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Nuovo National SaStr - Storia

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Nuova Nazionale
(SwStr: t. 1.000; a. 1 12-pdr. r.)

Il New National, un piroscafo in legno con ruote laterali, fu sequestrato dalle cannoniere dell'Unione a Memphis, Tennessee, il 6 giugno 1862, dopo aver distrutto la flotta di difesa del fiume confederata.

Messo in servizio come trasporto, il Primo Maestro AM Grant al comando, per la Western Flotilla del Dipartimento della Guerra, New National ha trasportato truppe in una spedizione congiunta a St. Charles, Ark., dove sono sbarcati il ​​17 giugno, hanno preso d'assalto i lavori di sterro del sud e hanno ottenuto il controllo del fiume White per la flotta dell'Unione.

Trasferita dal Dipartimento della Guerra alla Marina il 30 settembre 1862, la New National servì come nave ricevente e come nave di posta e rifornimento per lo Squadrone del Mississippi.

Restituita al suo proprietario, Pearson Montgomery, su intervento del Segretario del Tesoro Chase, il 21 marzo 1863 fu contemporaneamente noleggiata dalla Marina e tenuta in servizio.

Dopo la caduta di Vicksburg, partecipò alla spedizione che catturò Yazoo City, Mississippi, il 13 luglio 1863.

Dopo il servizio di mantenimento delle comunicazioni e delle linee di rifornimento dell'Unione sul Mississippi e sui suoi affluenti fino alla fine della guerra civile, la New' National fu dismessa a Mound City, Ill., il 12 aprile 1865 e fu restituita al suo proprietario.


Miss Mississippi potrebbe fare la storia al concorso di Miss Universo

Asya Branch potrebbe fare la storia domenica come la prima nativa del Mississippi a detenere il titolo di Miss Universo e la prima Miss USA a vincere dal 2012.

La prima Miss Mississippi nera e la prima dello stato a vincere Miss USA, Branch sta partecipando alla 69a competizione Miss Universo, che si svolge questo fine settimana al Seminole Hard Rock Hotel & Casino Hollywood a Hollywood, Florida. La domenica sera segna il coronamento finale dopo giorni di gare di costumi da bagno e abiti da sera.

Branch è stata la prima rappresentante del Mississippi a vincere Miss USA e la prima donna nera a vincere la corona di Miss Mississippi USA nel 2019. Se Branch vincesse Miss Universo domenica, sarebbe la prima nativa del Mississippi a detenere il titolo e la prima Miss USA vincere la competizione dal 2012.

"Ero così onorato di aver fatto la storia, ma allo stesso tempo ho pensato: 'Wow. stiamo ancora avendo dei primati'", ha detto Branch al Clarion Ledger di Jackson, Mississippi.


Contenuti

Rajaraja Chola, che commissionò il tempio, lo chiamò Rajarajeshwaram (Rajarājeśwaram), letteralmente "il tempio del dio di Rajaraja". [12] Un'iscrizione successiva nel santuario di Brihannayaki chiama la divinità del tempio Periya Udaiya Nayanar, che sembra essere la fonte dei nomi moderni Brihadisvara e Peruvudaiyar Kovil. [13]

Brihadishwara (IAST: Bṛihádīśvara) è una parola composita sanscrita composta da Brihat che significa "grande, grande, eccelso, vasto", [14] e Ishvara significa "signore, Shiva, essere supremo, supremo atman (anima)". [15] [16] Il nome significa il tempio "grande signore, grande Shiva".

Il Tempio di Brihadeswara si trova nella città di Thanjavur, a circa 350 chilometri (220 miglia) a sud-ovest di Chennai. La città è collegata quotidianamente ad altre grandi città dalla rete delle ferrovie indiane, dai servizi di autobus del Tamil Nadu e dalle autostrade nazionali 67, 45C, 226 e 226 int. [17] [18] L'aeroporto più vicino con servizi regolari è l'aeroporto internazionale di Tiruchirappalli (IATA: TRZ), a circa 55 chilometri (34 miglia) di distanza. [19]

La città e il tempio, sebbene nell'entroterra, si trovano all'inizio del delta del fiume Cauveri, quindi con accesso al Golfo del Bengala e attraverso di esso all'Oceano Indiano. Insieme ai templi, il popolo Tamil ha completato la prima grande rete di irrigazione nell'XI secolo per l'agricoltura, per il movimento delle merci e per controllare il flusso d'acqua attraverso il centro urbano. [20]

Uno spettro di stili di templi indù continuò a svilupparsi dal V al IX secolo durante il dominio dell'era Chalukya, come evidenziato in Aihole, Badami e Pattadakal, e poi con l'era Pallava come testimoniato a Mamallapuram e altri monumenti. Successivamente, tra l'850 e il 1280 dC, Cholas emerse come dinastia dominante. [2] [21] Il primo periodo Chola vide una maggiore enfasi sulla protezione dei propri confini geopolitici e una minore enfasi sull'architettura. Nel X secolo, all'interno dell'impero Chola emersero caratteristiche come le colonne sfaccettate con capitelli quadrati sporgenti. Questo, afferma George Michell, segnò l'inizio del nuovo stile Chola. [2] [nota 1] Questo stile dell'India meridionale è pienamente realizzato sia in scala che in dettaglio nel tempio di Brihadeshwara costruito tra il 1003 e il 1010 dal re Chola Rajaraja I. [1] [2]

Aggiunte, ristrutturazioni e riparazioni Modifica

Il tempio principale insieme ai suoi gopuram risale all'inizio dell'XI secolo. Il tempio ha visto anche aggiunte, ristrutturazioni e riparazioni nei successivi 1.000 anni. Le incursioni e le guerre, in particolare tra sultani musulmani che controllavano Madurai e re indù che controllavano Thanjavur, hanno causato danni. [8] [nota 2] Questi furono riparati dalle dinastie indù che ripresero il controllo. In alcuni casi, i sovrani hanno tentato di rinnovare il tempio con dipinti sbiaditi, ordinando nuovi murales sopra quelli più antichi. In altri casi, hanno sponsorizzato l'aggiunta di santuari. I significativi santuari di Kartikeya (Murugan), Parvati (Amman) e Nandi risalgono all'era Nayaka del XVI e XVII secolo. [8] [25] Allo stesso modo il santuario di Dakshinamurti fu costruito in seguito. [25] Era ben mantenuto da Marathas di Tanjore

Architettura Modifica

Il piano e lo sviluppo del tempio di Brihadeshvara utilizzano le regole della geometria assiale e simmetrica. [26] È classificato come Perunkoil (chiamato anche Madakkoil), un grande tempio costruito su una piattaforma più alta di un tumulo naturale o artificiale. [27] Il complesso del tempio è un rettangolo di quasi due quadrati sovrapposti, che copre 240,79 metri (790,0 piedi) da est a ovest e 121,92 metri (400,0 piedi) da nord a sud. In questo spazio ci sono cinque sezioni principali: il sancta sanctorum con l'imponente sovrastruttura (Sri Vimana), la sala Nandi di fronte (Nandi-mandapam) e tra queste la sala principale della comunità (mukhamandapam), la grande aula magna (mahamandapam) e il padiglione che collega la grande sala con il sanctum (ardhamandapam). [28]

Il complesso del tempio integra una grande veranda con pilastri e coperta (prakara) nel suo ampio cortile, con un perimetro di circa 450 metri (1.480 piedi) per la circumambulazione. All'esterno di questa veranda con pilastri ci sono due muri di recinzione, quello esterno è difensivo e aggiunto nel 1777 CE dalle forze coloniali francesi con fori di pistola con il tempio che funge da arsenale. Hanno reso alto il muro esterno, isolando l'area del complesso del tempio. Alla sua estremità orientale si trova l'originale gopuram principale o gateway con volta a botte. È meno della metà delle dimensioni del tempio principale vimana. Ulteriori strutture furono aggiunte al tempio originale dopo l'XI secolo, come un mandapa nel suo angolo nord-est e ulteriori gopuram (porte) sui suoi perimetri per consentire alle persone di entrare e uscire da più luoghi. [28] [29] Alcuni dei santuari e delle strutture furono aggiunti durante l'era Pandya, Nayaka, Vijayanagara e Maratha, prima dell'inizio dell'era coloniale, e questi costruttori rispettarono i piani originali e le regole di simmetria. All'interno del cortile del tempio originale, insieme al santuario principale e al Nandi-mandapam, ci sono due santuari principali, uno per Kartikeya e uno per Parvati. Il complesso ha altri santuari più piccoli. [28] [30] [31]

Il tempio di Brihadisvara ha continuato le tradizioni del tempio indù dell'India meridionale adottando elementi architettonici e decorativi, ma la sua scala ha superato significativamente i templi costruiti prima dell'XI secolo. Gli architetti e gli artigiani dell'era Chola hanno innovato l'esperienza per ampliare e costruire, in particolare con pietra pesante e per realizzare l'imponente torre di 63,4 metri (208 piedi) vimana. [30] [28]

Il tempio è rivolto a est e un tempo era circondato da un fossato d'acqua. Questo è stato riempito. Il muro fortificato ora corre intorno a questo fossato. Le due mura hanno ingressi decorati chiamati gopuram. Questi sono realizzati in pietra e presentano trabeazioni. Le porte principali sono sul lato est. Il primo si chiama Keralantakan tiruvasal, che significa "porta sacra del Keralantakan". La parola Keralantakan era il cognome del re Rajaraja che lo costruì. A circa 100 metri (330 piedi) più avanti si trova il cortile interno gopuram chiamato the Rajarajan tiruvasal. Questo è più decorato del Keralantakan tiruvasal, come con il suo adhishthanam opera di rilievo che narra scene dei Purana e di altri testi indù. [28] Il gopuram orientale interno conduce a un vasto cortile, in cui i santuari sono tutti segnati con le direzioni cardinali est-ovest e nord-ovest. Al complesso si può accedere sia su un asse attraverso un gopuram di cinque piani, sia con un secondo accesso direttamente all'enorme quadrilatero principale tramite un gopuram più piccolo e indipendente. Il gopuram dell'ingresso principale è alto 30 m, più piccolo del vimana. [10]

I principali monumenti legati al tempio e la grande torre si trovano al centro di questo cortile. [28] Intorno al tempio principale dedicato a Shiva, ci sono santuari più piccoli, la maggior parte dei quali sono allineati assialmente. Questi sono dedicati alla sua consorte Parvati, ai suoi figli Subrahmanya e Ganesha, Nandi, Varahi, Karuvur deva (il guru di Rajaraja Chola), Chandeshvara e Nataraja. [10] Il mandapam Nandi ha un toro seduto monolitico rivolto verso il sancta sanctorum. Tra di loro ci sono le scale che portano a un portico con colonne e una sala riunioni della comunità, quindi un mandapa interno che si collega al pradakshina patha, o percorso di circumambulazione. Il Nandi (toro) di fronte al mukh-mandapam pesa circa 25 tonnellate. [32] È costituito da un'unica pietra ed è alto circa 2 m, lungo 6 m e largo 2,5 m. L'immagine di Nandi è monolitica ed è una delle più grandi del paese. [33]

Sanctum e la Sri-vimana Modifica

Il sancta sanctorum è al centro della piazza occidentale. È circondato da massicce mura che sono divise in livelli da sculture e lesene tagliate nettamente che forniscono profonde baie e rientranze. Ogni lato del santuario ha una baia con iconografia. [34] [26] L'interno del sanctum sanctorum ospita un'immagine della divinità primaria, Shiva, sotto forma di un enorme linga di pietra. Si chiama Karuvarai, una parola Tamil che significa "camera dell'utero". Questo spazio si chiama garbha griha in altre parti dell'India. Solo i sacerdoti possono entrare in questa camera più interna. [35]

Nello stile Dravida, il santuario assume la forma di un vimana in miniatura. Ha il muro interno insieme al muro esterno che crea un percorso intorno al santuario per la circumambulazione (pradakshina). L'ingresso è altamente decorato. La camera interna è il sanctum sanctorum, che ospita il brihad linga. [2]

Il principale Vimana (Shikhara) è una massiccia torre di 16 piani di cui 13 quadrati affusolati. Domina il quadrilatero principale. Si trova sopra un quadrato di 30,18 metri (99,0 piedi). [34] La torre è articolata in modo elaborato con lesene, pilastri (una struttura rialzata) e colonne annesse che sono disposte ritmicamente a coprire ogni superficie del vimana. [36]

Divinità e Natya Sastra danzano mudra Modifica

Il tempio è dedicato a Shiva sotto forma di un enorme linga, sua rappresentazione astratta aniconica. È alto 8,7 m (29 piedi), occupando due piani del santuario. [3] [9] È una delle più grandi sculture linga monolitiche in India. [33]

Sculture sul maha-mandapam muri [38]
lato nord lato sud
Bhairava (Shiva) Ganesha
Mahishasuramardini (Durga) Vishnu
Saraswati Gajalakshmi

Il tempio dello Shivaismo celebra tutte le principali tradizioni indù includendo le divinità primarie della tradizione Vaishnavismo e Shaktismo nel grande mandapa del tempio principale. La distribuzione delle divinità è generalmente simmetrica, fatta eccezione per il lato est dell'ingresso che prevede la porta e il camminamento. Oltre alle divinità principali, ogni lato prevede dvarapalas (guardiani), e varie altre sculture. Il vestibolo ha tre sculture in pietra finemente intagliate e dipinti murali. [38] Le pareti del sancta sanctorum al piano terra hanno le seguenti sculture: [38]

  • Parete est: Lingodbhava, Shiva in piedi, Pashupata-murti, più due dvarapala che fiancheggiano il sentiero da ardha-mandapam
  • Parete sud: Bhikshatana, Virabhadra, Dakshinamurti, Kalantaka, Nataraja [nota 3] più due dvarapala
  • Parete ovest: Harihara (metà Shiva, metà Vishnu), Lingodbhava, Chandrashekhara senza prabhavali, Chandrashekhara con prabhavali, più due dvarapala
  • Parete nord: Ardhanarishvara (metà Shiva, metà Parvati), Gangadhara senza Parvati, Pashupata-murti, Shiva-alingana-murti, più due dvarapala

Al secondo piano, la forma Tripurantaka di Shiva in diverse posizioni è raffigurata in corrispondenza di queste sculture. Al di sopra di questi piani, il sri-vimana torri sopra in tredici piani (talas). Sopra questi piani c'è un singolo blocco quadrato di peso di granito 80 tonnellatee 7,77 metri (25,5 piedi) di lato. In cima a questo blocco, ai suoi angoli ci sono coppie di Nandi di circa 1,98 metri (6 piedi e 6 pollici) per 1,68 metri (5 piedi e 6 pollici) di dimensione. Al di sopra del centro di questo blocco di granito sorge il griva, il sikhara e il finale (stupido) dell'architettura del tempio indù Tamil. Questo stupido è alto 3,81 metri (12,5 piedi) ed era originariamente ricoperto d'oro (non più). Il sikhara nella parte superiore è a forma di cupola e pesa 25 tonnellate. [38] [39] Ogni piano di questa torre è decorato con kutas e salas. L'architettura della torre quadrata restringente di questo tempio differisce dalla torre del tempio Chola a Gangaikondasolisvaram, perché questa è diritta in contrasto con quest'ultima che è curvilinea. La grandezza sri-vimana del tempio lo ha reso un punto di riferimento imponente per la città. [38] Il muro del corridoio del piano superiore del aditala è scolpito con 81 dei 108 danze karanas – posture di Natya Sastra. Questo testo è la base del Bharathanatyam, la danza classica del Tamil Nadu. I 27 non rappresentati karanas sono blocchi di pietra grezzi e non è chiaro perché questi non siano stati scolpiti. Le 81 posizioni scolpite suggeriscono il significato di questa forma di danza classica indiana all'inizio dell'XI secolo. [9]

La garbhagriha è quadrata e poggia su un piedistallo. Questo è modellato e spesso 0,5 metri (1 ft 8 pollici). Esso consiste in upapitham e adhishthanam, rispettivamente di 140 cm e 360 ​​cm di spessore. [9]

Mandapa Modifica

I due mandapa, vale a dire maha-mandapa e mukha-mandapa, sono strutture a pianta quadrata allineate assialmente tra il sancta sanctorum e la Nandi mandapa. Il maha-mandapa ha sei pilastri per lato. [40] Anche questo ha opere d'arte. Il bronzo Vitankar e Rajaraja I sono qui, ma questi sono stati aggiunti molto più tardi. Il maha-mandapa è fiancheggiato da due dvarapala di pietra giganti. È legato al mukha-mandapa da scale. L'ingresso del mukha-mandapa ha anche dvarapala. Con il mandapa ci sono otto piccoli santuari per dikpalas, o divinità guardiane di ogni direzione come Agni, Indra, Varuna, Kubera e altre. Questi furono installati durante il regno del re Chola Rajendra I. [40]

Le iscrizioni indicano che quest'area aveva anche altre iconografie delle principali tradizioni indù durante l'era Chola, ma queste mancano ora. Gli otto santuari originali includevano quelli per Surya (il dio del sole), Saptamatrikas (sette madri), Ganesha, Kartikeya, Jyeshtha, Chandra (il dio della luna), Chandeshvara e Bhairava. [40] Allo stesso modo, nella cella del muro occidentale c'era un massiccio Ganesha di granito costruito durante l'era Rajaraja I, ma che ora si trova nel tiruch-churru-maligai (veranda sud). Delle sette madri della tradizione Shaktismo, solo Varahi sopravvive in una forma spezzata. I suoi resti si trovano ora in un piccolo "santuario di Varahi" in mattoni di epoca moderna nel lato meridionale del cortile. Manca la versione originale degli altri insieme ai loro santuari Chola originali. [40]


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La naturopatia è un sistema sanitario con una profonda storia di filosofie e pratiche tradizionali, professionisti con formazione medica e un'ampia gamma di opzioni di trattamento naturale per servire i pazienti.

Storia naturopatica

La naturopatia fa parte della Germania da secoli. Molti dei principi e delle filosofie della naturopatia ebbero origine in Germania e in Europa nel XVI e XVII secolo. I naturopati originali – prima del 1900 – di tutto il mondo, sono stati formati da medici europei utilizzando l'idroterapia, la fitoterapia e altre forme tradizionali di guarigione. Attualmente, i paesi europei considerano la loro pratica della naturopatia come un sistema sanitario che si è evoluto incorporando la medicina tradizionale di ogni paese con i principi, le teorie, le modalità e le tradizioni naturopatiche che sono state codificate in Nord America. Le forme tradizionali di insegnamento e pratica naturopatica sono ancora comuni in Europa.

Il Nord America è considerato la patria della moderna naturopatia, o medicina naturopatica. La maggior parte delle scuole nordamericane sono accreditate dal governo e tutte le regioni del Nord America stanno lavorando per regolamentare o concedere licenze (con il 50% delle province canadesi e il 38% di tutti gli stati/regioni degli Stati Uniti regolamentati). Esistono forti associazioni naturopatiche nazionali e regionali, ricerche naturopatiche in corso e gruppi e riviste specializzati per supportare la pratica della medicina naturopatica. Al Nord America è attribuito il merito di aver codificato i principi naturopatici e di aver contribuito ad alcune delle teorie e pratiche consolidate che sono ora utilizzate in tutto il mondo.

Nel corso della sua storia, la naturopatia/medicina naturopatica viene introdotta in un paese quando un naturopata/medico naturopatico che è stato formato in Nord America o in Europa si trasferisce e porta con sé le proprie competenze. C'è una sintesi della formazione europea o nordamericana con i tradizionali sistemi di medicina nel loro paese. Ad esempio, la naturopatia è stata introdotta in India dopo che un medico è stato formato da naturopati in Europa, due degli intervistati del sud-est asiatico hanno indicato di essere stati originariamente formati negli Stati Uniti.

La World Naturopathic Federation è attualmente impegnata in un progetto di ricerca per chiarire e codificare le radici storiche della naturopatia nel mondo.

Principi naturopatici

Sebbene ci siano state discussioni storicamente ampie sui principi e sulla pratica della medicina naturopatica, non c'è stato alcun processo di codificazione formale fino al 1986, quando l'American Association of Naturopathic Physicians (AANP) ha formato un comitato composto dai medici naturopati Pamela Snider, Jared Zeff e altri . Questi praticanti hanno trascorso più di tre anni a rivedere i dati ei documenti storici e ad intervistare oltre 1.000 persone. Nel 1989, una definizione di medicina naturopatica e la descrizione dei sei principi naturopatici è stata formalmente codificata e accettata dalle due associazioni naturopatiche nazionali nordamericane (American Association of Naturopathic Physicians (AANP) e Canadian Association of Naturopathic Doctors (CAND)). Sulla base del sondaggio sulla forza lavoro naturopatica globale 2014/2015, questi principi sembrano avere riconoscimento e accettazione internazionale.

I principi naturopatici insegnati nella maggior parte dei paesi includono:

  • Primo, non nuocere (primum non nocere)
  • Potere curativo della natura (vis medicatrixnaturae)
  • Tratta la causa (tollecausam)
  • Tratta tutta la persona (tolletotum)
  • Dottore come insegnante (docere)
  • Prevenzione delle malattie e promozione della salute
  • Benessere

Teorie naturopatiche

Esistono numerose teorie naturopatiche praticate in tutto il mondo, tra cui:

  • Teoria umorale
  • Ordine terapeutico
  • emuntori
  • Teoria dei Sistemi Complessi

Modalità naturopatiche

Le modalità o le terapie naturopatiche utilizzate in tutto il mondo variano a seconda del paese. Alcune delle modalità naturopatiche più comuni includono:

  • Nutrizione clinica
  • Medicina Botanica (Erboristeria)
  • Medicina omeopatica
  • Medicina tradizionale cinese/agopuntura
  • Medicina fisica
  • Idroterapia – Cura dell'acqua
  • Prevenzione e consulenza sullo stile di vita
  • Igiene Terapia
  • Cura della natura

Alcuni medici naturopati avranno una formazione aggiuntiva in altre terapie naturali come:

  • Medicina Ayurvedica
  • Diritti di prescrizione
  • Terapie IV
  • Terapia di chelazione
  • Chirurgia Minore
  • Terapia del colon

Regolamento Naturopatico Globale

La naturopatia è praticata in ogni regione del mondo, in oltre ottanta paesi. Attualmente esiste una regolamentazione legale della professione naturopata nelle giurisdizioni in Nord America, India, Europa e America Latina. Per essere un membro a pieno titolo della WNF, le associazioni devono supportare e lavorare per la regolamentazione. Devono anche supportare l'accreditamento educativo e il progresso degli standard educativi.

Processo normativo naturopatico
La regolamentazione statutaria della naturopatia, come tutti i professionisti, è fortemente correlata con gli standard educativi ed è influenzata dal panorama politico di ciascun paese e dalla regolamentazione di altri sistemi di medicina tradizionale e complementare nella regione. Ogni paese o regione che ha un regolamento è supportato da un'associazione naturopata professionale. Per quei paesi/regioni che non hanno ancora una regolamentazione, la WNF incoraggia le associazioni professionali di naturopati a impegnarsi in attività di autogoverno che proteggano il pubblico mentre lavorano per la regolamentazione.

Panoramica del regolamento naturopatico legale a livello globale
La regolamentazione dei professionisti naturopati è diversa. Copre Tecnici Naturopati, Naturopati abilitati, Diploma in Naturopatia e Medici Naturopati. I naturopati in Europa sono indicati come Heilpraktiker o Naturopati. In Nord America e in India, i naturopati sono regolamentati come medici naturopati e/o medici naturopati. In America Latina esiste una regolamentazione sia per i tecnici naturopati che per i dottori in naturopatia. Questa differenza riflette le differenze educative, ma la filosofia e i principi fondamentali sono gli stessi.


Preistoria

Paleolitico

Le pitture rupestri paleolitiche e neolitiche risalenti a 30.000 anni fa nel sito del patrimonio mondiale dell'UNESCO nei rifugi rocciosi di Bhimbetka nel Madhya Pradesh mostrano un tipo di danza. [1] L'arte rupestre mesolitica e calcolitica di Bhimbhetka illustra strumenti musicali molto semplici come tamburi di roccia e altri strumenti semplici. [2]

Neolitico

Era calcolitico (4000 aC in poi) celti di pietra levigata a forma di barra stretta come strumenti musicali, uno dei primi strumenti musicali in India, furono scavati a Sankarjang nel distretto di Angul di Odisha. [3] Esistono prove storiche sotto forma di prove scultoree, ovvero strumenti musicali, posizioni di canto e danza di damigelle nelle grotte di Ranigumpha a Khandagiri e Udayagiri a Bhubaneswar.

Civiltà della valle del fiume Indo

La scultura della ragazza danzante (2500 a.C.) è stata trovata nel sito della civiltà della valle dell'Indo (IVC). [4] [5] [6] [7] Ci sono dipinti dell'era IVC su ceramica di un uomo con un dhol appeso al collo e una donna che tiene un tamburo sotto il braccio sinistro. [8]

Era vedica e antica

Veda (c. 1500 – c. 800 aC periodo vedico) [9] [10] [11] [12] documentano rituali con arti dello spettacolo e giochi. [13] [14] Ad esempio, Shatapatha Brahmana (

800-700 aC) ha versi nel capitolo 13.2 scritti sotto forma di un gioco tra due attori. [13] Tala o taal è un antico concetto musicale riconducibile ai testi dell'era vedica dell'induismo, come il Samaveda e metodi per cantare gli inni vedici. [15] [16] [17] Smriti (dal 500 a.C. al 100 a.C.) testi indù post-vedici [18] [19] [20] includono il Ramayana di Valmiki (dal 500 a.C. al 100 a.C.) che menziona la danza e la musica (danza di Apsaras come Urvashi, Rambha, Menaka, Tilottama Panchāpsaras e le mogli di Ravana che eccellevano in nrityageeta o "cantare e ballare" e nritavaditra o "suonare strumenti musicali"), musica e canto di Gandharvas, diversi strumenti a corda (vina, tantri, bīn, vipanci e vallaki simile a veena), strumenti a fiato (shankha, venu e venugana – probabilmente un'armonica a bocca realizzata legando insieme diversi flauti), raga (incluso kaushika come raag kaushik dhwani), registri vocali (sette svara o sicuro, ana o ekashurti trascinare nota, murchana l'aumento e la caduta regolati della voce in matra e tripramana triplice adolescente taal laya come druta o veloce, madhya o mezzo, e vilambi o lento), recita di poesie in Bala Kanda e anche in Uttara Kanda di Luv e Kusha in marga stile. [21]

A partire dalla prima opera conosciuta Tholkappiyam (500 a.C.), ci sono diversi riferimenti alla musica e Pann nell'antica letteratura pre-Sangam e Sangam a partire dalla prima opera conosciuta Tholkappiyam (500 aC). Tra la letteratura Sangam, Mathuraikkanci si riferisce alle donne che cantano sevvazhi pann invocare la misericordia di Dio durante il parto. In Tolkappiyam, i cinque paesaggi della letteratura Sangam avevano ciascuno un associato Pann, ognuno descrivendo l'atmosfera della canzone associata a quel paesaggio. Tra i numerosi pentole che trovano menzione nell'antica letteratura Tamil sono, Ambal Pann, che è adatto per essere suonato con il flauto, sevvazhi pann sul Yazh (liuto), Nottiram e Sevvazhi esprimendo pathos, l'accattivante Kurinji pann e il rinvigorente Murudappann. Pann (Tamil: பண் ) è la modalità melodica utilizzata dal popolo Tamil nella loro musica fin dai tempi antichi. L'antica pentole nel corso dei secoli si è evoluto prima in una scala pentatonica e successivamente nel Carnatic Sargam a sette note. Ma fin dai tempi più antichi, la musica tamil è eptatonica e conosciuta come Ezhisai (ஏழிசை). [22]

sanscrito sanscrito poeta Jayadeva, che fu il grande compositore e illustre maestro di musica classica, plasmato Odra-Magadhi stile musicale e ha avuto una grande influenza su Odissi Sangita. [23] [24]

Śārṅgadeva compose Sangita-Ratnakara, uno dei più importanti testi musicologici sanscriti dell'India, [25] [26] che è considerato il testo definitivo sia nella musica hindustani che nelle tradizioni musicali carnatiche della musica classica indiana. [27] [28]

Il poeta assamese Madhava Kandali, scrittore di Saptakanda Ramayana, elenca diversi strumenti nella sua versione di "Ramayana"come mardala, khumuchi, bhemachi, dagar, gratal, ramtal, tabal, jhajhar, jinjiri, bheri mahari, tokari, dosari, kendara, dotara, vina, rudra-vipanchi, ecc. XIV secolo o prima). [29] Il sistema di notazione indiano è forse il più antico ed elaborato del mondo. [30]

Epoca medievale

All'inizio del XIV secolo, sotto i Khilji, ci furono concerti e gare tra musicisti hindustani e carnatici. [31]

XX secolo

All'inizio degli anni '60 pionieri del jazz come John Coltrane e George Harrison hanno collaborato con strumentisti indiani e hanno iniziato a utilizzare strumenti indiani come il sitar nelle loro canzoni. Alla fine degli anni '70 e all'inizio degli anni '80, le fusioni rock and roll con la musica indiana erano ben note in tutta Europa e nel Nord America. Alla fine degli anni '80, gli artisti indiani-britannici hanno fuso le tradizioni indiane e occidentali per creare l'Asian Underground. Nel nuovo millennio, l'hip-hop americano ha caratterizzato filmi e bhangra indiani. Gli artisti hip-hop tradizionali hanno campionato brani dai film di Bollywood e hanno collaborato con artisti indiani, come "Indian Flute" di Timbaland

Le due principali tradizioni della musica classica indiana sono la musica carnatica, praticata prevalentemente nelle regioni peninsulari (meridionali), e la musica indostana, che si trova nelle regioni settentrionali, orientali e centrali. I concetti di base di questa musica includono Shruti (microtoni), Swaras (Appunti), Alankar (ornamenti), Raga (melodie improvvisate da grammatiche di base), e Tala (schemi ritmici usati nelle percussioni). Il suo sistema tonale divide l'ottava in 22 segmenti chiamati Shrutis, non tutti uguali ma ciascuno approssimativamente uguale a un quarto di tono intero della musica occidentale. Sia la musica classica si basano sui fondamenti delle sette note della musica classica indiana. Queste sette note sono anche chiamate Sapta svara o Sapta Sur. Questi sette svara sono rispettivamente Sa, Re, Ga, Ma, Pa, Dha e Ni. Questi Sapta Svara sono scritti come Sa, Re, Ga, Ma, Pa, Dha e Ni, ma queste sono forme abbreviate di Shadja (षड्ज), Rishabha (ऋषभ), Gandhara (गान्धार), Madhyama (मध्यम), Panchama (पंचम), Dhaivata (धैवत) e Nishada (निषाद) rispettivamente. [33] Questi sono anche equivalenti a Do, Re, Mi, Fa, So, La, Ti. Solo questi sette svara costruirono la musica classica indostana e la musica classica carnatica. Questi sette svara sono i fondamenti di un raga. Questi sette svara senza alcuna variazione in essi sono chiamati Shuddha svara. Le variazioni in questi svara li fanno essere Komal e Tivra svara. Tutti gli altri svara tranne Sadja (Sa) e Pancham (Pa) possono essere Komal o Tivra svaras ma Sa e Pa sono sempre Shuddha svara. E quindi svara Sa e Pa sono chiamati Achal Svaras, poiché questi svara non si spostano dalla loro posizione originale mentre gli svara Ra, Ga, Ma, Dha, Ni sono chiamati Chal Svaras, poiché questi svara si spostano dalla loro posizione originale.

La Sangeet Natak Academy riconosce otto forme di danza e musica classica, vale a dire Bharatanatyam, Kathak, Kuchipudi, Odissi, Kathakali, Sattriya, Manipuri e Mohiniyattam. [34] Inoltre, il Ministero della Cultura indiano include anche Chhau nella sua lista classica.

Musica carnatica

La musica carnatica può essere fatta risalire al XIV - XV secolo d.C. e successivamente. Ha avuto origine nel sud dell'India durante il dominio dell'Impero Vijayanagar attraverso i Keerthanas composti da Purandara Dasa. Come la musica Hindustani, è melodica, con variazioni improvvisate, ma tende ad avere composizioni più fisse. Consiste in una composizione con abbellimenti improvvisati aggiunti al pezzo nelle forme di Raga Alapana, Kalpanaswaram, Neraval e, nel caso di studenti più avanzati, Ragam Thanam Pallavi. L'enfasi principale è sulla voce poiché la maggior parte delle composizioni sono scritte per essere cantate e, anche se suonate su strumenti, sono pensate per essere eseguite in uno stile di canto (noto come gāyaki). Oggi sono in uso circa 300 stracci. Annamayya è il primo compositore conosciuto nella musica carnatica. È ampiamente considerato come l'Andhra Pada kavitā Pitāmaha (il padrino della scrittura di canzoni Telugu). Purandara Dasa è considerato il padre della musica carnatica, mentre i successivi musicisti Tyagaraja, Shyama Shastry e Muthuswami Dikshitar sono considerati la trinità della musica carnatica. [ citazione necessaria ]

Ogni dicembre, la città di Chennai in India ha la sua stagione musicale di otto settimane, che è il più grande evento culturale del mondo. [35]

La musica carnatica è servita come base per la maggior parte della musica nel sud dell'India, inclusa la musica folk, la musica da festival e ha anche esteso la sua influenza alla musica da film negli ultimi 100-150 anni circa.

Musica indostana

La tradizione della musica indostana risale ai tempi vedici dove gli inni del Sama Veda, un antico testo religioso, venivano cantati come Samagana e non cantati. Si è discostato dalla musica carnatica intorno al XIII-XIV secolo d.C., principalmente a causa delle influenze islamiche. [ citazione necessaria ] Sviluppando una tradizione forte e diversificata nel corso di diversi secoli, ha tradizioni contemporanee stabilite principalmente in India ma anche in Pakistan e Bangladesh. In contrasto con la musica carnatica, l'altra principale tradizione di musica classica indiana originaria del sud, la musica indostana non è stata solo influenzata dalle antiche tradizioni musicali indù, dalla filosofia vedica storica e dai suoni indiani nativi, ma è stata anche arricchita dalle pratiche esecutive persiane dei Moghul. I generi classici sono dhrupad, dhamar, khyal, tarana e sadra, e ci sono anche diverse forme semi-classiche.

La radice del nome C(K)musica arnatica deriva dal sanscrito. Karnam significa orecchie e Atakam significa ciò che è dolce o ciò che indugia.

Musica classica leggera

Ci sono molti tipi di musica che rientrano nella categoria della musica classica leggera o semi-classica. Alcune delle forme sono Thumri, Dadra, Bhajan, Ghazal, Chaiti, Kajri, Tappa, Natya Sangeet e Qawwali. Queste forme pongono l'accento sulla ricerca esplicita di emozioni da parte del pubblico, in contrasto con le forme classiche.

Tamang Selo

Questo è un genere musicale del popolo Tamang e popolare tra la comunità di lingua nepalese nel Bengala occidentale, nel Sikkim, in India e in tutto il mondo. È accompagnato da strumenti Tamang, il Madal, Damphu e Tungna, anche se oggi i musicisti hanno adottato strumenti moderni. Un Tamang Selo può essere orecchiabile e vivace o lento e melodioso, e di solito è cantato per trasmettere dolore, amore, felicità o incidenti quotidiani e storie di folklore. [36]

Hira Devi Waiba è salutato come il pioniere delle canzoni popolari nepalesi e di Tamang Selo. Si dice che la sua canzone "Chura ta Hoina Astura" (चुरा त होइन अस्तुरा) sia la prima Tamang Selo mai registrata. Ha cantato quasi 300 canzoni durante la sua carriera musicale che dura da 40 anni. [37] [38] Dopo la morte di Waiba nel 2011, suo figlio Satya Aditya Waiba (produttore/manager) e Navneet Aditya Waiba (cantante) hanno collaborato e hanno ri-registrato le sue canzoni più iconiche e pubblicato un album intitolato Ama Lai Shraddhanjali (आमालाई श्रद्धाञ्जली-Tributo alla Madre). [39] [40] [41] Il duo sono gli unici individui nel genere della musica popolare nepalese che producono autentiche canzoni popolari tradizionali nepalesi senza adulterazioni o modernizzazioni. [42] [43]

Bhangra e Giddha

Bhangra (Punjabi: ਭੰਗੜਾ) è una forma di musica popolare del Punjab orientata alla danza. Il presente musicale

lo stile deriva dall'accompagnamento musicale non tradizionale ai riff del Punjab chiamati con lo stesso nome. La danza femminile della regione del Punjab è conosciuta come Giddha (Punjabi: ਗਿੱਧਾ).

Bihu e Borgeet

Bihu (Assamese: বিহু ) è la festa del capodanno dell'Assam che cade a metà aprile. Questo è un festival della natura e della madre terra dove il primo giorno è per le mucche e i bufali. Il secondo giorno del festival è per l'uomo. Danze e canti Bihu accompagnati da tamburi tradizionali e strumenti a fiato sono una parte essenziale di questo festival. Le canzoni Bihu sono energiche e con ritmi per accogliere la festosa primavera. I tamburi assamesi (dhol), la Pepa (di solito fatta di corno di bufalo), il Gogona sono i principali strumenti utilizzati. [44] [45]

I Borgeets (Assamese: বৰগীত ) sono canzoni liriche impostate su raga specifici ma non necessariamente su tala. Questi canti, composti da Srimanta Sankardeva e Madhavdeva nei secoli XV-XVI, sono usati per iniziare i servizi di preghiera nei monasteri, ad es. Satra e Namghar sono associati all'Ekasarana Dharma e appartengono anche al repertorio della Musica dell'Assam al di fuori del contesto religioso. Sono un ceppo lirico che esprime i sentimenti religiosi dei poeti che reagiscono a situazioni diverse e differiscono da altri testi associati all'Ekasarana Dharma.

Gli strumenti di spicco utilizzati nei borgeets sono Negera,Taal, Khols ecc. [46]

Dandiya

Dandiya o Raas è una forma di danza culturale gujarati eseguita con bastoni. L'attuale stile musicale deriva dall'accompagnamento musicale tradizionale alla danza popolare. È praticato principalmente nello stato del Gujarat. C'è anche un altro tipo di danza e musica associata a Dandiya/Raas chiamato Garba.

Gaana

Gaana è una "raccolta di ritmi, ritmi e sensibilità tipici dei Dalit di Chennai" in stile rap. [47] [48] Si è evoluto negli ultimi due secoli, combinando influenze dal siddhar (adepti tantrici) di antichi Tamilakam, santi Tamil Sufi e altro ancora. [47] Le canzoni di Gaana vengono eseguite in occasione di matrimoni, spettacoli teatrali, raduni politici e funerali. Gli artisti cantano su una vasta gamma di argomenti, ma si dice che l'essenza di gaana sia "angoscia e malinconia" basata sulle lotte della vita. [47] Negli ultimi decenni, il genere è entrato nella musica dell'industria cinematografica tamil tradizionale e ha guadagnato popolarità. [47] [49] Le band gaana contemporanee come The Casteless Collective stanno portando il genere a un nuovo pubblico mentre lo usano per l'attivismo sociale, specialmente contro la discriminazione di casta. [47]

Haryanvi

La musica popolare Haryana ha due forme principali: musica popolare classica di Haryana e musica popolare desi di Haryana (musica country di Haryana). [50] Prendono la forma di ballate e dolori di separazione degli amanti, valore e coraggio, raccolto e felicità. [51] Haryana è ricca di tradizione musicale e anche luoghi sono stati nominati dopo i raga, ad esempio il distretto di Charkhi Dadri ha molti villaggi chiamati Nandyam, Sarangpur, Bilawala, Brindabana, Todi, Asaveri, Jaisri, Malakoshna, Hindola, Bhairvi e Gopi Kalyana . [50] [52]

Himachali

La musica popolare di Himachal varia a seconda dell'evento o del festival. Uno degli stili di musica più popolari è Nati Musica, dove nati essendo la danza tradizionale che viene eseguita sulla canzone. Nati Music è solitamente celebrativa e viene eseguita in fiere o altre occasioni come i matrimoni.

Jhumair e Domkach

Jhumair e Domkach sono musica popolare di Nagpuri. Gli strumenti musicali utilizzati nella musica e nella danza folk sono Dhol, Mandar, Bansi, Nagara, Dhak, Shehnai, Khartal, Narsinga ecc. [53] [54]

Lavani

Lavani deriva dalla parola Lavanya che significa "bellezza". Questa è una delle forme più popolari di danza e musica praticata in tutto il Maharashtra. È, infatti, diventato una parte necessaria degli spettacoli di danza popolare del Maharashtrian. Tradizionalmente, le canzoni sono cantate da artiste donne, ma gli artisti maschi possono occasionalmente cantare Lavanis. Il formato di danza associato a Lavani è noto come Tamasha. Lavani è una combinazione di canti e danze tradizionali, eseguiti in particolare sugli incantevoli battiti di 'Dholaki', uno strumento simile a un tamburo. La danza è eseguita da donne attraenti che indossano sari di nove iarde. Sono cantati con un tempo veloce. Lavani è originario della regione arida del Maharashtra e del Madhya Pradesh.

Manipuri

La musica di Manipur e la danza Manipuri sono patrimonio del popolo Manipuri. Secondo la tradizione del popolo Manipuri ai piedi e nelle valli himalayane che collegano l'India alla Birmania, sono i Gandharva (musicisti e danzatori celesti) nei testi vedici, [55] e i testi storici del popolo Manipuri chiamano la regione come Gandharva-desa. [56] Il Vedico Usha, la dea dell'alba, è un motivo culturale per le donne Manipuri e, nella tradizione indiana, era Usha che ha creato e insegnato l'arte della danza femminile alle ragazze. [56] Questa tradizione orale della danza femminile è celebrata come Chingkheirol nella tradizione Manipuri. [56]

Gli antichi testi sanscriti come l'epopea Mahabharata menziona Manipur, dove Arjuna incontra e si innamora di Chitragada. [55] La danza si chiama Jagoi in una delle principali lingue Meitei della regione e traccia una lunga tradizione a Manipur. La danza Lai Haraoba ha probabilmente radici antiche e condivide molte somiglianze con le posizioni di danza di Nataraja e del suo leggendario discepolo chiamato Tandu (localmente chiamato Tangkhu). [56] [55] Allo stesso modo, come fa la danza relativa alla gente comune Khamba e principessa Thoibi – che si esibiscono nei panni di Shiva e Parvati pan-indiani, nella leggendaria tragica storia d'amore di Khamba-Thoibi che si trova nell'epopea di Manipuri Moirang Parba. [55] [56] [57]

Marfa musica

Hadrani Marfa, o semplicemente musica Marfa, introdotta nel XVIII secolo nello stato di Hyderabad dalla comunità Siddi dell'Africa orientale dalla musica afro-araba di Hadhramawt nello Yemen, è una forma di musica ritmica celebrativa e danza tra i musulmani di Hyderabadi, suonata con un tempo alto usando Strumento Marfa, daff, Dhol, bastoncini, [58] [59] pentole in acciaio e listelli di legno chiamati thapi. [60]

La musica mizo ha avuto origine quando i distici furono sviluppati durante l'insediamento di Thantlang in Birmania tra il 1300 e il 1400 d.C., e le canzoni popolari sviluppate durante questo periodo erano dar hla (canzoni sul gong) Bawh hla (canti di guerra), Hlado (canti di caccia) Nauawih hla (Canzoni della culla) Un maggiore sviluppo dei canti può essere visto dall'insediamento di Lentlang in Birmania, stimato tra la fine del XV e il XVII secolo d.C. [61] I Mizo occuparono l'attuale Mizoram dalla fine del XVII secolo. Il periodo precoloniale, cioè dal XVIII al XIX secolo, fu un'altra epoca importante nella storia della letteratura popolare Mizo. Prima dell'annessione da parte del governo britannico, i Mizo occuparono l'attuale Mizoram per due secoli. Rispetto alle canzoni popolari di Thantlang e Lentlang, le canzoni di questo periodo sono più sviluppate nel numero, nella forma e nei contenuti. Le lingue sono più raffinate e anche i flussi migliori. La maggior parte delle canzoni di questo periodo prendono il nome dai compositori.

Odissi

Jayadeva, il santo poeta sanscrito del XII secolo, il grande compositore e illustre maestro di musica classica, ha dato un immenso contributo alla musica di Odissi. Durante il suo tempo Odra-Magadhi la musica di stile si è formata e ha raggiunto il suo status classico. Indicò i raga classici prevalenti in quel momento in cui questi dovevano essere cantati. Prima di questo c'era la tradizione di Chhanda che era semplice nella struttura musicale. Dal XVI secolo in poi, i trattati sulla musica [23] [24] furono Sangitamava Chandrika, Gita Prakasha, Sangita Kalalata e Natya Manorama. Un paio di trattati vale a dire, Sangita Sarani e Sangi Narayana, furono scritti anche all'inizio del XIX secolo.

Odissi Sangita comprende quattro classi di musica, vale a dire Dhruvapada, Chitrapada, Chitrakala e Panchal, descritto negli antichi testi musicali oriya. Il capo Odissi e Shokabaradi. Odissi Sangita (musica) è una sintesi di quattro classi di musica, vale a dire. Dhruvapada, Chitrapada, Chitrakala e Panchal, descritti nei testi sopra citati.

I grandi esponenti [23] [24] della musica di Odissi nei tempi moderni sono il defunto Singhari Shyamasundara Kar, Markandeya Mahapatra, Kashinath Pujapanda, Balakrushna Das, Gopal Chandra Panda, Ramhari Das, Bhubaneswari Misra, Shymamani Devi e Sunanda Patnaik, che hanno raggiunto eminenza nella musica classica.

Rabindra Sangeet (musica del Bengala)

Rabindra Sangeet (bengalese: রবীন্দ্রসঙ্গীত Roandro Shonggit, Pronuncia bengalese: [ɾobindɾo ʃoŋɡit] ), noto anche come canzoni di Tagore, sono canzoni scritte e composte da Rabindranath Tagore. Hanno caratteristiche distintive nella musica del Bengala, popolare in India e Bangladesh. [62] "Sangeet" significa musica, "Rabindra Sangeet" significa musica (o più appropriatamente canzoni) di Rabindra.

Tagore ha scritto circa 2.230 canzoni in bengalese, ora conosciute come Rabindra Sangeet, utilizzando come fonti la musica classica e la musica popolare tradizionale. [63] [64]

Tagore ha scritto inni nazionali dell'India e del Bangladesh e ha influenzato l'inno nazionale dello Sri Lanka.

Rajasthan

Il Rajasthan ha una collezione culturale molto diversificata di caste di musicisti, tra cui Langas, Sapera, Bhopa, Jogi e Manganiyar (letteralmente "quelli che chiedono/implorano"). Diario del Rajasthan la cita come una musica piena di sentimento e piena di armonia con una diversità armoniosa. Le melodie del Rajasthan provengono da una varietà di strumenti. La varietà a corde comprende Sarangi, Ravanahatha, Kamayacha, Morsing ed Ektara. Gli strumenti a percussione sono disponibili in tutte le forme e dimensioni, dagli enormi Nagaras e Dhols al minuscolo Damrus. Il Daf e il Chang sono i preferiti dei festaioli di Holi (il festival dei colori). Flauti e zampognari sono disponibili in sapori locali come Shehnai, Poongi, Algoza, Tarpi, Been e Bankia.

La musica del Rajasthan deriva da una combinazione di strumenti a corda, strumenti a percussione e strumenti a fiato accompagnati da interpretazioni di cantanti folk. Gode ​​di una presenza rispettabile anche nella musica di Bollywood.

Rock popolare sufi / rock sufi

Il folk rock sufi contiene elementi di hard rock moderno e musica popolare tradizionale con poesia sufi. Sebbene sia stato introdotto da band come Junoon in Pakistan, è diventato molto popolare, specialmente nel nord dell'India. Nel 2005, il rabbino Shergill ha pubblicato una canzone rock sufi chiamata "Bulla Ki Jaana", che è diventata una delle classifiche in India e Pakistan. Più recentemente, la canzone folk rock sufi "Bulleya" dal film del 2016 Ae Dil Hai Mushkil è diventato un successo colossale. [ citazione necessaria ]

Uttarakhandi

La musica popolare di Uttarakhandi ha le sue radici nel grembo della natura e nel terreno collinare della regione. Temi comuni nella musica popolare dell'Uttarakhand sono la bellezza della natura, le varie stagioni, i festival, le tradizioni religiose, le pratiche culturali, le storie popolari, i personaggi storici e il coraggio degli antenati. Le canzoni popolari dell'Uttarakhand sono un riflesso del patrimonio culturale e del modo in cui le persone vivono la loro vita in Himalaya. Gli strumenti musicali utilizzati nella musica dell'Uttarakhand includono Dhol, Damoun, Hudka, Turri, Ransingha, Dholki, Daur, Thali, Bhankora e Masakbhaja. Talvolta vengono utilizzati anche Tabla e Harmonium, specialmente nella musica folk registrata dagli anni '60 in poi. Strumenti musicali indiani e globali generici sono stati incorporati nella gente popolare moderna da cantanti come Mohan Upreti, Narendra Singh Negi, Gopal Babu Goswami e Chandra Singh Rahi. [ citazione necessaria ]

Musica dance

Musica da ballo, più comunemente chiamata "Musica da dj", viene suonato principalmente in discoteche, feste, matrimoni e altre celebrazioni. È più popolare tra i giovani. Si basa principalmente sulla musica da film indiana e sulla musica pop indiana, entrambe le quali tendono a prendere in prestito e modernizzare le canzoni della danza classica e popolare con strumenti moderni e altre innovazioni.

Musica da film

La più grande forma di musica popolare indiana è filmi, o canzoni di film indiani, che costituisce il 72% delle vendite di musica in India. [65] L'industria cinematografica indiana sostenne la musica accordando riverenza alla musica classica e utilizzando l'orchestrazione occidentale per supportare le melodie indiane. Compositori musicali, come RD Burman, Shankar Jaikishan, SD Burman, Laxmikant–Pyarelal, Madan Mohan, Bhupen Hazarika, Naushad Ali, OP Nayyar, Hemant Kumar, C. Ramchandra, Salil Chowdhury, Kalyanji Anandji, Ilaiyaraaja, AR Rahman, Jatin Lalit Anu Malik, Nadeem-Shravan, Harris Jayaraj, Himesh Reshammiya, Vidyasagar, Shankar Ehsaan Loy, Salim-Sulaiman, Pritam, MS Viswanathan, K. V. Mahadevan, Ghantasala e S. D. Batish hanno impiegato i principi dell'armonia pur mantenendo il sapore classico e popolare. Anche nomi famosi nel campo della musica classica indiana come Ravi Shankar, Vilayat Khan, Ali Akbar Khan e Ram Narayan hanno composto musiche per film. Tradizionalmente, nei film indiani, la voce per le canzoni non è fornita dagli attori, sono forniti dai cantanti professionisti di riproduzione, per suonare più sviluppati, melodiosi e pieni di sentimento, mentre gli attori sincronizzano le labbra sullo schermo. In passato, solo una manciata di cantanti forniva la voce nei film. Questi includono Kishore Kumar, K. J. Yesudas, Mohammed Rafi, Mukesh, S.P. Balasubrahmanyam, T.M. Soundararajan, Hemant Kumar, Manna Dey, P. Susheela, Lata Mangeshkar, Asha Bhonsle, K.S. Chitra, Geeta Dutt, S. Janaki, Shamshad Begum, Suraiya, Noorjahan e Suman Kalyanpur. I cantanti di playback recenti includono Udit Narayan, Kumar Sanu, Kailash Kher, Alisha Chinai, KK, Shaan, SPB Charan, Madhushree, Shreya Ghoshal, Nihira Joshi, Kavita Krishnamurthy, Hariharan (cantante), Ilaiyaraaja, A.R. Rahman, Sonu Nigam, Sukhwinder Singh, Kunal Ganjawala, Anu Malik, Sunidhi Chauhan, Anushka Manchanda, Raja Hasan, Arijit Singh e Alka Yagnik. Gruppi rock come Indus Creed, Indian Ocean, Silk Route ed Euphoria hanno acquisito un fascino di massa con l'avvento della televisione musicale via cavo.

Musica pop

La musica pop indiana si basa su una fusione di musica folk e classica indiana e ritmi moderni provenienti da diverse parti del mondo. La musica pop è davvero iniziata nella regione dell'Asia meridionale con la canzone del cantante di playback Ahmed Rushdi "Ko Ko Korina' nel 1966, seguito inizialmente da Mohammad Rafi alla fine degli anni '60 e poi da Kishore Kumar all'inizio degli anni '70. [66]

Dopodiché, gran parte della musica pop indiana proviene dall'industria cinematografica indiana e fino agli anni '90 pochi cantanti come Usha Uthup, Sharon Prabhakar e Peenaz Masani al di fuori di essa erano popolari. Da allora, i cantanti pop di quest'ultimo gruppo hanno incluso Daler Mehndi, Baba Sehgal, Alisha Chinai, KK, Shantanu Mukherjee aka Shaan, Sagarika, Colonial Cousins ​​(Hariharan, Lesle Lewis), Lucky Ali e Sonu Nigam e compositori di musica come Zila Khan o Jawahar Wattal, che hanno realizzato gli album più venduti con Daler Mehndi, Shubha Mudgal, Baba Sehgal, Shweta Shetty e Hans Raj Hans. [67]

Di recente, il pop indiano ha preso una svolta interessante con il "remix" di canzoni di canzoni di film indiani passati, aggiungendovi nuovi ritmi.

Musica patriottica

I sentimenti patriottici sono stati istigati negli indiani attraverso la musica fin dall'era della lotta per la libertà. Jana Gana Mana, l'inno nazionale dell'India di Rabindranath Tagore, è ampiamente accreditato [69] [70] per aver unito l'India attraverso la musica e Vande Mataram di Bankim Chandra Chattopadhyay come canzone nazionale dell'India. Canzoni patriottiche sono state scritte anche in molte lingue regionali come Biswo Bizoyi No Zuwan in Assamese. Canzoni post-indipendenza come Aye mere watan ke logo, Mile Sur Mera Tumhara, Ab Tumhare Hawale Watan Saathiyo, Maa Tujhe Salaam di A.R.Rahman sono state responsabili del consolidamento dei sentimenti di integrazione nazionale e unità nella diversità.

Adozione della musica occidentale in India

La musica del mondo occidentale è stata adottata in India, creando musica fusion in India che a sua volta ha arricchito e creato generi globali di musica occidentale.

Goa trance

Goa trance, uno stile di musica elettronica che ha avuto origine alla fine degli anni '80 a Goa in India, [71] ha linee di basso funky, simili a droni, simili al minimalismo techno della psytrance del 21° secolo. La trance psichedelica si è sviluppata dalla trance di Goa. [72] Alla fine degli anni '60 e all'inizio degli anni '70, Goa divenne popolare come capitale hippie, il che portò all'evoluzione della trance di Goa negli anni '80 mescolando la cultura spirituale dell'India con elementi musicali occidentali della musica industriale, new beat e musica elettronica del corpo ( EBM), e l'attuale stile di trance Goa si è affermato all'inizio degli anni '90. [71] [73]

Jazz e blues

Il jazz in India è stato eseguito regolarmente per la prima volta nelle metropoli di Calcutta e Bombay all'inizio o alla metà degli anni '20. [74] [75] Dagli anni '30 agli anni '50 viene definita l'età d'oro del jazz in India, quando musicisti jazz come Leon Abbey, Crickett Smith, Creighton Thompson, Ken Mac, Roy Butler, Teddy Weatherford (che registrò con Louis Armstrong ), e Rudy Jackson che hanno girato l'India per evitare la discriminazione razziale che hanno dovuto affrontare negli Stati Uniti. [76] [77] Negli anni '30, i musicisti jazz suonavano nei locali notturni di Bombay, come nella sala da ballo dell'hotel Taj Mahal, molti di questi musicisti erano Goans la maggior parte dei quali lavorava anche nell'industria cinematografica di Bollywood e furono responsabili dell'introduzione di generi come il jazz e lo swing alla musica da film hindi. [78]

Il blues indiano è meno diffuso in India rispetto al jazz. L'interesse per il blues in India è stato solo accidentale a causa dell'ascendenza condivisa con il jazz.

Musica rock e metal

Rock indiano

La scena della musica rock in India è piccola rispetto alle scene di musicalità filmi o fusion. La musica rock in India ha le sue origini negli anni '60, quando star internazionali come i Beatles hanno visitato l'India e hanno portato con sé la loro musica. La collaborazione di questi artisti con musicisti indiani come Ravi Shankar e Zakir Hussain ha portato allo sviluppo del raga rock. Le stazioni radio internazionali a onde corte come The Voice of America, BBC e Radio Ceylon hanno svolto un ruolo importante nel portare la musica pop, folk e rock occidentale alle masse. I gruppi rock indiani iniziarono a guadagnare importanza solo molto più tardi, verso la fine degli anni '80.

Fu in questo periodo che la rock band Indus Creed, precedentemente nota come The Rock Machine, si fece notare sulla scena internazionale con successi come Rinnegato del rock'n'roll. Altre band seguirono rapidamente. Con l'introduzione di MTV nei primi anni '90, gli indiani iniziarono ad essere esposti a varie forme di rock come il grunge e lo speed metal, influenzando la scena nazionale. Le città della regione nord-orientale, principalmente Guwahati e Shillong, Calcutta, Delhi, Mumbai e Bangalore sono emerse come importanti crogioli per gli appassionati di rock e metal. Bangalore è stato il fulcro del movimento rock e metal in India. Alcune band importanti includono Nicotine, Voodoo Child, Indian Ocean, Kryptos, Thermal and a Quarter, Demonic Resurrection, Motherjane, Avial e Parikrama. Da allora sono emerse etichette specifiche per il rock come DogmaTone Records e Eastern Fare Music Foundation, che supportano gli artisti rock indiani.

Dall'India centrale, Nicotine, una band metal con sede a Indore, è stata accreditata con la musica metal pionieristica nella regione. [79] [80] [81] [82] [83] [84] [85] [86] [87] [88] [ citazioni eccessive ]

Raga rock

Il raga rock è musica rock o pop con una forte influenza indiana, sia nella sua costruzione, nel suo timbro, sia nel suo uso di strumenti, come il sitar e la tabla. I Raga e altre forme di musica classica indiana iniziarono ad influenzare molti gruppi rock durante gli anni '60, i più famosi sono i Beatles. Le prime tracce di "raga rock" possono essere ascoltate in brani come "See My Friends" dei Kinks e "Heart Full of Soul" degli Yardbirds, pubblicato il mese precedente, caratterizzato da un riff sitar del chitarrista Jeff Beck. [89] [90] La canzone dei Beatles "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)", che apparve per la prima volta nell'album Rubber Soul del 1965, fu la prima canzone pop occidentale a incorporare effettivamente il sitar (suonato dal chitarrista solista George Harrison) . [90] [91] Il singolo del marzo 1966 dei Byrds "Eight Miles High" e il suo lato B "Why" furono influenti anche nell'origine del sottogenere musicale. In effetti, il termine "raga rock" è stato coniato dal pubblicista dei Byrds nei comunicati stampa del singolo ed è stato utilizzato per la prima volta sulla stampa dalla giornalista Sally Kempton nella sua recensione di "Eight Miles High" per The Village Voice. [92] [93] L'interesse di George Harrison per la musica indiana, rese popolare il genere a metà degli anni '60 con canzoni come "Love You To", "Tomorrow Never Knows" (accreditato a Lennon-McCartney), "Within You Without You" e "La Luce Interiore". [94] [95] [96] I gruppi rock degli anni '60 influenzarono a loro volta gruppi britannici e americani e gruppi indiani per sviluppare una forma successiva di rock indiano.

Musica classica occidentale

Il seguito della musica classica occidentale in India è quasi del tutto inesistente. È frequentato principalmente dalla comunità zoroastriana indiana, dalla comunità cristiana protestante a Chennai e Bangalore e da piccoli gruppi esoterici con un'esposizione storica alla musica classica occidentale. Anche l'educazione musicale occidentale è rara in India. L'istruzione occidentale di tastiera, batteria e chitarra costituisce un'eccezione in quanto ha riscontrato un certo interesse principalmente nello sforzo di creare musicisti al servizio della musica popolare indiana contemporanea. Nonostante più di un secolo di esposizione alla musica classica occidentale e due secoli di colonialismo britannico, la musica classica in India non ha mai guadagnato più che una popolarità marginale. [ citazione necessaria ] .

Tuttavia, l'educazione musicale classica occidentale è migliorata con l'aiuto di alcune istituzioni in India, tra cui KM Music Conservatory (fondato dal compositore premio Oscar ARRahman), Calcutta School of Music, Eastern Fare Music Foundation, [97] Nel 1930, Mehli Mehta fonda l'Orchestra Sinfonica di Bombay. [98] Suo figlio Zubin Mehta ha goduto di una lunga carriera internazionale di direttore d'orchestra. La Bombay Chamber Orchestra [99] (BCO) è stata fondata nel 1962. Delhi School of Music, Delhi Music Academy, Guitarmonk e altri che supportano la musica classica occidentale. [ citazione necessaria ] . Nel 2006 è stata fondata l'Orchestra Sinfonica dell'India, ospitata presso l'NCPA di Mumbai.Oggi è l'unica orchestra sinfonica professionale in India e presenta due stagioni concertistiche all'anno, con direttori e solisti di fama mondiale.

Secondo le Nazioni Unite, la diaspora indiana è la più grande diaspora d'oltremare del mondo con 17,5 milioni di migranti internazionali di origine indiana in tutto il mondo, [100] che aiutano a diffondere il soft power globale dell'India. [101]

Influenza su altri generi

Antica influenza sul genere musicale del sud-est asiatico

Con l'espansione dell'influenza culturale dell'Indosfera nella Grande India, [103] attraverso la trasmissione dell'Induismo nel sud-est asiatico [104] [105] [106] e la trasmissione del buddismo sulla Via della Seta [107] [108] che portò all'indianalizzazione del sud-est asiatico attraverso la formazione dei regni indiani nativi del sud-est asiatico non indiano [109] che adottarono la lingua sanscrita [110] e altri elementi indiani [111] come i titoli onorifici, la denominazione di persone, la denominazione di luoghi, i motti di organizzazioni e istituti educativi nonché l'adozione dell'architettura indiana, delle arti marziali, della musica e della danza indiana, dell'abbigliamento tradizionale indiano e della cucina indiana, un processo che è stato aiutato anche dalla continua espansione storica della diaspora indiana. [101]

Musica indonesiana e malese

Nella musica indonesiana e malese, il Dangdut, un genere di musica popolare, è in parte derivato e fuso dalla musica indostana. È molto popolare a causa della sua strumentazione melodiosa e della voce. Dangdut presenta un ritmo tabla e gendang. [112] [113] Gli indonesiani ballano in modo un po' simile al ghoomar mentre ascoltano la musica dangdut, ma in una versione molto più lenta.

Musica tailandese

La letteratura e il teatro thailandesi trae grande ispirazione dalle arti indiane e dalle leggende indù. L'epopea del Ramayana è popolare in Thailandia quanto il Ramakien. Due delle danze classiche tailandesi più popolari il Khon, eseguito da uomini che indossano maschere feroci, e il Lakhon (Lakhon nai, Lakhon chatri e Lakhon nok), eseguito da donne che interpretano ruoli sia maschili che femminili, trae ispirazione principalmente dal Ramakien. Strumenti a percussione e Piphat, un tipo di legni accompagnano la danza. [114] Nang Talung, un gioco di ombre thailandese ispirato al Bommalattam dell'India meridionale, ha ombre realizzate con pezzi di pelle di mucca o bufalo d'acqua tagliati per rappresentare figure umane con braccia e gambe mobili che vengono proiettate su uno schermo per l'intrattenimento degli spettatori.

Filippine
  • Epopee e canti filippini ispirati ai poemi epici religiosi indiani indù Ramayana e Mahabharta.
      del popolo Ifugao della regione amministrativa della Cordillera nell'isola di Luzon nelle Filippine, 11 capolavori del patrimonio orale e immateriale dell'umanità nel 2001 e formalmente iscritti come patrimonio culturale immateriale dell'UNESCO nel 2008. Vedi anche Hudhud - l'epopea di Ifugao. (Inglese: "La vita di Lam-ang") è un poema epico del popolo Ilocano della regione di Ilocos. epopea della regione di Bikol nel sud-est di Luzon.
  • "Aginid, Bayok sa come Tawarik", un poema epico Bisayan di Cebu.
  • Bayok, un'epopea del popolo Marano del Mindanao nordoccidentale.
    • , chitarra filippina nativa del popolo Maranao, Manobo e Maguindanao, è influenzata dai concetti di melodia e scala della musica classica indiana.

    Fusione con musica tradizionale di altre nazioni

    A volte, la musica dell'India si fonde con la musica tradizionale nativa di altri paesi. Ad esempio, Delhi 2 Dublin, una band con sede in Canada, è nota per la fusione di musica indiana e irlandese e Bhangraton è una fusione della musica Bhangra con il reggaeton. [115]

    Musica del mondo occidentale

    Musica da film

    Il compositore cinematografico indiano A. R. Rahman ha scritto la musica per Andrew Lloyd Webber's Bombay Dreams, e una versione musicale di Hum Aapke Hain Koun è andato in scena nel West End di Londra. Il film sportivo di Bollywood Lagaan (2001) è stato nominato per l'Oscar per il miglior film in lingua straniera e altri due film di Bollywood (2002's Devdas e del 2006 Rang De Basanti) sono stati nominati per il premio BAFTA per il miglior film non in lingua inglese.

    Danny Boyle Slumdog Millionaire (2008) è stato ispirato dai film di Bollywood. [116] [117]

    Hip hop e reggae

    Bhangraton è una fusione della musica Bhangra con il reggaeton, che a sua volta è una fusione di hip hop, reggae e musica tradizionale latinoamericana. [115]

    All'inizio degli anni '60 i pionieri del jazz come John Coltrane, che registrò una composizione intitolata "India" durante le sessioni di novembre 1961 per il suo album Vivi al Village Vanguard (la traccia non è stata pubblicata fino al 1963 sull'album di Coltrane Impressioni)—abbracciò anche questa fusione. George Harrison (dei Beatles) suonò il sitar nella canzone "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)" nel 1965, che suscitò l'interesse di Shankar, che successivamente prese Harrison come suo apprendista. L'innovatore del jazz Miles Davis ha registrato e suonato con musicisti come Khalil Balakrishna, Bihari Sharma e Badal Roy nei suoi ensemble elettrici post-1968. Il virtuoso chitarrista jazz John McLaughlin ha trascorso diversi anni a Madurai imparando la musica carnatica e l'ha incorporata in molti dei suoi atti, tra cui Shakti, che comprendeva importanti musicisti indiani. Altri artisti occidentali come Grateful Dead, Incredible String Band, Rolling Stones, Move e Traffic presto incorporarono influenze e strumenti indiani e aggiunsero artisti indiani. Il leggendario frontman dei Grateful Dead Jerry Garcia si è unito al chitarrista Sanjay Mishra nel suo classico CD "Blue Incantation" (1995). Mishra ha anche scritto una colonna sonora originale per il regista francese Eric Heumann per il suo film Porto Djema (1996) che ha vinto come miglior colonna sonora al festival di Hamptons e The Golden Bear a Berlino. nel 2000 ha registrato Salvare con il batterista Dennis Chambers (Carlos Santana, John McLaughlin et al.) e nel 2006 Chateau Benares con ospiti DJ Logic e Keller Williams (chitarra e basso).

    Film musicale

    Dall'inizio degli anni 2000, Bollywood ha iniziato a influenzare i film musicali nel mondo occidentale ed è stato un ruolo determinante nel far rivivere il film musicale americano. Baz Luhrmann ha detto che il suo film musicale, Moulin Rouge! (2001), è stato ispirato dai musical di Bollywood [118] il film incorpora una scena di danza in stile Bollywood con una canzone del film Porta della Cina. Il successo critico e finanziario di Moulin Rouge! iniziò una rinascita dei film musicali occidentali come Chicago, Affitto, e Ragazze da sogno. [119]

    Musica psichedelica e trance
    Rock and roll

    Alla fine degli anni '70 e all'inizio degli anni '80, le fusioni rock and roll con la musica indiana erano ben note in tutta Europa e nel Nord America. La performance del 1955 di Ali Akbar Khan negli Stati Uniti fu forse l'inizio di questa tendenza. Nel 1985, un ibrido Raga Rock orientato al beat chiamato Sitar Power di Ashwin Batish ha reintrodotto il sitar nelle nazioni occidentali. Sitar Power ha attirato l'attenzione di un certo numero di etichette discografiche ed è stato catturato dalla Shanachie Records del New Jersey per dirigere la loro divisione World Beat Ethno Pop.

    Technopop

    L'influenza di filmi può essere visto nella musica popolare in tutto il mondo. I pionieri del Technopop Haruomi Hosono e Ryuichi Sakamoto della Yellow Magic Orchestra hanno prodotto un album elettronico del 1978, Luna di Cochin, basato su una fusione sperimentale di musica elettronica e musica indiana ispirata a Bollywood. [120] La canzone "Addictive" di Truth Hurts del 2002, prodotta da DJ Quik e Dr. Dre, è stata tratta da "Thoda Resham Lagta Hai" di Lata Mangeshkar in Jyoti (1981). [121] La canzone "Don't Phunk with My Heart", vincitrice del Grammy Award 2005 dei Black Eyed Peas, è stata ispirata da due canzoni di Bollywood degli anni '70: "Ye Mera Dil Yaar Ka Diwana" di assistente (1978) e "Ae Nujawan Hai Sub" da Apradh (1972). [122] Entrambe le canzoni sono state composte da Kalyanji Anandji, cantate da Asha Bhosle e hanno caratterizzato la ballerina Helen. [123]

    Musica classica occidentale

    Alcuni indiani di spicco nella musica classica occidentale sono:

      - direttore d'orchestra ed educatore musicale, direttore d'orchestra, padre di Zubin, violinista e direttore fondatore della Bombay Symphony Orchestra, pianista, il primo indiano a comporre una sinfonia completa eseguita dalla Royal Philharmonic Orchestra nella Walthamstow Town Hall di Londra, compositore di origine indiana britannica , compositore di origine indiana britannica , compositore di origine indiana , compositore di origine indiana di SHABD ITNA PYARA https://soundcloud.com/futuresoundmumbai/shabd-itna-pyara

    Influenza sulla scena musicale nazionale

    Bollywood è stata una forma significativa di soft power per l'India, aumentando la sua influenza e cambiando la percezione dell'India all'estero. [124] [125] Secondo l'autore Roopa Swaminathan, "il cinema di Bollywood è uno dei più forti ambasciatori culturali globali di una nuova India". [125] [126] Il suo ruolo nell'espansione dell'influenza globale dell'India è paragonabile al ruolo simile di Hollywood con l'influenza americana. [127]

    Africa

    I film hindi sono stati originariamente distribuiti in alcune parti dell'Africa da uomini d'affari libanesi e Madre India (1957) ha continuato a essere proiettato in Nigeria decenni dopo la sua uscita. I film indiani hanno influenzato l'abbigliamento Hausa, le canzoni sono state interpretate da cantanti Hausa e le storie hanno influenzato i romanzieri nigeriani. Adesivi di film e star indiani decorano taxi e autobus nella regione settentrionale della Nigeria, e poster di film indiani sono appesi alle pareti delle sartorie e dei garage dei meccanici. [129]

    In Sud Africa, le importazioni di film dall'India sono state seguite dal pubblico nero e indiano. [130] Diverse figure di Bollywood si sono recate in Africa per film e progetti off-camera. Padmashree Laloo Prasad Yadav (2005) è stato girato in Sudafrica. [131] Dil Jo Bhi Kahey. (2005) è stato anche girato quasi interamente a Mauritius, che ha una grande popolazione etnico-indiana.

    In Egitto, i film di Bollywood erano popolari negli anni '70 e '80. [132] [133] Amitabh Bachchan è rimasto popolare nel paese [134] e ai turisti indiani che visitano l'Egitto viene chiesto: "Conosci Amitabh Bachchan?" [135]

    Americhe

    Caraibico

    La musica indo-caraibica degli indo-caraibici nei Caraibi è più comune a Trinidad e Tobago, Guyana, Giamaica e Suriname, il che riflette la loro eredità Bhojpuri. La strumentazione principale è dhantal, asta metallica, claper, dholak, tamburo a due teste. Le donne cantano bhajan indù e canzoni popolari dalla musica di Bhojpur in vari importanti eventi della vita, rituali, celebrazioni, festival come phagwah e holi. I contributi indo-caraibici alla musica popolare sono molto importanti. Il più noto è l'Indo-Trinidad musica chutney tradizione. Il chutney è una forma di musica da ballo popolare che si è sviluppata tra la metà e la fine del XX secolo. Baithak Gana è una forma popolare simile originaria del Suriname. [136] [137]

    America Latina

    Ci sono significative comunità della diaspora indiana in Suriname [138] e in Guyana, la musica indiana ei film in lingua hindi sono popolari. [139] Nel 2006, Dhoom 2 è diventato il primo film di Bollywood ad essere girato a Rio de Janeiro. [140]

    Nord America

    Nel nuovo millennio, l'hip-hop americano ha caratterizzato filmi e bhangra indiani. Gli artisti hip-hop tradizionali hanno campionato brani dai film di Bollywood e hanno collaborato con artisti indiani. Gli esempi includono "Indian Flute" di Timbaland, "React" di Erick Sermon e Redman, "Disco" di Slum Village e la canzone di successo di Truth Hurts "Addictive", che ha campionato una canzone di Lata Mangeshkar, e The Black Eyed Peas ha campionato la canzone di Asha Bhosle "Yeh Mera Dil" nel loro singolo di successo "Don't Phunk With My Heart". Nel 1997, la band britannica Cornershop ha reso omaggio ad Asha Bhosle con la loro canzone Ricco di Asha, che divenne un successo internazionale. L'artista indiano di origine britannica Panjabi MC ha avuto anche un successo Bhangra negli Stati Uniti con "Mundian To Bach Ke" con il rapper Jay-Z. Gli Asian Dub Foundation non sono grandi star mainstream, ma il loro sound influenzato dal rap e dal punk rock politicamente carico ha un pubblico multirazziale nel loro nativo Regno Unito. Nel 2008, la star internazionale Snoop Dogg è apparsa in una canzone nel film Singh Is Kinng. Nel 2007, il produttore hip-hop Madlib ha pubblicato Beat Konducta Vol 3-4: Beat Konducta in India, un album che campiona pesantemente ed è ispirato alla musica indiana.

    Asia del sud

    A causa del patrimonio culturale e della lingua condivisi, la musica indiana e i film di Bollywood sono popolari anche in Afghanistan, Pakistan, Bangladesh e Nepal, dove l'Hindustani è ampiamente compreso. [141] [142]

    Sud-est asiatico
    Asia occidentale

    L'Asia occidentale ha una grande popolazione della diaspora indiana, che consuma principalmente musica indiana. La musica indiana è anche popolare tra i nativi del Medio Oriente. L'85% della popolazione del Qatar e il 75% della popolazione totale degli Emirati Arabi Uniti sono cittadini indiani. [143] I film e la musica hindi sono diventati popolari nei paesi arabi, [144] e i film indiani importati sono solitamente sottotitolati in arabo quando vengono rilasciati. Bollywood ha fatto progressi in Israele dai primi anni 2000, con canali dedicati ai film indiani sulla televisione via cavo [145]

    Europa

    Germania

    In Germania, gli stereotipi indiani includevano carri trainati da buoi, mendicanti, vacche sacre, politici corrotti e catastrofi prima che Bollywood e l'industria IT trasformassero la percezione globale dell'India. [146]

    Alla fine degli anni '80, gli artisti indiani-britannici hanno fuso le tradizioni indiane e occidentali per creare l'Asian Underground. Dagli anni '90, il musicista canadese Nadaka che ha trascorso la maggior parte della sua vita in India, ha creato musica che è una fusione acustica della musica classica indiana con gli stili occidentali. Uno di questi cantanti che ha fuso la tradizione Bhakti sangeet dell'India con la musica occidentale non indiana è Krishna Das e vende dischi musicali della sua sadhana musicale. Un altro esempio è la musicista indo-canadese Vandana Vishwas che ha sperimentato la musica occidentale nel suo album del 2013 monologhi.

    In un esempio più recente di fusione indiano-britannica, Laura Marling insieme a Mumford and Sons ha collaborato nel 2010 con il Dharohar Project su un EP di quattro canzoni. [32] La band britannica Bombay Bicycle Club ha anche campionato la canzone "Man Dole Mera Tan Dole" per il loro singolo "Feel". [147] Laxmikant-Pyarelal

    Oceania

    A causa della grande popolazione della diaspora indiana, la musica e i film indiani sono molto popolari nelle Figi, specialmente tra gli indo-fijiani. [148]

    L'Australia e la Nuova Zelanda hanno il 2% di popolazione indiana, così come un'altra grande diaspora dell'Asia meridionale, e la musica e i film di Bollywood sono popolari anche tra i non asiatici nel paese. [148]

    Sangeet Natak Akademi è l'accademia di livello nazionale per le arti dello spettacolo istituita dal governo dell'India nel 1952, che conferisce il Sangeet Natak Akademi Award come il più alto riconoscimento ufficiale del governo indiano dato agli artisti praticanti, [149] Ha istituito diverse istituzioni tra cui il Manipur Dance Academy a Imphal, [150] Ravindra Rangshala Centers, [151] Sattriya Centre, Kathak Kendra (National Institute of Kathak Dance) a New Delhi, Center for Kutiyattam a Thiruvananthapuram, Chhau Center a Baripada a Jamshedpur, Banaras Music Akademi,


    Mostre Speciali

    Granite Rock Company, fondata il 14 febbraio 1900, è orgogliosa della sua ricca storia, parallela alla crescita e allo sviluppo della costa centrale della California. Nel corso degli anni, la nostra famiglia è stata ispirata dai valori fondamentali originariamente stabiliti da Arthur Roberts Wilson. Con visione, ispirazione e una gestione straordinaria, suo nipote Bruce Wilson Woolpert ha utilizzato questi valori per trasformare l'azienda in un'azienda di successo e molto rispettata nella regione di San Francisco e Monterey Bay.

    L'azienda conserva una ricca collezione di fotografie e documenti storici che abbracciano gli anni. Rivelano le storie della gente di Graniterock, che ha costruito un'azienda duratura, provvedendo alle proprie famiglie e contribuendo alle proprie comunità.

    Il Museo Virtuale di Graniterock è una raccolta dei preferiti della nostra collezione. Foto e documenti di ogni decennio sono selezionati per illustrare personaggi, luoghi ed eventi importanti dell'epoca. Di volta in volta, verranno aggiunte collezioni speciali per evidenziare epoche o interessi particolari.

    Accogliamo con favore commenti, correzioni e aggiunte ai nostri archivi. L'edilizia è una parte essenziale della storia della nostra regione e siamo lieti di poter condividere la nostra storia con voi.

    Scopri di più sulla storia di Graniterock nella Brochure sulla storia e nella Brochure sulla storia di Redwood City

    Le radici di Granite Rock Company affondano nella storia della costa centrale della California. In effetti, la sua storia inizia più di 200 milioni di anni fa, quando una massa di granito fuso iniziò a sollevarsi dalle profondità della terra attraverso calcare, arenaria e argilla sul letto di un antico oceano. Il granito si è raffreddato, si è contratto e si è rotto, ed è stato piegato, rotto, frantumato e sollevato mentre la placca del Pacifico si spostava lentamente verso nord. La posizione fortuita del granito direttamente sulla faglia di San Andreas faciliterebbe l'estrazione futura di questa roccia prefratturata.

    Nel 1769 la Spedizione Portola si accampò sul fiume Pajaro e notò i giganteschi alberi con boschi di colore rosso che crescevano nelle vicinanze, ma il suo deposito di granito non sarebbe stato notato per altri 102 anni. Nel 1871, mentre tracciavano la ferrovia costiera del Pacifico meridionale vicino a Chittenden Pass, nove miglia a est della città di Watsonville, gli ingegneri trovarono del granito sul loro percorso. Era perfetto per l'uso come zavorra per formare letti ferroviari mentre i binari venivano posati in tutto lo stato.

    Sulla scia della corsa all'oro, persone avventurose stavano arrivando in Occidente in cerca di una nuova vita. L'adolescente Joanna McIntyre ha viaggiato attraverso l'Istmo di Panama sulla rotta dal Kentucky, e in California ha incontrato e sposato Enoch Wilson, un negoziante di San Francisco. Hanno mandato il figlio Arthur a studiare ingegneria al Massachusetts Institute of Technology. Arthur Roberts Wilson si laureò con la classe del MIT del 1890 e tornò in California per iniziare la sua carriera come ingegnere edile. Ha servito un mandato come ingegnere civile di Oakland City e ha gestito la cava di Leona Heights di Oakland. Nel frattempo, nella contea di Santa Cruz, un altro giovane di nome Warren Porter ha visto una buona opportunità di affari nella piccola cava di granito di Aromas. Chiese a Wilson di unirsi a lui nell'acquisto della cava e di gestirla anche. A.R. Wilson ha preso in prestito $ 10.000, si è trasferito con sua moglie e i suoi figli a Watsonville e ha incorporato la Granite Rock Company il 14 febbraio 1900.

    All'inizio, le operazioni di cava erano difficili. Gli uomini usavano mazze, picconi, pale e carriole per rompere e caricare roccia su carri trainati da cavalli per il viaggio verso la linea ferroviaria. I lavoratori sono stati pagati $ 1,75 per dieci ore al giorno per produrre 12 tonnellate di roccia rotta in dimensioni di 6 pollici e meno. Gli uomini dormivano nel dormitorio della cava e mangiavano nella cucina. La colazione veniva servita alle 5 del mattino. – i lavori sono iniziati alle 6 del mattino I soccorsi arrivarono nel 1903 quando la cava fu automatizzata con un frantoio McCully n. 3 a vapore. Produceva 20 tonnellate di roccia da 2 pollici e mezzo all'ora. Il granito veniva trasportato dal fronte della cava in vagoni ferroviari a scarico laterale trainati da cavalli, ancora caricati a mano.

    Poi è successo il disastro. La faglia di Sant'Andrea aveva creato la cava e ora ha distrutto ciò che si trovava sul suo cammino. Il terremoto del 1906 rase al suolo il nuovo impianto di frantumazione a vapore e ne interruppe l'attività. Le rotaie del treno sono state attorcigliate, i vagoni ferroviari si sono ribaltati e l'operazione di cava è stata generalmente devastata. A.R.Wilson si unì ai soccorsi in caso di catastrofe e portò tutto il pane che riuscì a trovare per aiutare i cittadini affamati di San Francisco. Fortunatamente, la devastazione del terremoto ha creato una nuova domanda di costruzione. Granite Rock Company, con la licenza n. 22 del California State Contractor, ha costruito una serie di importanti edifici a San Francisco e intorno all'area di Monterey Bay. Tra quelli ancora in piedi ci sono il vecchio municipio di Gilroy e il vecchio edificio di San Francisco Wells Fargo.

    Quando le automobili iniziarono a sostituire il cavallo e il calesse, la pavimentazione stradale divenne una necessità. La Granite Rock Company ha ricevuto il suo primo contratto stradale per il posizionamento di macadam per l'acqua su Lake Avenue a Watsonville, da Walker Street ai limiti nord-est della città. Il contratto totale, comprese le inquadrature e le grondaie, ammontava a $ 18.000. Nel 1915, la legislatura dello stato della California approvò un disegno di legge noto come "Get Out of the Mud Act" per incoraggiare la modernizzazione delle strade e i venditori di Granite Rock erano impegnati a firmare i quartieri per lastricare le loro strade.

    Alla cava degli aromi fu acquistata una pala a vapore Marion per meccanizzare ulteriormente le operazioni e nel 1911 i carri trainati da cavalli furono sostituiti con una locomotiva a vapore Porter per trasportare la roccia rotta dal fronte della cava al frantoio. La roccia è stata caricata su vagoni ferroviari Western Dump con sponde in legno e gli uomini sono saliti su per rompere le grandi rocce con una mazza. Se la roccia non si rompeva, veniva gettata nella dinamite per la squadra di polvere da sparo. Alla Panama Pacific Exhibition del 1915 di San Francisco, Granite Rock Company ha vinto il nastro d'oro per l'eccellenza nella roccia frantumata.

    La prima guerra mondiale fece salire alle stelle i costi di trasporto e, di conseguenza, furono sviluppate piante locali in modo che la roccia potesse essere venduta in piccoli lotti di camion. Granite Rock Company ha costruito bunker lungo la ferrovia da South San Francisco a San Luis Obispo per rifornire le imprese edili locali. La costruzione era in piena espansione in tutta la California e la Granite Rock Company si stava espandendo con le crescenti esigenze dello stato. Nel 1916 fu costruita una ferrovia per i giacimenti petroliferi di Doheny, nel sud della California, e Granite Rock inviò uomini e macchinari fino a Santa Maria a sud per eseguire il lavoro. Nel 1918, Granite Rock costruì l'autostrada che collega Castroville con Moss Landing. Impiegato in questo lavoro "Cauliflower Boulevard" era un operaio di Salinas di nome John Steinbeck.

    Nel 1922 l'A.R. Wilson divenne presidente e azionista di maggioranza della Granite Rock Company. Sempre quell'anno, Wilson fondò la Granite Construction Company come entità separata e ne divenne il primo presidente. Nel 1924, Wilson fondò la Central Supply Company, che distribuiva materiali da costruzione. Granite Rock Company è rimasta il produttore di prodotti di roccia e sabbia per progetti di costruzione e vendita di materiali. Sempre nel 1922, il 56enne Wilson, da poco vedovo, sposò Anna R. Weiss di St. Louis, Missouri e iniziò a crescere una nuova famiglia. Nel frattempo, il figlio di A.R., A.J. "Jeff" Wilson, ha assunto la vicepresidenza di Granite Rock. Tutto andava bene fino a quando un giorno, tornando a casa dal lavoro alla cava, A.R. Wilson ha subito un grave attacco di cuore ed è morto. Sua moglie Anna, ora 43enne e con due bambini piccoli da allevare, ha assunto la presidenza dell'azienda e Jeff Wilson ha assunto la carica di direttore generale. Tutto questo avvenne appena dieci giorni prima del crollo della borsa del 1929.

    La Grande Depressione ha messo a dura prova gli affari americani e Granite Rock non ha fatto eccezione. Il lavoro era così scarso alla cava che è stato fischiato per chiamare gli uomini quando è stato ordinato anche solo un vagone di roccia. Il consiglio di amministrazione ha dovuto chiedere il permesso alla Federal Reserve Bank per dare i bonus di Natale. Incapace di offrire un impiego regolare, l'azienda ha concesso prestiti senza interessi per coprire le spese mediche. Lottando per mantenere a galla le sue tre società, la famiglia Wilson vendette la sua partecipazione in Granite Construction a Walter Wilkinson e Bert Scott nel 1936. Furono vendute anche le filiali di South San Francisco, San Jose e San Luis Obispo della Central Supply Company.

    Tuttavia, negli anni '30 ci furono dei progressi. La Central Supply Company ha aperto il primo impianto di calcestruzzo asfaltico della California ad Aromas e ha iniziato la prima consegna in California di calcestruzzo premiscelato in piccoli dumper. Questo cemento è andato per progetti come la costruzione del WPA dell'Auditorium Civico di Santa Cruz. La seconda guerra mondiale ha portato nuove attività a Granite Rock. I materiali erano necessari per costruire Fort Ord, Camp McQuaide e la pista di atterraggio della Marina a Watsonville. Molti uomini erano in servizio nelle forze armate e lavoravano negli impianti di guerra, quindi i lavoratori arrivarono dalla Giamaica e per la prima volta, anche se solo temporaneamente, le donne furono impiegate nella cava. Un nuovo impianto è stato costruito ad Asilomar a Pacific Grove e lo scavo del fronte minerario presso la cava degli aromi lo ha portato a 100 piedi di altezza, ora a livello dei binari del treno. Al piano inferiore è stato costruito un nuovo impianto di frantumazione primaria, inaugurato nel 1946.

    All'inizio degli anni '50, Jeff Wilson aveva lasciato Granite Rock e Anna Wilson si era ritirata. Sua figlia, Mary Elizabeth (Betsy) Wilson Woolpert, ha assunto la presidenza. Ancora una volta, è stato un momento di crescita. Ad Aromas sono stati costruiti impianti di lavorazione e carico a umido e nuovi impianti a Salinas, Felton, Santa Cruz e Los Gatos. Central Supply ha acquistato la sua prima flotta di autobetoniere da Ford Motor Company a Salinas. Betsy Woolpert aveva due bambini piccoli a casa e ha affidato la presidenza dell'azienda a suo marito, Bruce G. Woolpert.

    Durante gli anni '60 e '70, Granite Rock crebbe con l'enorme sviluppo delle aree di Monterey e della Baia di San Francisco. Central Supply è stata fusa con Granite Rock per formare un'unica società per la produzione e la vendita di materiali da costruzione e l'espansione ha avuto luogo nelle operazioni di sabbia, cemento, cemento asfaltico e materiali da costruzione. Sono stati aperti stabilimenti a San Jose, Redwood City, Santa Cruz, Gilroy, Hollister, Salinas e Seaside. Al passo con i tempi, Graniterock ha installato il suo primo computer, un IBM System 3. Negli anni '80, l'azienda ha intrapreso un importante investimento per modernizzare completamente le operazioni nella cava di Aromas. In primo luogo, è stato progettato e costruito un gigantesco frantoio primario mobile, il più grande al mondo nel suo genere. Sono stati installati trasportatori per trasportare la roccia dal frantoio primario a un nuovo impianto di lavaggio e ai frantoi secondari. Infine, in occasione della ribattezzata A.R. Wilson Cava.

    Gli anni '90 hanno portato ancora più innovazione. Graniterock Construction Division è diventata rapidamente uno dei principali appaltatori di ingegneria pesante della California. Alla famiglia Graniterock sono state aggiunte nuove operazioni di calcestruzzo, sabbia e riciclaggio. Ma forse la cosa più significativa è stata una nuova attenzione alla soddisfazione delle esigenze dei clienti fornendo un servizio preciso, veloce e flessibile. L'attenzione allo sviluppo personale e l'empowerment di Graniterock People hanno anche migliorato la qualità e l'assistenza al cliente. Graniterock è stato riconosciuto per i suoi risultati con premi per l'eccellenza nella gestione e nelle pratiche commerciali, in particolare nel 1992 con il Malcolm Baldridge National Quality Award, il più alto riconoscimento nazionale per l'eccellenza aziendale. La rivista Fortune ha inserito Graniterock nella sua lista annuale dei 100 migliori posti di lavoro del paese. L'impegno per il servizio alla comunità, da sempre una priorità aziendale, è stato espresso in modi nuovi, come i concerti del Giorno dell'Indipendenza "Pops and Rocks" a beneficio della United Way e il sostegno all'eccellenza nell'istruzione nelle scuole pubbliche della contea di Santa Cruz.

    Il 14 febbraio 2000, A.R. Il nipote di Wilson, Bruce Wilson Woolpert, ha dato il benvenuto al presidente George H.W. Bush, Graniterock People, clienti e amici per una celebrazione del centesimo anniversario di gala. In preparazione per un nuovo millennio, nel 2002 sono stati aperti ampi uffici aziendali a Watsonville e sono stati aggiunti siti aziendali a Oakland, Cupertino e Milpitas. Un sito Web Graniterock ha portato informazioni a un nuovo mondo di clienti e le innovazioni tecniche sono state applicate in modi sempre più creativi. Durante questo decennio, è stata sviluppata una serie impressionante di sistemi innovativi per migliorare la produttività e il servizio clienti. L'avanzato sistema di caricamento automatizzato GraniteXpress 2 ™ ha eliminato i tempi di attesa dei clienti e ha fornito ai clienti i vantaggi di rapporti minimi sulla quantità e sulla produttività nelle cave e nei siti di asfalto. Un esclusivo sistema di vendita e fatturazione ha consolidato le fatture in tutte le linee di prodotti e la ricerca e lo sviluppo tecnologico incentrati sulla qualità hanno fornito a terzisti e proprietari i risultati desiderati. La preoccupazione di Graniterock per l'ambiente è valsa premi per la gestione della comunità e la leadership nella tecnologia verde ha aiutato a risolvere i problemi dei clienti in modo ecologico.

    Ora, ancora a conduzione familiare, le sedi di Graniterock si estendono da Oakland a Monterey. I valori di qualità, innovazione e rispetto per le persone, stabiliti per la prima volta dal fondatore dell'azienda, Arthur R. Wilson, continuano a guidare Graniterock nel futuro.


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    Etimologia

    La parola Museo ha origini classiche. Nella sua forma greca, mouseion, significava “sede delle Muse” e designava un'istituzione filosofica o un luogo di contemplazione. Uso della derivazione latina, Museo, sembra essere stato limitato in epoca romana principalmente a luoghi di discussione filosofica. Così, il grande Museo di Alessandria, fondato da Tolomeo I Sotere all'inizio del III secolo a.C., con il suo collegio di studiosi e la sua famosa biblioteca, era più un prototipo di università che un'istituzione per preservare e interpretare gli aspetti materiali del proprio patrimonio. La parola Museo fu ripreso nell'Europa del XV secolo per descrivere la collezione di Lorenzo de' Medici a Firenze, ma il termine trasmetteva il concetto di completezza piuttosto che denotare un edificio. Nel XVII secolo, Museo veniva usato in Europa per descrivere collezioni di curiosità. La collezione di Ole Worm a Copenaghen era così chiamata, e in Inghilterra i visitatori della collezione di John Tradescant a Lambeth (ora un quartiere londinese) chiamarono l'array lì un museo il catalogo di questa collezione, pubblicato nel 1656, era intitolato Museo Tradescantianum. Nel 1675 la collezione, divenuta proprietà di Elias Ashmole, fu trasferita all'Università di Oxford. Fu costruito un edificio per accoglierlo e questo, subito dopo essere stato aperto al pubblico nel 1683, divenne noto come Ashmolean Museum. Sebbene vi sia una certa ambivalenza nell'uso di Museo nella normativa, redatta nel 1753, che istituiva il British Museum, tuttavia nel XVIII secolo era ben consolidata l'idea di un'istituzione denominata museo e istituita per conservare ed esporre una collezione al pubblico. Denis Diderot, infatti, ha delineato uno schema dettagliato per un museo nazionale per la Francia nel nono volume del suo Enciclopedia, pubblicato nel 1765.

    Uso della parola Museo durante il XIX e gran parte del XX secolo ha denotato un edificio che ospitava materiale culturale a cui il pubblico aveva accesso. Successivamente, poiché i musei hanno continuato a rispondere alle società che li hanno creati, l'enfasi sull'edificio stesso è diventata meno dominante. Ne sono esempi i musei all'aperto, che comprendono una serie di edifici conservati come oggetti, e gli ecomusei, che coinvolgono l'interpretazione di tutti gli aspetti di un ambiente esterno. Inoltre, esistono in Internet i cosiddetti musei virtuali in forma elettronica. Sebbene i musei virtuali offrano interessanti opportunità e apportino determinati benefici ai musei esistenti, rimangono dipendenti dalla raccolta, conservazione e interpretazione delle cose materiali da parte del museo reale.


    L'era vedica

    Nell'era vedica, l'elezione del re era nelle mani del popolo. Dott. K.P. Jayaswal è geniale politica indù contiene ricche descrizioni di questo processo elettorale. Basti dire che ogni villaggio, paese e città aveva sale pubbliche (simili ai moderni municipi). La gente del villaggio e della città si incontrava regolarmente lì per discutere questioni di importanza pubblica. Queste sale servivano anche come luogo per riunioni sociali generali. Si sono svolti vigorosi dibattiti. Le questioni locali e non locali sono state risolte dopo accese discussioni che a volte sono durate settimane. Queste sale erano anche sedi di gare verbali. Il Tattiriya Brahmana ha un verso brillante che incoraggia i giovani a partecipare attivamente alle assemblee pubbliche e a esprimere la propria opinione su questioni sociali e nazionali senza paura.

    Il re compilava con cura i resoconti di tutti questi dibattiti e generalmente seguiva la corrente dell'opinione pubblica. Ancora più importante, avrebbe consultato le persone eminenti e sagge del suo regno prima di attuare una politica che riteneva sarebbe andata contro l'opinione pubblica.

    Questi principi fondamentali sono durati per tutta la nostra storia, come vedremo.


    STORIA

    Il programma di studio della letteratura indonesiana è il primo programma di studio istituito dall'inizio dell'istituzione della Facoltà di lettere, che a quel tempo era chiamata Facoltà di lettere e cultura. L'istituzione di questo corso di studi così come della Facoltà si discosta dall'idea di istituzione così come espressa nella considerazione del Decreto del Rettore dell'UNDIP n. 626/Sp/Adm/BUP/1965 del 25 gennaio 1965 relativo alla Istituzione del Comitato per l'istituzione della Facoltà di Lettere che ha scritto quanto segue:

    “Il Central Java è un'area ricca di fonti storiche, culturali e letterarie indonesiane.”

    Con il duro lavoro del Comitato guidato dal Prof. Soenario SH, questa Facoltà è stata istituita il 1 settembre 1965 con Decreto Ministeriale PTIP n. 173/1965 del 21 agosto 1965 con un programma di studi o dipartimento, ovvero il Dipartimento di Indonesiologia . Il dipartimento è stato istituito con la speranza che i laureati siano in grado di svolgere una ricerca e ampliare le conoscenze sulla letteratura, la lingua, la storia e la cultura indonesiane nella speranza che possano diventare ampiamente conosciuti dalla comunità internazionale. In linea con lo sviluppo e la guida dell'epoca, la Facoltà di Lettere e Cultura istituì un nuovo dipartimento, ovvero: il Dipartimento di anglosassone (1967) e il Dipartimento di Storia (1974). Il Dipartimento di Indonesiologia è stato poi cambiato in Letteratura indonesiana, il Dipartimento di anglosassone è stato cambiato anche in Dipartimento di inglese e il Dipartimento di storia è stato cambiato in Dipartimento di storia. La determinazione del Dipartimento di Indonesiologia si è basata sul Decreto del PTIP n. 173/1965. Tuttavia, il nuovo certificato del dipartimento di letteratura indonesiana è stato confermato dal direttore generale dell'istruzione superiore l'11 luglio 1996 n. 220 / Dikti / Kep / 96.

    Sulla base del certificato di accreditamento rilasciato dal Consiglio di accreditamento nazionale della Repubblica di Indonesia n. 773/SK/BAN-PT/Accredited/S/VII/2015, è stato deciso che il Bachelor of Indonesian Language and Literature Study Program è stato accreditato con un grado A.

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