Hai detto che la parola "paesaggio" è spesso usata pigramente. Vedo il tuo lavoro come creare paesaggi scultorei, uno con un'enfasi sulla TERRA e un "paesaggio che richiede che i corpi si muovano dentro e intorno ad esso. Come vedi il tuo lavoro che utilizza le nozioni tradizionali di paesaggio e come lo vedi lavorare contro quelle stesse nozioni?

Teresita Fernández: Raccolgo da molte idee consolidate di paesaggio, ma le metto anche in discussione e cerco di fornire una serie di obiettivi molto diversa per amplificare il significato della parola "paesaggio". E quindi, quando dico che è usato in modo pigro, significa che, specialmente per l'Occidente, usiamo quella parola per indicare più o meno una rappresentazione pittorica tradizionale che deriva dalla pittura di paesaggio europea e/o dalla pittura di paesaggio americana. E quindi questa è una nozione molto limitata di cosa sia l'idea di paesaggio, specialmente se guardi alle tradizioni non occidentali, e non solo alle tradizioni, ma alle concettualizzazioni di cosa sono il luogo e il paesaggio. È un linguaggio completamente diverso e un insieme di punti di riferimento completamente diverso per comprendere questa idea di luogo e il proprio posizionamento come un'estensione.

Terra Cieca (Specchio Verde), 2013. Due strati di acciaio inossidabile lucidato con taglio di precisione, 46,5 x 70,5 pollici. Courtesy l'artista e Lehmann Maupin, New York e Hong Kong.

LD: L'antropomorfismo nelle tue sculture sembra dare al tuo lavoro una sensazione fantastica, come se provenissero da un altro pianeta simile al nostro, o che gli elementi del nostro mondo fossero visti attraverso un prisma di sobria eleganza. C'è un luogo particolare in cui speri che il tuo lavoro trasporti gli spettatori o una sensazione particolare che speri dia loro?

TF: Più che una sensazione particolare, la reazione che apprezzo di più nello spettatore è quella di intimità. Se pensi ai luoghi con cui hai una connessione, hai un'intimità molto soggettiva e molto personale con quei luoghi.

Quello che sto chiedendo è “dove sono? Come esiste questo luogo nel nostro immaginario collettivo?” In questo modo, il paesaggio arriva a significare una nozione totalmente costruita che è molto lontana da qualunque vista fisica sia di fronte a te.

Quel senso di intimità è, credo, ciò che è trasportatore. È un'idea legata alla fenomenologia che riguarda, in mancanza di una parola migliore, una sorta di fantasticare ad occhi aperti. Si tratta di proiettarsi su qualcosa e muoversi attraverso uno spazio senza necessariamente attraversarlo fisicamente. È un modo diverso di abitare un luogo, o un altro aspetto, diciamo, di abitare un luogo. E l'antropomorfismo ha davvero a che fare con il proprio corpo in relazione al luogo. Ho realizzato lavori che sono letteralmente riferimenti al corpo, ad esempio, ho realizzato una serie di lavori che avevano a che fare con un paesaggio rurale molto specifico a Cuba chiamato Viñales e ho trascorso molto tempo nelle grotte di Viñales. Ho realizzato una serie di disegni che erano queste vedute del paesaggio inquadrate dall'interno delle grotte. L'opera d'arte intitolata Vinales (Cervice) suggerisce che l'apertura della grotta sia un riferimento al corpo femminile. Un altro pezzo scultoreo di quella serie è stato chiamato Vinales (Nudo disteso). Non c'è una figura, il mio lavoro non è mai figurativo di per sé, ma la figura è sempre implicita e spesso sei tu lo spettatore che funzioni come una figura nel paesaggio. Abbiamo questa nozione convenzionale della "figura nel paesaggio", ma nel mio lavoro sto cercando di dare un senso diverso di ciò che significa, un senso che tu sei nel paesaggio ma il paesaggio è anche in te. In questo modo il paesaggio diventa qualcosa di non fisso la formazione di ciò che si pensa di un luogo diventa del tutto soggettiva e in continua evoluzione.

Terra Cieca (Specchio Verde) (dettaglio), 2013. Due strati di acciaio inossidabile lucidato e tagliato con precisione, 46,5 x 70,5 pollici. Courtesy l'artista e Lehmann Maupin, New York e Hong Kong.

LD: Dove si intersecano nel tuo lavoro le idee di trasportare gli spettatori da qualche altra parte e di trasformare il loro ambiente esistente?

TF: Il lavoro funziona come un prompt. Proprio come quando sei nel paesaggio reale, metà di ciò che vedi è in realtà ciò che ci porti. Il lavoro ti chiede di riempire gli spazi vuoti. Di nuovo, ho quella reciprocità con lo spettatore, ma il lavoro non può solo creare quell'effetto. C'è una sorta di volontà di partecipare, di proiettarsi su quella cosa, di svelare qualcosa di essenziale in modo esperienziale.

Sono spesso interessato ai materiali estratti, materiali provenienti da luoghi particolari. Ad esempio, la grafite che ho usato è dello Sri Lanka. Ho usato oro, pirite e minerale di ferro. Questi materiali sono letteralmente parti di luoghi. Sono fisicamente estratti da luoghi particolari, in questo senso parte di un paesaggio reale. Quando creo una nuova immagine utilizzando queste materie prime, viene caricata con l'essere più di una cosa contemporaneamente. Diventa contemporaneamente il paesaggio da cui proviene come materiale, ma anche l'immagine secondaria che si crea, che può essere completamente diversa e non correlata. Quindi sto giocando con questa nozione che siamo sempre in molti posti contemporaneamente e che ogni posto a cui pensiamo è davvero una sorta di stratificazione, un accatastamento, di molti posti, siano essi fisici, o immaginari, o ricordato.

Vinales (Nudo disteso), 2015. Wakkusu ® Cemento, bronzo e malachite, 48 x 64 x 101 pollici. Courtesy l'artista e Lehmann Maupin, New York e Hong Kong.

LD: Molte delle tue sculture invertono le idee sui loro soggetti—Cascata è quasi industrializzato nella sua singolare produzione, mentre Duna è una scala su cui sali non in cima. Sembra che gli elementi naturali esplorati dal tuo lavoro richiedano una presenza umana per essere pienamente compresi. In che modo vedi gli umani come una parte perennemente presente del paesaggio stesso?

TF: Se guardi alle antiche idee paesaggistiche cinesi, non sono separate dallo spettatore. Non sei nel paesaggio o sei un'entità privilegiata che osserva ciò che ti circonda. Sei più una componente integrata del paesaggio. Mi interessa molto il tipo di reciprocità di cui stai guardando simultaneamente il paesaggio, ma anche il paesaggio sta guardando te. In effetti stai anche creando quel paesaggio, sei parte attiva di quello che è. Utilizzo queste idee nel mio lavoro quando realizzo un'installazione site-specific, o quando realizzo un corpo di lavoro che è un riferimento a un luogo specifico. Non solo mi interessano le coordinate fisiche del luogo, ma anche questa nozione che siamo sempre molto attivamente posizionandoci e cercando noi stessi, riposizionandoci all'interno del luogo. Ancora una volta, l'idea di paesaggio non è questa idea fissa, è più un senso che stiamo costantemente negoziando e ridefinendo dalla nostra presenza in esso. Diventa un modo di guardare il luogo sia come verbo che come sostantivo contemporaneamente. Quindi hai un posto fisico ma ti stai anche mettendo attivamente in quel posto.

Vinales (Nudo disteso) (dettaglio), 2015. Wakkusu ® Cemento, bronzo e malachite, 48 x 64 x 101 pollici. Courtesy l'artista e Lehmann Maupin, New York e Hong Kong.

LD: Puoi parlarci un po' del tuo processo di creazione di installazioni site-specific? A quali aspetti di un luogo sei più in sintonia?

TF: Quando faccio qualcosa di site specific mi chiedo: "Dove sono?" È una domanda molto semplice ma è anche una domanda molto carica a seconda di come la poni. Poiché le storie sono molto contraddittorie e distorte, spesso mi pongo questa domanda sul luogo: dove sono storicamente, fisicamente, socialmente, geograficamente, razzialmente? Dove sono queste coordinate? Cosa c'è intorno a me? Cosa succede se scavo una buca a trecento piedi più in basso, cosa troverei? Cosa c'è sopra di me? Questa nozione che il paesaggio sia anche dietro la tua testa e sotto i tuoi piedi e sopra la tua testa, piuttosto che qualcosa che sperimentiamo solo frontalmente, significa che anche tu ti muovi attraverso i luoghi mentre a loro volta si muovono attraverso di te.

Sto guardando il luogo non solo come luogo fisico, ma come luogo immaginato, pensando davvero a luoghi e paesaggi come la storia degli esseri umani, piuttosto che come questi luoghi statici. Un paesaggio da un secolo all'altro può apparire completamente diverso, sicuramente se è vicino ad ambienti urbani. E per la maggior parte molti aspetti della storia di un sito fisico possono rimanere completamente invisibili allo spettatore di oggi.

Cascata, 2000. Alluminio, plastica, 144,09 x 144,09 x 335,83 pollici. Courtesy l'artista, In Arco, Torino e Lehmann Maupin, New York e Hong Kong.

LD: Molti dei tuoi lavori rifiutano le definizioni di punto di inizio e di fine, ma Fata Morgana offriva agli spettatori una voce chiara, un luogo in cui diventavano parte dell'opera. Nelle tue installazioni pubbliche, a che punto vedi le persone che passano da passanti a spettatori a parte dell'opera d'arte stessa?

Penso a tutti e tre come intercambiabili. Insieme a Fata Morgana (2015) a Madison Square Park, oltre cinquantamila persone al giorno hanno camminato attraverso quel parco e sotto il pezzo. Indipendentemente dal fatto che lo scegliessero o meno, sono stati proiettati sull'opera e sono stati proiettati anche in uno spazio condiviso con altri pendolari e passanti. Nel caso di quel particolare progetto c'era un effetto democratizzante nel modo in cui usavo la sfera pubblica e lo spazio pubblico, e significava che come passante tu eri lo spettatore e eri anche l'opera d'arte. L'opera d'arte non era il metallo, o l'acciaio, o le basi, ma piuttosto la superficie dinamica creata dalle persone che interagiscono con essa e la luce mutevole. Quindi, da un momento all'altro, il pezzo potrebbe sembrare completamente diverso. Il progetto era quasi come un barometro dello spazio e il cambiamento delle condizioni atmosferiche, della luce e di tutti coloro che lo circondavano. Era come uno specchio gigantesco per il sito stesso e per l'attività urbana di New York City.

Duna, 2002. Alluminio verniciato, perle di vetro, 336 x 60 x 96 pollici. Courtesy l'artista e Lehmann Maupin, New York e Hong Kong.

LD: Il tuo lavoro intreccia costantemente culture e luoghi, eppure in qualche modo sembra rappresentarli tutti. Quali luoghi hai visitato che ti hanno particolarmente colpito, di cui sapevi di dover includere un elemento nel tuo lavoro?

TF: Ho viaggiato molto dall'inizio della mia carriera. Ho passato molto tempo a fare residenze in posti diversi, quindi il Giappone è ovviamente un posto molto importante per me, e gran parte della mia formazione sul paesaggio, ma anche sull'intimità, penso sia venuta dal mio periodo in Giappone. Ci sono alcuni paesaggi specifici che sono importanti per me perché ci ho passato del tempo. Bali è un posto importante per me Cuba è un posto importante perché è da dove viene la mia famiglia. È un paesaggio storicamente molto ricco, pieno di complesse narrazioni umane.

L'opera non vuole essere un'illustrazione di quei luoghi. In effetti ho una sensibilità molto universale per i luoghi. Una delle cose più interessanti dell'essere un artista è che il mio lavoro si basa su questo modo molto strano di collegare e creare connessioni tra cose che normalmente non avrebbero nulla a che fare l'una con l'altra. C'è una sorta di universalità nel lavoro, quindi nella stessa cosa potrei fare riferimento a un'immagine o un'idea molto europea, stratificata con qualcosa che è venuto da un'esperienza molto giapponese, con un pezzo storico della letteratura americana che ho letto in qualcos'altro . E non c'è una gerarchia a questi riferimenti perché non sto illustrando nessuna di queste cose, in realtà sto tracciando connessioni tra loro in modi non convenzionali e attraverso una lente molto personale.

Scrittura notturna (Eroe e Leandro), 2011. Pasta di carta colorata e sagomata con getto d'inchiostro assemblata con specchio, 49,21 x 66,14 pollici. Per gentile concessione dell'artista, Lehmann Maupin, New York e STPI Singapore.

LD: Quindi diresti che non è tanto una singola esperienza che hai in un luogo che guida il tuo lavoro?

TF: A volte sarà un fatto molto strano su un posto, come Borrowdale, in Inghilterra, per esempio. La mia scultura Acque disegnate (Borrowdale) (2009) è un riferimento a Borrowdale, in Inghilterra, che è il luogo in cui è stata scoperta la grafite nel 1500. Quell'unico fatto, l'idea che le matite, e quindi i disegni, provenissero, letteralmente, da questo paesaggio che era solo grafite solida sottoterra. L'idea che la matita con cui disegni potrebbe provenire da un paesaggio fisico, dove potresti stare su quel paesaggio e tutto sotto i tuoi piedi sarebbe grafite solida, è diventata per me un altro modo di pensare all'atto del disegno.

A volte sarà solo un dettaglio molto bizzarro che mi attrae in un particolare paesaggio. Ciò che diventa importante non sono le grandi caratteristiche evidenti, ma piuttosto il dettaglio bizzarro che si riferisce a qualcos'altro, almeno nella mia mente. Col senno di poi, dopo aver realizzato il lavoro e aver tracciato quelle connessioni, sto dando loro una forma e una sensibilità. Ma prima, è in realtà molto misterioso e complesso disegnare quelle connessioni tra cose e luoghi: questa è la parte inventiva, concettuale e stimolante del mio processo.


La potente arte di Teresita Fernández mette a nudo le storie in corso di violenza coloniale nei Caraibi

Alcuni artisti allenano il loro occhio sulle piccole cose della vita. Teresita Fernández non è una di queste. La sua arte, ha detto, è guidata dal desiderio di saperne di più sulla condizione umana e sui modi in cui il passato continua a influenzare il presente. “Sono curioso sempre solo per me stesso: dove sono? Che posto è questo? Molti di noi non conoscono nemmeno la nostra storia, ha detto.

Nel corso della sua carriera, Fern'acutendez, nata a Miami da genitori cubani in esilio, si è impegnata ad apprendere il proprio lignaggio culturale, concentrandosi sui Caraibi e sui suoi intellettuali come il poeta e filosofo cubano José Martìacute, la scrittrice giamaicana Sylvia Wynter, il poeta di Saint Lucian Derek Walcott e il filosofo di origine martinicana Édouard Glissant. "È un progetto di ricerca in corso per scoprire chi sono", ha detto, "così come la cancellazione indigena sottostante nei Caraibi".

Molte di queste fonti potrebbero non essere immediatamente evidenti nelle sue sculture e installazioni, tuttavia, e il suo ultimo lavoro conferma queste influenze in modi in qualche modo invisibili. Durante una visita a distanza sociale nel suo studio di Brooklyn a novembre prima della sua nuova mostra personale a New York, alla galleria Lehmann Maupin, Fern´ndez ha ricordato il suo tempo trascorso in Europa come parte di un programma di studio universitario all'estero e visitando i musei lì. Si rese conto che tutta la ricchezza che veniva mostrata nei musei e nelle cattedrali poteva essere ricondotta allo sfruttamento dei Caraibi e al lavoro delle persone schiavizzate.

&ldquoMi sono davvero interessato a come possiamo decolonizzare il modo in cui pensiamo a questa regione, che per la maggior parte del mondo è questa periferia, questa piccola cosa ai margini di qualcosa che è spesso molto volgarmente associato al tempo libero o ai resort,&rdquo lei disse. "È questo paradiso dove le persone reali in qualche modo non rendono l'immagine e sono invisibili".

Per il suo spettacolo Lehmann Maupin, intitolato &ldquoMaelstrom&rdquo e in mostra fino al 23 gennaio, Fern'acutendez ha creato diversi nuovi corpi di lavoro che guardano alle storie del colonialismo nei Caraibi, in particolare quella di Porto Rico. (Accanto a questo, ha anche da offrire un microsito “saggio visivo” per contestualizzare le opere e offre letture aggiuntive, che ha descritto come la struttura sociale sottostante della mostra“.”) &ldquoSiamo spesso in questo condizionato modo di parlare della colonizzazione storicamente come se fosse qualcosa che è successo molto tempo fa. Ma Porto Rico è questo esperimento di colonizzazione che non è mai terminato", ha detto Fern'acutendez, definendola la colonia più antica del mondo.

La storia coloniale in corso di Porto Rico informa una delle serie dello spettacolo, "Hurak" che è composta da 20 collage di media misti astratti da 6 x 8 pollici che Fern'acutendez ha creato all'inizio di quest'anno, da sola nel suo studio durante il blocco iniziale della pandemia, un processo che ha descritto come &ldquocatartico.&rdquo La serie prende il nome dal nome del popolo Taïcuteno per il dio delle tempeste, che è stato poi adottato dai colonizzatori spagnoli (e in seguito in inglese) per nominare gli uragani, i cicloni tropicali della regione. (&ldquoL'unico posto al mondo in cui gli uragani vengono chiamati uragani è nei Caraibi,&rdquo Fernández ha aggiunto.)

Ogni opera della serie prende il nome da uno storico uragano: Maria, Katrina, Paloma e persino Teresita. In particolare, i nomi sono femminili e Fern'acutendez ha collegato questo alla pratica storica e in corso di sterilizzazione forzata per le donne di colore nelle Americhe, che ha avuto luogo a Porto Rico dagli anni '30. Tra il 1930 e il 1970, il 35% delle donne portoricane fu costretta a sterilizzarsi. Ad alcune di queste donne è stato anche richiesto di partecipare, spesso inconsapevolmente, agli studi clinici che hanno portato allo sviluppo della pillola anticoncezionale. "Quei farmaci sono stati approvati dalla FDA perché sono stati testati su donne portoricane", ha detto.

Fern'aacutendez, che ha vinto una borsa di studio MacArthur “genius” nel 2005, conosce intimamente questa storia della sperimentazione medica perché sua madre l'ha sperimentata. Quando sua madre aveva 24 anni, fu costretta a sottoporsi a un'isterectomia negli Stati Uniti. &ldquoEra sempre indicato come la operación, &rdquo Fernández ha detto, aggiungendo: "Sono successe cose di cui non sapevano nemmeno".

Ma, ha detto Féacuternandez, queste non sono solo orribili storie del passato, ma sono anche "realtà dei giorni nostri", come dimostrano le recenti rivelazioni degli informatori sulle sterilizzazioni forzate nei centri di detenzione dell'ICE, principalmente sulle donne dei Caraibi. &ldquoLa serie era un modo per prendere tutti questi eventi e ricorrenze violenti e impilarli e scuoterli attorno a questa violenza, abuso e disumanizzazione di alcuni corpi di donne. Questa è una parte importante della storia dei Caraibi", ha detto Fern'acutendez.

"Che sia venuto alla luce di recente nei centri di detenzione dell'ICE non è una novità", ha continuato. “È vecchio quanto la colonizzazione. Non è mai andato via.&rdquo Nel loro insieme, Fern'acutendez ha affermato che la mostra diventa "un ritratto della violenza in molti modi".

L'immagine di una tempesta tropicale compare in un'altra opera in mostra, Cosmo caraibico (2020), un pannello lungo 16 piedi composto da migliaia di tessere di ceramica smaltata che insieme formano un'immagine creata di vari vortici che imitano mappe aeree che mostrano gli uragani che si formano sui Caraibi. L'opera è allo stesso tempo bella e accattivante e una rappresentazione avvincente di una devastante distruzione.

"Quel movimento che vedi sembra una specie di uragano vorticoso", ha detto Fern´ndez. &ldquoSe lo rimpicciolisci a un livello microscopico, sembrerebbe tutto ciò che sta accadendo nel tuo corpo, e se lo facessi esplodere per renderlo espansivo come il cosmo, sembrerebbe la Via Lattea.&rdquo

Per un'altra serie, intitolata &ldquoBlack Beach(Unpolished Diamond),” Fernández ha creato una suite di tre opere di grandi dimensioni che presentano ciascuna centinaia di pezzi di carbone intero, legno bruciato da botti di whisky e rocce laviche (insieme ad altri materiali ) che vengono laboriosamente fissate ad un pannello di alluminio lucidato.

Poiché questi materiali hanno una propria identità, sono "non neutri", ha affermato Fernández. Non è come andare al negozio di vernici, comprare un mucchio di vernice e poi dipingere un quadro di un paesaggio bruciato. Sto effettivamente realizzando un'immagine di un paesaggio bruciato con pezzi di un vero paesaggio bruciato, che ha già una sua storia. È quasi come se fossero materiali infestati.&rdquo

Per l'artista, il paesaggio da lei creato contiene gli elementi stessi che intende rappresentare, e quindi è intimamente legato a coloro che abitano quella terra. "Si tratta davvero della storia delle persone", ha detto. Ciò che viene rappresentato non è solo la natura, ma qualcosa di più e un'opera d'arte che esiste come la storia degli esseri umani, la storia del potere, una storia di proprietà, una storia di conquista. Quello che consideriamo il paesaggio, di solito una cosa passiva che esiste, è in realtà un costrutto creato attorno a nozioni di potere e visibilità.&rdquo


Come l'artista Teresita Fernández trasforma la grafite, la sostanza della polvere di stelle, in ricordi

Da lontano, la scultura dell'artista contemporanea Teresita Fernández’s Notturno (Linea Orizzonte) sembra essere un rettangolo semplice e moderno di grigio argenteo. Nelle parole dell'artista, "quando ti avvicini direttamente, non vedi nulla, solo un semplice rettangolo grigio scuro. Ma quando inizi a muoverti, i pezzi si animano. . . . È quasi come se l'immagine si sviluppasse davanti ai tuoi occhi

Emergono gradazioni di colore e consistenza, formando tre distinte bande orizzontali. Il primo, liscio e piatto, evoca il cielo. Il secondo, lucido e levigato, annuisce all'acqua. Il terzo, grosso e organico, rappresenta la Terra.

Le differenze di consistenza sono rese possibili dall'uso della grafite di Fern, un minerale formatosi nel corso di migliaia di anni sotto la superficie terrestre. Un nuovo episodio di “Re:Frame,” una serie di video web prodotta dallo Smithsonian American Art Museum, indaga il ruolo avvincente che la grafite ha avuto nella storia dell'arte—e nel lavoro di Fernández’.

"Teresita Fernández è una ricercatrice in molti modi ed è anche un'artista concettuale", afferma E. Carmen Ramos, curatrice dell'arte latina e vice capo curatore del museo.

Nata a Miami nel 1968, Fernández ha conseguito il BA presso la Florida International University e un MFA presso la Virginia Commonwealth University. Nel 2005 le è stata assegnata una borsa di studio MacArthur “Genius” e, nel 2012, il presidente Obama l'ha nominata membro della U.S. Commission of Fine Arts. Le sue sculture e installazioni si trovano nei musei di tutto il mondo, incluso lo Smithsonian American Art Museum.

Il lavoro di Fernández’ si concentra sul mondo naturale, che esplora utilizzando metodi e materiali non convenzionali. "Ha creato immagini di formazioni nuvolose, eruzioni vulcaniche e corsi d'acqua", afferma Ramos. “In molti casi, utilizza un'ampia varietà di materiali per creare queste illusioni che diventano esperienze per lo spettatore.” Per creare Notturno (Linea Orizzonte), l'artista ha indagato le proprietà materiche di una sostanza inaspettata: la grafite.

Lo sviluppo del paesaggio come fulcro artistico e la sua connessione con il materiale grafite, sono serviti come ispirazione per Notturno (Linea Orizzonte) di Teresita Fernández . (SAAM, © 2010, Teresita Fernández, 2012.38A-C)

“La grafite è un minerale presente in natura. Si verifica in tutto il pianeta Terra e nello spazio, ed è formato solo dall'elemento carbonio,' dice Liz Cottrell, curatrice responsabile delle rocce e dei minerali al Museo Nazionale di Storia Naturale dello Smithsonian a Washington, D.C.

“Gli esseri umani, gli animali e le piante sono composti da carbonio. Noi umani siamo forme di vita dominate dal carbonio, e quando moriamo, i nostri corpi e i nostri tessuti si decompongono, e sotto il calore e la pressione nella Terra, il carbonio organico si trasforma in grafite, dice Cottrell.

Anche se spesso viene scambiato per piombo, il materiale di punta delle nostre matite è in realtà la grafite. Secondo Cottrell, "la grafite è super morbida, e questo perché gli atomi di carbonio sono disposti in piano, in fogli, e quei fogli si staccano semplicemente quando li strofini".

La grafite è un materiale artistico popolare sin dal XVI secolo. Era uno dei preferiti del maestro rinascimentale Leonard da Vinci, che utilizzò la grafite per creare alcuni dei primi “paesaggi” nella storia dell'arte occidentale.

Prima dell'epoca di Da Vinci, gli artisti consideravano la natura uno sfondo—non un soggetto—per le opere d'arte. Da Vinci è stato tra i primi a creare disegni che mettessero in primo piano la natura, celebrando il paesaggio piuttosto che la civiltà umana. “C'è questa profonda connessione con la grafite, che è legata alle matite e alla rappresentazione dei paesaggi,”, dice Ramos.

“Una delle località di grafite più popolari storicamente si trova in Inghilterra. . . dove sono state sviluppate per la prima volta le matite,” dice Cottrell. Borrowdale, nella regione della Cumbria, divenne particolarmente famoso tra gli artisti del Rinascimento per i suoi depositi di alta qualità. Anche prima che da Vinci iniziasse a disegnare con la grafite della Cumbria, i pastori inglesi la usavano per identificare le loro greggi marcando la lana delle loro pecore.

Lo sviluppo del paesaggio come fulcro artistico e la sua connessione con il materiale grafite, sono serviti come ispirazione per Notturno (Linea Orizzonte). In qualità di artista il cui lavoro è incentrato sul mondo naturale, Fernandez è stata attratta dal luogo fisico—e dal materiale—che ha ispirato il genere che continua a esplorare.

Teresita Fernández si concentra sul mondo naturale, che esplora utilizzando metodi e materiali non convenzionali. (Noboru Morikawa, Wikimedia Commons)

Mentre da Vinci disegnava con una matita di grafite, Fernández scolpisce con la stessa grafite. "Era davvero incuriosita dall'idea di creare un'immagine il cui materiale fosse intimamente e completamente integrato con l'immagine che sta creando", afferma Ramos.

Ma Fernández non sta raffigurando Borrowdale in Notturno (Linea Orizzonte)—o qualsiasi paesaggio specifico.

“Quando pensi ai paesaggi storici del XIX secolo di Thomas Moran e Frederic Church, rappresentano luoghi molto specifici, giusto? Che si tratti del Chasm of Colorado o dell'aurora boreale,” dice Ramos. “Quando guardi questo lavoro, ha una sorta di sensazione generica.”

“Teresita Fernández non è interessata a rappresentare un luogo specifico, ma è davvero interessata a innescare le nostre associazioni personali, l'associazione personale di un visitatore, con un luogo di sua scelta,” Ramos.

Fondata su secoli di storia dell'arte e millenni di processi geologici, la scultura di Teresita Fern Notturno (Linea Orizzonte) in definitiva riguarda l'esperienza personale, è la materia della polvere di stelle che evoca ricordi. Il suo uso della grafite collega la scultura alla terra, ma la sua mancanza di specificità consente agli spettatori di proiettare il proprio ambiente, immaginato o ricordato, sulla sua superficie scintillante.

“Ogni volta che lo guardo, penso a quando vivevo a Chicago e a tutte le mie passeggiate guardando il Lago Michigan. Ha quell'esperienza per me. Anche se non rappresenta il Lago Michigan, fa scattare quel ricordo nella mia storia personale,' dice Ramos.

Teresita Fernández' 2010 Notturno (Linea Orizzonte) è in mostra al terzo piano, ala est dello Smithsonian American Art Museum di Washington, D.C.

A proposito di Melissa Hendrickson

Melissa Hendrickson è la conduttrice e co-creatrice della serie web Re:Frame dello Smithsonian American Art Museum, dove è anche Interpretation and Audience Research Specialist.


GUIDA ALLA MOSTRA

Teresita Fernández: Elementare è la prima retrospettiva di metà carriera dell'artista americana di fama internazionale Teresita Fernández (nata nel 1968, Miami vive a New York). Fernández è un'artista concettuale nota per le sue installazioni e sculture immersive e le sue monumentali commissioni di arte pubblica. Il suo lavoro basato su concetti è radicato nella sfida alle definizioni convenzionali del paesaggio decostruendo i generi tradizionali della pittura di paesaggio e della Land art per rivelare narrazioni più urgenti. Fernández attribuisce particolare importanza alla sua scelta critica di materiali, come oro, grafite, carbone di legna e altri minerali che hanno storie complesse spesso legate al colonialismo, alla terra e al potere.

©2019 Pérez Art Museum Miami

“Il paesaggio spesso riguarda più ciò che non vedi che ciò che vedi.

Inizio col pormi questa domanda molto semplice: Dove sono? Storicamente, economicamente, socialmente, razzialmente, geograficamente, visivamente, emotivamente e fisicamente?

Teresita Fernández
INTRODUZIONE

Teresita Fernández: Elementare è organizzato come una serie di installazioni esperienziali con diverse opere realizzate negli ultimi 20 anni. Questi ambienti invitano gli spettatori a interagire con una serie di "paesaggi" nel tentativo di stimolare la contemplazione dell'identità e della narrativa personale attraverso un tranquillo dipanarsi di visibilità, materialità e storie sociopolitiche intrecciate. Insieme alla nuova scultura Coro (2020), la mostra espone per la prima volta insieme alcune delle opere scultoree più importanti di Fernández e la presentazione dei suoi disegni raramente visti, che offrono una visione intima della sua pratica artistica. Serie più recenti, come Fuoco (Stati Uniti d'America) (2017-19) e Vinales (2015-19), affrontano le complessità politiche e sociali del paesaggio.

Nel complesso, Elementare chiede agli spettatori di confrontarsi con nozioni consolidate su chi sono attraverso una comprensione più profonda di dove si trovano, offrendo anche opere d'arte esuberanti e visivamente abbaglianti che fanno riferimento al cosmo, ai fenomeni naturali sotterranei e alla palpabile bellezza del mondo naturale.

Il recente uso dell'immagine del fuoco da parte dell'artista, tuttavia, propone una narrazione più urgente e minacciosa. Fuoco (America) (2016-19) è composto da diverse opere che mettono in discussione come viene inquadrata la violenza americana in base a chi sta raccontando la storia. È anche un riferimento all'interesse di Fernández per il modo in cui le popolazioni indigene hanno modellato e coltivato la terra attraverso tecniche di taglia e brucia per promuoverne la sostenibilità, esponendo il mito di una natura incontaminata americana prima del contatto europeo.

CREDITO IMMAGINE

Fuoco, 2005. Seta, filato, armatura in acciaio e resina epossidica. Collection SFMOMA Accessions Committee Fund purchase. Created in collaboration with The Fabric Workshop and Museum, Philadelphia.

In works such as Fire (America) 5 (2017) and Fire (America) 6 (2019), Fernández creates night scenes made of rich, color-saturated, glazed ceramic tesserae depicting landscapes engulfed in flames. These works provide visual representations of the erased, warped, and invisible histories that are deliberately omitted from our perception of what we define as the American landscape.

Surrounding the viewer is Charred Landscape (America) (2019), a horizon line of raw, sculptural, charcoal “land masses” made from burned wood that transforms into diffused gestural charcoal drawings created directly on the walls. The dramatic images have an almost cinematic effect, suggesting a panoramic landscape scene dissolving into smoke.

The largest wall work on view in this series is Fire (United States of the Americas) 3 (2017–19). Made from solid charcoal elements arranged in the shape of the continental United States, the piece emerges from a wall of gestural, smoky, hand-drawn marks depicting a country burning, falling, and slipping away. About the work, Fernández states:

The piece reinserts the shape of Mexico into the map, newly configured and reimagined as so immense that its redemptive, ghostlike presence starts to dissolve into the cosmos, looming large over the United States. The charred image prompts viewers to contemplate and question the social history of the United States of America—only here are we in the habit of using the term “America” in its singular form. Throughout the rest of the Western Hemisphere, the term is customarily used in its plural form, “the Americas.”

IMAGE CREDIT

Fire (United States of the Americas) 3, 2017–19. Charcoal. Courtesy the artist and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul. Photo: Beth Devillier.

GRAPHITE

The idea that the pencil that you are drawing with could come from a physical landscape, where you could stand on that landscape and everything underneath your feet would be solid graphite, became another way for me to think about the act of drawing and Land art. Drawn Waters (Borrowdale) is like making a sculpture that’s really a drawing, a kind of dimensional, physical smudge. So that the act of drawing, the object of drawing, and the physical landscape become one and the same. To assemble the parts of a sculpture like Drawn Waters (Borrowdale) becomes precisely to engage in making a drawing.

Similarly, Sfumato (2019) is an immersive, site-specific installation that sweeps across the walls of the gallery like an organic, dissolving swarm. It is made of thousands of small rocks of raw, mined graphite—each with a feathery drawn mark that emanates from it like a cosmic trail. Sfumato’s scale shifts from intimate to vast, from miniature to panoramic so the work appears like a spreading constellation from a distance. Up close, the individual graphite elements each become their own tiny, solid landscape.

Fernández’s use of graphite, a mined, subterranean material, can also be seen in her Nocturnal series (2009–17), where dark-relief, graphite panels allude to mysterious night scenes and explore the material’s sculptural qualities beyond its common association to traditional modes of drawing. The panels suggest monochromatic, minimalist paintings, but the dimensional, carved, polished, and layered graphite slowly transforms to reveal a reflected surface of lustrous relief landscape paintings.

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Drawn Waters (Borrowdale), 2009. Natural and machined graphite on steel armature. Sfumato, 2009. Graphite and magnets, dimensions variable. Installation view: Lehmann Maupin, New York, 2009. Courtesy the artist and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul.

SUBTERRANEAN

Fernández draws from her personal experience in the elaborate cave system of the Viñales Valley. Used since prehistoric times, the caves were once occupied by Taino indigenous people before colonization and were later used as a place of refuge for Maroons, or runaway slaves, who fled from surrounding plantations to freedom and formed small communes by hiding in the caves by day. As viewers engage with the immersive sculpture, the suggested landscape expands and contracts, prompting them to visually construct the image and become the size of what they are looking at.

Here, Fernández uses malachite rocks brought from the Democratic Republic of the Congo for their visual similarities to the lush, vibrant, and green Viñales Valley. This choice of material asserts what Fernández refers to as “stacked landscapes.” The malachite comes from a real landscape in the Congo and is used to create another imagined landscape, in the process highlighting the historical, cultural, and conflicted colonial relationship between Africa and Cuba. The idea is that when viewers unravel the landscape, they are always in more than one place simultaneously. Surrounding glazed ceramic panels reveal mineral-like, subterranean views that further reinforce the idea of the caves as protective, womb-like interiors.

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Viñales (Reclining Nude), 2015. Wakkusu concrete. bronze, and malachite. Courtesy the artist and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul.

NIGHT WRITING

The title of the series is a reference to “Écriture Nocturne,” a code devised in the early 19th century to enable Napoleon Bonaparte’s soldiers to communicate at night, silently and without light. The code was also an early precursor to braille.

Each sumptuous, paper-pulp image of the night sky in the series is covered with words that have been translated into braille patterns, which become an abstracted field of perforated constellation points superimposed onto a mirror backing. Each dot appears to flicker, catching reflections of viewers moving in front of the works.

Artworks such as Night Writing (Tristan and Isolde) (2011) and Night Writing (Hero and Leander) (2011) contain cryptic words lost in an undecipherable code of dots. The works become a statement on the ephemeral quality of abstracted language as viewers attempt to grasp the content hidden within the invisible text. Fernández’s works often explore this subtle space between blindness, vision, and the tactile.

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Night Writing (Hero and Leander), 2011. Colored and shaped pulp paper with inkjet assembled with mirror. Made in collaboration with Singapore Tyler Print Institute. Collection of the artist. Courtesy Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul.

I’m very interested in the idea of gold as a cultural phenomena in ancient traditions of mining that originated in Africa, China, and Mesoamerica well before the more familiar European traditions ever evolved. Gold is present all over the world and has, across every time period and culture, been synonymous with the sun, with light, with radiance—subterranean metals connected to their heavenly counterparts. But my use of gold is also a very deliberate reference to colonization. The history of gold as a material is also, always, the history of landscape in the Americas, of land, conquest, power and, by default, of the erasure and decimation of indigenous peoples for European greed.

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Nishijin Sky, 2014. Silk, polyester, paper, nylon, brass, and aluminum. Made in collaboration with HOSOO, Kyoto, Japan. Courtesy the artist. and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul. Photo: Noboru Morikawa.

BORROWED LANDSCAPE

The installation Borrowed Landscape (Citron, Cerulean, Violet, Blue) (1998) is made of sculptural volumes of colored light, sheer fabric, and wood that hover in a dark room and exist somewhere between architecture, sculpture, and painting. Each “room” has a floor covered with thousands of miniature, hand-drawn shapes taken from 17th-century garden hedge patterns. Together, they read simultaneously as rugs and aerial landscape views, toggling between scales to create something akin to an indoor landscape or an outdoor room. Much like in a real garden, viewers trace the space by walking through the mazelike, geometric volumes that contract and expand into shifting vistas.

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Borrowed Landscape (Citron, Cerulean, Violet, Blue), 1998. Wood, fabric, oculus light, graphite, and paint. Originally commissioned at Artpace, San Antonio, Texas. Collection of the artist. Courtesy Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul.


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A domed ceiling of white plaster tops the space, which will be used for large-scale installations and &ndash after the coronavirus pandemic &ndash large gatherings.

Art by Teresita Fernández occupies one wall of the Williams Forum

Displayed on the east wall of the Williams Forum is a map of America made from pieces of charcoal by American artist Teresita Fernández.

Called Fire (United States of the Americas), it "points to the cycles of destruction and regeneration on which the history of this country is built", according to the museum.

Tiles have been restored and pipes laid below the Vaulted Walkway

The Vaulted Walkway, a 640-foot-long (195 metres) corridor running the breadth of the exterior of the Philadelphia Museum of Art, has been reopened again after 50 years.

The Guastavino tiles in the vaults between the collonades have been restored, and new steam pipes, water lines, electric and internet cables have been installed below the paving to improve the museum's infrastructure.

The South Hall has been turned into a sculpture room

A room at one end of the Vaulted Walkway, called the South Hall, has been refurbished and turned into a sculpture display area.

Gehry is a much-lauded architect and the recipient of the Pritzker Architecture Prize, Japan's Praemium Imperiale, and America's Presidential Medal of Freedom amongst other accolades.

Notable museum projects from his practice include the upcoming Luma Arles arts tower in southern France, which is slated to open in June, and the Guggenheim Museum in Bilbao.


Teresita Fernández (b. 1968, Miami, FL, lives and works in Brooklyn, NY) is a conceptual artist best known for her monumental, public projects that expand on notions of landscape and place. Her work, often inspired by natural phenomena—meteor showers, fire, and the night sky—invites experiential engagement with the work and the space it occupies. Fernández places particular importance on her choice of materials such as gold, graphite, and other minerals that have loaded histories, often tied to colonialism, history, land, and power. Her work is characterized by a quiet unraveling of place, visibility, and erasure that prompts an intimate experience for individual viewers. In 2015, Fernández installed her largest public art project to date, Fata Morgana, in New York’s Madison Square Park. The work was composed of overhead, mirrored canopies above all of the park’s walkways, and its title refers to mirages that hover right above the horizon.

Fernández is a 2005 MacArthur Foundation Fellow and the recipient of a number of awards including the Aspen Award for Art in 2013, a 2003 Guggenheim Fellowship, and a Louis Comfort Tiffany Biennial Award in 1999. Appointed by President Obama, she was the first Latina to serve on the US Commission of Fine Arts, a 100-year-old federal panel that advises the president and Congress on national matters of design and aesthetics. Her upcoming mid-career museum retrospective, Teresita Fernández: Elemental, is currently on view at the Pérez Art Museum Miami. Surveying over 20 years of work, the exhibition will travel to the Phoenix Art Museum followed by the New Orleans Museum of Art. Fernández’s public art project, Paradise Parados, will be installed on the rooftop of the BAM Harvey Theater, Brooklyn, NY, in 2020.

Fernández’s recent site-specific commissions include Vînales (Mayombe Mississippi), New Orleans Museum of Art, Sculpture Garden, New Orleans, LA (2019) Island Universe, Ford Foundation, New York, NY (2019) Autumn (…Nothing Personal), Harvard University, Cambridge, MA (2018) Stacked Waters, Blanton Museum of Art, University of Texas, Austin, TX (2009) Blind Blue Landscape, Benesse Art Site, Naoshima, Japan (2009) and Seattle Cloud Cover, Olympic Sculpture Park, Seattle, WA (2006).

In 2001, Fernández worked with the Public Art Fund to realize Bamboo Cinema, a large-scale, maze-like installation made of colored, translucent polycarbonate tubes in Madison Square Park, New York City.

Cecilia Vicuña (b. 1948 in Santiago, Chile is a poet, artist and activist. She lives and works in New York and Santiago) integrates practices of performance, Conceptualism, and textile in response to pressing concerns of the modern world, including ecological destruction, human rights, and cultural homogenization. Born and raised in Santiago, she was exiled during the early 1970s after the violent military coup against President Salvador Allende. This sense of impermanence, and a desire to preserve and pay tribute to the indigenous history and culture of Chile, have characterized her work throughout her career.


Teresita Fernández

“ ..Best known for her unique installations and immersive public projects, Fernández explores ideas of the figure in the landscape, the natural world, the extremes of scale, as well as the act of looking.. ”

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Lehmann Maupin, New York (West 22nd St)

“ ..She is an artist best known for her conceptual, experiential works, prominent public sculptures, and unconventional use of materials.. ”

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Lehmann Maupin, Chrystie Street

“ ..Fernández's work is characterized by an interest in perception and the psychology of looking.. ”

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Lehmann Maupin, Chrystie Street

“ ..Fernández here seeks to revise our notion of what is the “American Landscape” and who gets to define it.. ”

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Teresita Fernández is an American Postwar & Contemporary artist who was born in 1968. Her work was featured in numerous exhibitions at key galleries and museums, including the SFMOMA, San Francisco Museum of Modern Art and the Museum of Fine Arts, Boston. Teresita Fernández's work has been offered at auction multiple times, with realized prices ranging from $195 USD to $132,000 USD, depending on the size and medium of the artwork. Since 2006 the record price for this artist at auction is $132,000 USD for Burnout, sold at Sotheby's New York in 2006. Teresita Fernández has been featured in articles for the ArtLyst, the ARTnews and the ARTnews. The most recent article is Teresita Fernández Depicts Caribbean Colonialism and Eco-Trauma written by Louis Bury for the Hyperallergic in January 2021.


In Focus: Teresita Fernández

Lehmann Maupin is pleased to announce In Focus: Teresita Fernández. This special installation debuts the artist&rsquos most recent series, Dark Earth, begun in 2019. The presentation will feature four panels made of solid charcoal on chromed metal that delve deeper into the artist&rsquos interest in the buried, layered, and often violent histories of landscape and place. In Focus presentations are a recent addition to the Lehmann Maupin program that create a space for the gallery to highlight a critical aspect of an artist&rsquos practice. These installations offer unique public access to recent, timely, or significant works by the gallery&rsquos artists. There will be an artist-led walk through on November 23, at 11am. Capacity is limited reserve a space at [email protected]

Merging the conceptual and the material within her Dark Earth series, Fernández sculpts raw charcoal into sumptuously textured, abstracted images that challenge conventional notions of landscape art traditions. These panoramic landscape scenes expand and contract to suggest ancient mountain ranges, bodies of flowing water, subterranean minerals, radiant skies, and the immensity of the cosmos. Fernández&rsquos sense of the landscape suggests not only the physicality of the land, but also the history of human beings who have carefully cultivated it, or abused it, and the subsequent erasure that continues to shape our present-day perceptions of the people and places around us. Elaborating on ideas of the traditional &ldquofigure in the landscape,&rdquo Fernández uses the reflective quality of the golden metal to prompt viewers to consider their own role in this system, as their gaze is returned and distorted within this constructed landscape, and to re-examine their place in the eroded physical and psychological spaces produced by centuries of dominant colonialism. Imbuing the landscape with an anthropomorphic sensibility, Fernández has stated, &ldquoyou look at the landscape, but the landscape also looks back at you.&rdquo Each panel presents a spectral scene that echoes the ancient and the vast, while also referring to the cultural histories of its material makeup&mdashgold, conquest, violence, agriculture&mdashand the fluctuation of power that surrounds natural resources.

Exhibited concurrently with the artist&rsquos retrospective, Teresita Fernández: Elemental, on view at the Pérez Art Museum Miami through February 9, 2020, these new works represent a direct through line of her career-spanning consideration of landscape as it is tied to human history and the emerging narratives that shape our understanding of it.

About the artist
Teresita Fernández (b. 1968, Miami, FL, lives and works in Brooklyn, NY) is a 2005 MacArthur Foundation Fellow and the recipient of a number of awards including the Aspen Award for Art in 2013, the 2003 Guggenheim Fellowship, and the Louis Comfort Tiffany Biennial Award in 1999. Appointed by President Obama, she was the first Latina to serve on the U.S. Commission of Fine Arts, a 100-year-old federal panel that advises the president and Congress on national matters of design and aesthetics.

Recent site-specific commissions include Night Writing, Park Tower at Transbay, San Francisco, CA (2019) Vînales (Mayombe Mississippi), New Orleans Museum of Art, Sculpture Garden, New Orleans, LA (2019) Island Universe, Ford Foundation, New York, NY (2019) Autumn (&hellipNothing Personal), Harvard University, Cambridge, MA (2018) Fata Morgana, Madison Square Park, New York, NY (2015) Stacked Waters, Blanton Museum of Art, University of Texas, Austin, TX (2009) Blind Blue Landscape, Benesse Art Site, Naoshima, Japan (2009) and Seattle Cloud Cover, Olympic Sculpture Park, Seattle, WA (2006). Fernández&rsquos public art project, Paradise Parados, will be installed on the rooftop of the BAM Harvey Theater, Brooklyn, NY, in 2020.

Fernández received a BFA from Florida International University, Miami, in 1990 and an MFA from Virginia Commonwealth University, Richmond, in 1992. Solo exhibitions of her work have been organized at the Phoenix Art Museum, Phoenix, AZ (forthcoming 2020) Pérez Art Museum Miami, Miami, FL (2019) Harvard University, Boston, MA (2018) Olana State Historic Site, Hudson, NY (2017) Massachusetts Museum of Contemporary Art, North Adams, MA (2014) Modern Art Museum of Fort Worth, TX (2011) Museum of Contemporary Art Cleveland, OH (2011) University of South Florida Contemporary Art Museum, Tampa, FL (2009) Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, Spain (2005) and Castello di Rivoli, Turin, Italy (2001).

Fernández&rsquos work is featured in numerous international public and private collections, including Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY Bloomberg Family Foundation, New York, NY Coleccion Patricia Phelps de Cisernos, New York, NY Institute of Contemporary Art, Miami, FL Israel Museum, Tel Aviv, Israel Fondation Louis Vuitton, Paris, France Museum of Fine Arts, Boston, MA The Museum of Modern Art, New York, NY Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Philadelphia, PA Pérez Art Museum, Miami, FL Sammlung Goetz, Munich, Germany San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, CA Walker Art Center, Minneapolis, MN and the Whitney Museum of American Art, New York, NY.


In Focus: Teresita Fernández

Lehmann Maupin is pleased to announce In Focus: Teresita Fernández. This special installation debuts the artist&rsquos most recent series, Dark Earth, begun in 2019. The presentation will feature four panels made of solid charcoal on chromed metal that delve deeper into the artist&rsquos interest in the buried, layered, and often violent histories of landscape and place. In Focus presentations are a recent addition to the Lehmann Maupin program that create a space for the gallery to highlight a critical aspect of an artist&rsquos practice. These installations offer unique public access to recent, timely, or significant works by the gallery&rsquos artists. There will be an artist-led walk through on November 23, at 11am. Capacity is limited reserve a space at [email protected]

Merging the conceptual and the material within her Dark Earth series, Fernández sculpts raw charcoal into sumptuously textured, abstracted images that challenge conventional notions of landscape art traditions. These panoramic landscape scenes expand and contract to suggest ancient mountain ranges, bodies of flowing water, subterranean minerals, radiant skies, and the immensity of the cosmos. Fernández&rsquos sense of the landscape suggests not only the physicality of the land, but also the history of human beings who have carefully cultivated it, or abused it, and the subsequent erasure that continues to shape our present-day perceptions of the people and places around us. Elaborating on ideas of the traditional &ldquofigure in the landscape,&rdquo Fernández uses the reflective quality of the golden metal to prompt viewers to consider their own role in this system, as their gaze is returned and distorted within this constructed landscape, and to re-examine their place in the eroded physical and psychological spaces produced by centuries of dominant colonialism. Imbuing the landscape with an anthropomorphic sensibility, Fernández has stated, &ldquoyou look at the landscape, but the landscape also looks back at you.&rdquo Each panel presents a spectral scene that echoes the ancient and the vast, while also referring to the cultural histories of its material makeup&mdashgold, conquest, violence, agriculture&mdashand the fluctuation of power that surrounds natural resources.

Exhibited concurrently with the artist&rsquos retrospective, Teresita Fernández: Elemental, on view at the Pérez Art Museum Miami through February 9, 2020, these new works represent a direct through line of her career-spanning consideration of landscape as it is tied to human history and the emerging narratives that shape our understanding of it.

About the artist
Teresita Fernández (b. 1968, Miami, FL, lives and works in Brooklyn, NY) is a 2005 MacArthur Foundation Fellow and the recipient of a number of awards including the Aspen Award for Art in 2013, the 2003 Guggenheim Fellowship, and the Louis Comfort Tiffany Biennial Award in 1999. Appointed by President Obama, she was the first Latina to serve on the U.S. Commission of Fine Arts, a 100-year-old federal panel that advises the president and Congress on national matters of design and aesthetics.

Recent site-specific commissions include Night Writing, Park Tower at Transbay, San Francisco, CA (2019) Vînales (Mayombe Mississippi), New Orleans Museum of Art, Sculpture Garden, New Orleans, LA (2019) Island Universe, Ford Foundation, New York, NY (2019) Autumn (&hellipNothing Personal), Harvard University, Cambridge, MA (2018) Fata Morgana, Madison Square Park, New York, NY (2015) Stacked Waters, Blanton Museum of Art, University of Texas, Austin, TX (2009) Blind Blue Landscape, Benesse Art Site, Naoshima, Japan (2009) and Seattle Cloud Cover, Olympic Sculpture Park, Seattle, WA (2006). Fernández&rsquos public art project, Paradise Parados, will be installed on the rooftop of the BAM Harvey Theater, Brooklyn, NY, in 2020.

Fernández received a BFA from Florida International University, Miami, in 1990 and an MFA from Virginia Commonwealth University, Richmond, in 1992. Solo exhibitions of her work have been organized at the Phoenix Art Museum, Phoenix, AZ (forthcoming 2020) Pérez Art Museum Miami, Miami, FL (2019) Harvard University, Boston, MA (2018) Olana State Historic Site, Hudson, NY (2017) Massachusetts Museum of Contemporary Art, North Adams, MA (2014) Modern Art Museum of Fort Worth, TX (2011) Museum of Contemporary Art Cleveland, OH (2011) University of South Florida Contemporary Art Museum, Tampa, FL (2009) Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, Spain (2005) and Castello di Rivoli, Turin, Italy (2001).

Fernández&rsquos work is featured in numerous international public and private collections, including Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY Bloomberg Family Foundation, New York, NY Coleccion Patricia Phelps de Cisernos, New York, NY Institute of Contemporary Art, Miami, FL Israel Museum, Tel Aviv, Israel Fondation Louis Vuitton, Paris, France Museum of Fine Arts, Boston, MA The Museum of Modern Art, New York, NY Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Philadelphia, PA Pérez Art Museum, Miami, FL Sammlung Goetz, Munich, Germany San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, CA Walker Art Center, Minneapolis, MN and the Whitney Museum of American Art, New York, NY.

List of site sources >>>


Guarda il video: Luca Caricato presenta il progetto dellartista Giorgio Melzi (Gennaio 2022).