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Scultura di Eros volante

Scultura di Eros volante


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Immagine 3D

Eros volante, II secolo a.C., produzione Mirina. Musée d'Art et d'Histoire (Musée du Cinquantenaire, Bruxelles, Belgio). Realizzato con CaptureReality.

Questo esempio originariamente aveva le ali attaccate alla parte posteriore. Era fatto per essere sospeso: il piede anteriore indicava e non poteva sostenere la figura.

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Scultura di Eros volante - Storia

Psiche e Cupido: la più grande storia d'amore della mitologia

Psiche e Amore, conosciuto anche come Psiche riceve il primo bacio di Cupido (1798), di François Gérard: la farfalla che sorvola Psiche simboleggia la sua innocenza, prima del risveglio sessuale.

Amore e Psiche (1707–09) di Giuseppe Crespi: si pensa che la licnomanzia, una forma di divinazione o di evocazione degli spiriti, sia qui rappresentata nell'uso della lampada da parte di Psiche per vedere il dio.

Voluptas è raffigurata con i suoi genitori, Cupido e Psiche, all'estrema destra in Banchetto di Amore e Psiche di Giulio Romano.

Articoli suggeriti:

Un commento

Il mio primo commento! Sono stato un adoratore degli Antichi fin dall'infanzia. Posso suggerire il poema sinfonico del compositore belga/francese Cesar Franck intitolato "Psiche", composto nel 1886 se ricordo bene. È lussureggiante e genera molte immagini… (ascolto Musica Classica con gli occhi chiusi per lasciarmi parlare in immagini oltre che nel suono, che evoca le immagini…). Ad ogni modo, la versione di Franck ha Psiche ed Eros. Di particolare bellezza è la seconda parte intitolata "Les Chardins d'Eros". Descrive musicalmente che Psiche viene portata in alto ai "giardini di Eros" da Eolidi, che sono assistenti di Eolo, dio dei venti. Inestimabile! Oh, voi antichi! Possa il pozzo della tua ispirazione vivere per sempre! (Come sono sicuro che accadrà!)

Ciò che gli Antichi Ispirarono con le loro varie Arti è la Gnosi più inestimabile ed edificante che apparterrà mai all'Umanità, così decreto! (Ok, quindi non sono nessuno, ma scommetto che avrò ragione!)


Portalampada Eros

Descrizione generale

Eros, il dio greco dell'amore, è mostrato come un bel giovane con caratteristiche sia maschili che femminili. La figura era originariamente parte di un portalampada e avrebbe avuto una lampada a olio sul viticcio che tiene in una mano tesa. La scultura condivide le qualità espressive e dinamiche della successiva arte greca ellenistica, sembra volare sulle ali meravigliosamente dettagliate. La lampada da cui proviene la figura è stata probabilmente realizzata nel Mediterraneo orientale per una ricca casa o villa in Italia. Il bronzo è stato associato a un tesoro di beni di lusso greci recuperati da un antico naufragio vicino alla città di Mahdia, sulla costa della Tunisia.


Architettura gotica (c.1120-1500)


Interno della Cattedrale di Leon Spagna.
Uno scrigno di arte medievale del
fine del XIII secolo. Costruito durante il
periodo 1250-1550, esemplifica
Architettura gotica spagnola del
1250. Notare la volta a coste e
archi a sesto acuto.

Introduzione: La Cattedrale Gotica

Non c'è migliore prova della qualità dell'arte cristiana durante il Medioevo, della cattedrale gotica. Lo stile architettonico gotico apparve per la prima volta a Saint-Denis, vicino a Parigi, nel 1140, e nel giro di un secolo aveva rivoluzionato il design delle cattedrali in tutta l'Europa occidentale. Il vecchio stile dell'architettura romanica, con i suoi soffitti arrotondati, le enormi pareti spesse, le piccole finestre e gli interni bui, era stato sostituito da svettanti archi gotici, pareti sottili e enormi vetrate colorate, che inondavano di luce gli interni. Modificando il sistema di volte del soffitto e impiegando archi rampanti per cambiare il modo in cui il peso veniva trasferito dall'alto verso il basso, gli architetti gotici sono riusciti a trasformare radicalmente l'interno e renderlo un'esperienza visiva molto più ampia. Tutto era più alto e dall'aspetto più fragile, e le colonnette spesso arrivavano dal pavimento al tetto, sollevando l'occhio con forza drammatica. All'esterno, una massa di sculture in pietra aggiungeva decorazione e narrativa biblica, con statue di santi alle pareti e complessi rilievi attorno ai portali e alle porte. Aggiungi mosaici, pale d'altare scolpite, font e pulpiti, vivide opere d'arte in vetro colorato, squisiti manoscritti gotici miniati e preziosi lavori in metallo ecclesiastici, e puoi capire perché le cattedrali gotiche sono state alcune delle più grandi opere d'arte mai realizzate. Esempi eccezionali di queste strutture includono: Cattedrale di Notre-Dame, Parigi (1163-1345), Cattedrale di Chartres (1194-1250) e Cattedrale di Colonia (1248-1880).


Duomo di Colonia (1248-1880)
Un meraviglioso esempio di
Arte gotica tedesca. Notare il
serie di archi rampanti sormontati
con guglie.

Caratteristiche dell'architettura gotica

L'arte gotica si è evoluta dall'arte romanica ed è durata dalla metà del XII secolo fino alla fine del XVI secolo in alcune zone della Germania. L'architettura era la principale forma d'arte del gotico e le principali caratteristiche strutturali del design architettonico gotico derivavano dagli sforzi dei muratori medievali per risolvere i problemi associati al sostegno di volte a soffitto in muratura pesante (tetti ad arco) su ampie campate. Il problema sorgeva perché la muratura in pietra del tradizionale tetto ad arco esercitava una tremenda pressione verso il basso e verso l'esterno contro le pareti su cui poggiava, causandone spesso il crollo. Fino al periodo precedente dell'architettura romanica (ca. 800-1150), i progettisti edili ritenevano che i muri di sostegno verticali dovessero essere realizzati molto spessi e pesanti per contrastare e assorbire la pressione verso il basso e verso l'esterno della volta. Ma i designer gotici risolsero questo problema intorno al 1120 con diverse brillanti innovazioni.

Volte a coste: archi rampanti: arco a punta

Primo e più importante, hanno sviluppato un volta a coste, costituita da volte a botte intersecate, le cui nervature in pietra sostenevano un soffitto a volta di sottili pannelli di pietra. Non solo questa nuova disposizione ridusse notevolmente il peso (e quindi la spinta verso l'esterno) della volta del soffitto, ma anche il peso della volta era ora trasmesso lungo una distinta costola di pietra, piuttosto che lungo un bordo continuo della parete, e poteva essere incanalato dal nervatura ad altri supporti, come pilastri verticali o archi rampanti, che ha eliminato la necessità di muri solidi e spessi. Inoltre, gli architetti gotici hanno sostituito gli archi a tutto sesto della volta a botte con archi a sesto acuto che distribuiva il peso della volta in una direzione più verticale.

Per dirla semplicemente, fino a quando i costruttori gotici non rivoluzionarono il design degli edifici, il peso del tetto (volta) cadeva interamente sui muri di supporto. Di conseguenza, più pesante è il tetto o più alto è il tetto, maggiore è la pressione verso il basso e verso l'esterno sulle pareti e più spesse devono essere per stare in piedi. Una cattedrale romanica, ad esempio, aveva muri continui di spessore massiccio che occupavano enormi quantità di spazio e creavano interni piccoli e bui. Al contrario, gli architetti gotici hanno incanalato il peso del tetto lungo le nervature del soffitto, attraverso le pareti fino a un contrafforte volante (un semi-arco) e poi verso il basso i supporti verticali (pilastri) a terra. In effetti, il tetto non dipendeva più dalle pareti per il sostegno. Di conseguenza le pareti di una cattedrale gotica potrebbero essere costruite molto più alte (il che ha reso l'edificio ancora più impressionante), potrebbero essere molto più sottili (il che ha creato più spazio interno) potrebbero contenere più finestre (il che ha portato a interni più luminosi e , dove si usava l'arte del vetro colorato, più arte biblica per la congregazione).

Tutto ciò ha portato all'emergere di un tipo completamente nuovo di interni della cattedrale, le cui pareti alte e sottili davano l'impressione di un'alta verticalità, esaltata dalla luce multicolore che inondava attraverso enormi distese di vetrate. Il suo esterno era più complesso di prima, con file di pilastri verticali collegati alle pareti superiori da archi rampanti e grandi rosoni. Con l'evoluzione dello stile, l'arte decorativa tendeva a superare le questioni strutturali. Fu così aggiunta la pietra decorativa nota come traforo, insieme a un ricco assortimento di altri elementi decorativi, tra cui alti portici, pinnacoli e guglie.

Maestri massoni
I muratori medievali erano artigiani altamente qualificati e il loro mestiere era più frequentemente utilizzato nella costruzione di castelli, chiese e cattedrali. Un maestro muratore era qualcuno che si occupava anche di falegnami, vetrai e altri lavori (e squadre di lavoro). In effetti, tutti i lavoratori qualificati e non specializzati in un cantiere erano sotto la supervisione del maestro muratore. Lui stesso aveva sede in quella che era conosciuta come la Mason's Lodge. Tutti i principali cantieri avrebbero avuto una Mason's Lodge, dalla quale sarebbero stati organizzati tutti i lavori sul sito.

Storia e sviluppo dell'architettura gotica

Si possono distinguere tre fasi della progettazione architettonica gotica: precoce, alta e tardo gotica.

Primo gotico (1120-1200)

La fusione di tutti gli elementi strutturali sopra menzionati in uno stile architettonico coerente avvenne prima nel Ile-de-France (la regione intorno a Parigi), i cui ricchi abitanti avevano risorse sufficienti per costruire le grandi cattedrali che ora incarnano l'architettura gotica. La prima struttura gotica sopravvissuta è l'Abbazia di Saint-Denis a Parigi, iniziata intorno al 1140. Presto apparvero cattedrali con volte e finestre simili, a cominciare da Notre-Dame de Paris (c.1163-1345) e la Cattedrale di Laon (c.1112 -1215). Ben presto si sviluppò una serie di quattro livelli orizzontali distinti: il livello del suolo, quindi il livello della galleria della tribuna, quindi il livello della galleria del triforio, al di sopra del quale si trovava un livello superiore finestrato chiamato cleristorio. Il modello di colonne e archi utilizzati per sostenere e incorniciare questi diversi prospetti ha contribuito alla geometria e all'armonia degli interni. Anche i trafori per finestre (divisori decorativi per finestre) si sono evoluti, insieme a una vasta gamma di vetrate.

L'estremità orientale della cattedrale del primo gotico consisteva in una sporgenza semicircolare chiamata abside, che conteneva l'altare maggiore circondato dal deambulatorio. L'estremità occidentale, l'ingresso principale dell'edificio, era visivamente molto più impressionante. Tipicamente aveva un'ampia facciata sormontata da due enormi torri, le cui linee verticali erano controbilanciate da linee orizzontali di porte monumentali (a livello del suolo), sopra le quali c'erano linee orizzontali di finestre, gallerie, sculture e altre opere in pietra. Tipicamente, i lunghi muri esterni della cattedrale erano sostenuti da file di pilastri verticali collegati alla parte superiore del muro sotto forma di un semiarco noto come contrafforte volante. Questo primo stile di design architettonico gotico si diffuse in tutta Europa in Germania, Inghilterra, Paesi Bassi, Italia, Spagna e Portogallo.

Per un interessante confronto con l'architettura orientale si vedano: il tempio Angkor Wat Khmer del XII secolo (1115-45) e il tempio Kandariya Mahadeva dell'XI secolo (1017-29).

Alto gotico (1200-80) "Rayonnant"

Sul continente, la fase successiva del design degli edifici gotici è conosciuta come architettura gotica Rayonnant, il cui equivalente inglese è indicato come "Gotico decorato". L'architettura gotica di Rayonnant era caratterizzata da nuove serie di decorazioni geometriche che divennero sempre più elaborate nel tempo, ma quasi nessun miglioramento strutturale. Infatti, durante la fase di Rayonnant, architetti e muratori delle cattedrali spostarono la loro attenzione dal compito di ottimizzare la distribuzione del peso e costruire pareti più alte, concentrandosi invece sul miglioramento dell'aspetto e dell'atmosfera dell'edificio. Questo approccio ha portato all'aggiunta di molte diverse caratteristiche decorative tra cui pinnacoli (strutture erette, tipicamente a guglia, che sormontano piloni, contrafforti o altri elementi esterni), modanature e, in particolare, trafori di finestre (come i montanti). La caratteristica più caratteristica del gotico di Rayonnant è l'enorme rosone circolare che adorna le facciate occidentali di molte chiese, come la cattedrale di Strasburgo (1015-1439). Altre caratteristiche tipiche dell'architettura di Rayonnant includono lo snellimento dei supporti verticali interni e la fusione della galleria del triforio con il cleristorio, fino a quando le pareti sono in gran parte composte da vetrate con barre verticali di trafori che dividono le finestre in sezioni. I principali esempi dello stile Rayonnant includono le cattedrali di Reims, Amiens, Bourges e Beauvais.

Tardo gotico (1280-1500) "Flamboyant"

Un terzo stile di design architettonico gotico emerse intorno al 1280. Conosciuto come architettura gotica fiammeggiante, era ancora più decorativo di Rayonnant e continuò fino al 1500 circa. Il suo equivalente nell'architettura gotica inglese è lo "stile perpendicolare". La caratteristica dell'architettura gotica fiammeggiante è l'uso diffuso di una curva a forma di S a forma di fiamma (francese: flambe) nei trafori delle finestre in pietra. Inoltre, le pareti sono state trasformate in un'unica distesa di vetro continua, sostenuta da montanti scheletrici e trafori. La logica geometrica era spesso oscurata coprendo l'esterno con trafori, che ricoprivano murature e finestre, aumentate da complessi gruppi di timpani, pinnacoli, portici alti e motivi a stella di nervature extra nella volta.

L'attenzione all'immagine piuttosto che alla sostanza strutturale potrebbe essere stata influenzata dagli eventi politici in Francia, dopo che il re Carlo IV il Bello morì nel 1328 senza lasciare un erede maschio. Ciò ha spinto le affermazioni del suo parente maschio più prossimo, suo nipote Edoardo III d'Inghilterra. Quando la successione passò a Filippo VI (1293-1350) della Casa francese dei Valois, diede inizio alla Guerra dei Cent'anni (1337), che portò a una riduzione dell'architettura religiosa e ad un aumento della costruzione di edifici militari e civili. edifici, sia reali che pubblici.

Di conseguenza, i disegni gotici fiammeggianti sono evidenti in molti municipi, sale delle corporazioni e persino residenze domestiche. Poche chiese o cattedrali sono state progettate interamente in stile fiammeggiante, alcune notevoli eccezioni sono Notre-Dame d'Epine vicino a Chalons-sur-Marne e Saint-Maclou a Rouen. Altri esempi importanti includono la guglia nord di Chartres e la Tour de Beurre a Rouen. In Francia, l'architettura gotica fiammeggiante alla fine perse la sua strada - diventando troppo ornata e complicata - e fu sostituita dalle forme classiche dell'architettura rinascimentale importate dall'Italia nel XVI secolo.

Scultura architettonica gotica

La scultura gotica era indissolubilmente legata all'architettura - anzi potrebbe anche essere chiamata "scultura architettonica" - poiché l'esterno della tipica cattedrale gotica era pesantemente decorato con statue su colonne di santi e della Sacra Famiglia, oltre a sculture in rilievo narrativo che illustravano una varietà di temi biblici . Era un'enorme fonte di reddito per gli scultori di tutta Europa, molti dei quali viaggiavano da un sito all'altro. Durante il primo gotico, statue e rilievi furono poco cambiati dalla scultura romanica nelle loro forme rigide e ieratiche, come testimoniano le figure sul portale reale della cattedrale di Chartres (1145-55). Ma durante il XII secolo e l'inizio del XIII secolo, divennero più realistici, come esemplificato dalle figure della Cattedrale di Reims (c.1240), che possiedono caratteristiche facciali e corpi individuali, nonché pose e gesti naturali. La scultura assunse un ruolo più importante durante il periodo 1250-1400, con numerose statue e altri intagli che apparivano sulle facciate delle cattedrali, tipicamente nelle loro nicchie. Quindi, dal 1375 in poi, l'idioma cortese noto come Arte Gotica Internazionale inaugurò una nuova era di raffinatezza e bellezza, che portò rapidamente a un'artificialità esagerata in tutti i tipi di arte, comprese le miniature e la pittura gotiche internazionali, nonché scultura. A partire dal 1450 circa, la scultura gotica in Francia fu sempre più influenzata dalla scultura rinascimentale che si stava sviluppando in Italia, sebbene gli stili tradizionali - in particolare nell'intaglio del legno - persistano in seguito in Germania e in altre aree del nord Europa.

Movimento neogotico (XIX secolo)
Dopo essere riapparsi per la prima volta nell'architettura della fine del XVIII secolo (nella casa di Strawberry Hill di Horace Walpole), i disegni gotici hanno conosciuto un grande revival durante il periodo dell'architettura vittoriana (c.1840-1900), in particolare in Inghilterra e in America. Sostenuto dal critico d'arte John Ruskin (1819-1900) e impiegato principalmente per le sue caratteristiche decorative e romantiche, il neogotico diede un impulso significativo all'arte vittoriana grazie a edifici come: le Houses of Parliament (completate nel 1870), progettate da Charles Barry e August Pugin e Fonthill Abbey, progettata da James Wyatt. Negli Stati Uniti, lo stile è esemplificato dalla Trinity Church di New York (1840), progettata da Richard Upjohn (1802-78), e dalla Cattedrale di St Patrick (1859-79), progettata da James Renwick (1818-95). Per l'influenza dell'architettura gotica sugli edifici moderni in Inghilterra e in America, vedere: Architecture 19th Century.

Articoli sull'Arte Medievale

• Arte Cristiana Medievale (600-1200) Testi miniati, scultura.

• Scultura medievale (300-1000) Dalla tarda antichità al romanico.

• Artisti medievali (1100-1400) Da Gislebertus in poi.

• Arte Ottoniana (900-1050) Architettura, sculture in avorio, luminarie.

• Per ulteriori informazioni sull'architettura medievale, vedere: Enciclopedia delle arti visive.


Lo chef Eros racconta la storia culinaria africana in Eko Re

La più grande esposizione culinaria si svolgerà in una cornice pittoresca di esibizioni stravaganti di gustose tecniche culinarie, intelligenza gastronomica, intrattenimento musicale e narrazione a cura del famoso chef di Lagos, Tolu Eros, alias The Billionaire chef, esclusivamente per i migliori palati e intenditori.

Il festival delle tavolozze chiamato ”Eko Re”, tradotto liberamente come "'This is Lagos" è un racconto appassionato di cucina africana, composto e curato in un'esperienza di degustazione di 7 portate dal più famoso chef internazionale della Nigeria, usando il cibo come suo preferito canale di espressione, garantito per lasciare ipnotizzati i commensali, come parte della sua prima vacanza negli Stati Uniti dalla pandemia del 2020.

The Billionaire Chef e 1952 x Africa, un acceleratore di arte, cultura e storia africana, hanno riservato giugno 2021 e 8211 agosto 2021 per invogliare solo i buongustai più esigenti dalle coste di Los Angeles a New York, a unirsi alle sue vacanze estive visita e condividi un'esperienza culinaria unica, insolita e indimenticabile, celebrando la regalità africana.

Il menu dello chef Eros vanta gli autentici sapori dell'Africa occidentale: una selezione reale che celebra la vita e il futuro, risplendente di Yaji, una specialità mista speziata e nocciola degli Hausa utilizzata per preparare il famoso cibo di strada chiamato Suya Ewa, a base di miele fagioli (oloyin) e indigeno del popolo togolese e beninese dell'Africa occidentale Egusi, una zuppa a base di semi di melone e un alimento base con il popolo Igbo della Nigeria orientale Zuppa di pepe, composta da una raccolta di spezie africane come ataiko, uda e gbafilo , comunemente consumato in tutta l'Africa occidentale nelle birrerie, ai matrimoni e nei freddi giorni di pioggia Asaro, originario del regno Yoruba è preparato come una soffice purea, il riso Jollof, un classico riso a base di pomodoro con un enorme significato regionale in tutta l'Africa occidentale e Zobo, fatto dalle foglie di acetosella essiccate rubino africano conosciute anche come “Yakwan Zobo” nella terra Hausa della Nigeria, tradizionalmente trasformate in una bevanda calda che viene trasferita in una pentola di terracotta per raffreddare. Per l'occasione speciale, l'inimitabile Chef Eros ha trasformato la bevanda piccante Zobo in un delizioso gel che servirà da corpo di sapore al dessert finale.

Fondatore ed executive chef di Chef Eros e comproprietario di ILE Eros Restaurant a Lagos, Cookie Jar Bakery e altre iniziative gastronomiche in Nigeria, Chef Eros afferma: “Come africano orgoglioso della mia eredità, la nostra storia e cultura rimane non raccontata e come tale, è diventato il lavoro della mia vita raccontare la mia storia di cibo africano, una portata alla volta”.


Questo è il motivo per cui gli uomini nelle statue antiche hanno tutti peni piccoli

Hai mai fatto il giro di un museo, ammirando i panorami, assorbendo la cultura e all'improvviso sei stato colpito da quanto impensabilmente piccoli siano i peni degli uomini in tutte le statue?

Ti dico una cosa, non sei l'unico se hai guardato queste statue e ti sei chiesto perché i tizi in esse erano così dannatamente desiderosi di togliersi il kit e di mettersi a tacere. Perché non c'è molto da gridare laggiù, se capisci cosa intendo.

Ma per fortuna qualcuno ha risposto a questa domanda in corso: perché? fare hanno tutti dei cazzi così piccoli? Era un caso di essere generalmente molto più freddo allora? Perché sappiamo tutti cosa succede a un pene freddo. O stavamo scambiando questi ragazzi per adulti quando in realtà erano bambini in età prepuberale?

Sempre in prima linea nel giornalismo investigativo, ti forniamo le risposte.

In realtà dobbiamo ringraziare la storica dell'arte Ellen Oredsson per la risposta a questa domanda, dopo aver trascorso gran parte del suo tempo professionale a spiegare esattamente cosa ha causato questa epidemia di piccole doti.

Dopo che un lettore ha inviato la domanda al suo blog, Come parlare di storia dell'arte, Ellen ha deciso di rispondere a testa alta. Puoi ignorare quel gioco di parole.

Ha tutto a che fare con i valori culturali, a quanto pare. Quindi, proprio come nel mondo di oggi, "i grandi peni sono visti come preziosi e virili", le cose erano completamente diverse allora. "La maggior parte delle prove indica il fatto che piccolo i peni erano considerati migliori di quelli grandi", scrive Oredsson.

"Uno dei motivi per cui gli storici, come Kenneth Dover nel suo libro fondamentale omosessualità greca, hanno suggerito che i peni piccoli fossero culturalmente più apprezzati è che i peni grandi erano associati a caratteristiche molto specifiche: follia, lussuria e bruttezza", aggiunge. Quindi sfortuna se il tuo ragazzo ha un enorme non sarebbe stato un tale ragazzo indietro in epoca greca antica.

Lo storico dell'arte salta anche alla difesa delle statue, osservando che "sono flaccidi. Se si confrontano le loro dimensioni con la maggior parte dei peni maschili flaccidi, in realtà non sono significativamente più piccoli di quanto tendono ad essere i peni della vita reale". Va bene, va bene. Siamo solo abituati a un po' di erezione da queste parti.

"L'uomo greco ideale era razionale, intellettuale e autorevole", spiega Oredsson. "Potrebbe aver fatto ancora molto sesso, ma questo non era correlato alle dimensioni del suo pene, e il suo pene piccolo gli ha permesso di rimanere freddamente logico".

Così il gioco è fatto. I grossi cazzi non significavano pezzi grossi ai tempi, quindi gli uomini con il pene piccolo di tutto il mondo possono ora tirare un grande sospiro di sollievo e andare a frequentare musei dove saranno in buona compagnia.

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Scultura di Eros volante - Storia

Il lotto migliore della vendita è stata questa raffinata scultura in marmo romano, alta 29 pollici e mezzo, di Eros che cavalca un delfino. Venduto per $ 137.500 e datato tra il I e ​​il II secolo d.C. circa. Coley ha notato la qualità e le condizioni di questa immagine iconica come il driver del valore.

Recensione di Greg Smith, foto per gentile concessione di Hindman

CHICAGO – Le antichità fioriscono a Hindman. Nella sua prima vendita come direttore e specialista senior del dipartimento di antichità presso la casa d'aste di Chicago, Jacob Coley ha messo insieme un'asta da 1 milione di dollari. Era la terza vendita che l'azienda aveva realizzato dal reparto appena formato.

Coley aveva precedentemente lavorato come amministratore delegato del dipartimento di arte antica presso Colnaghi, reintroducendo la galleria commerciale più antica del mondo negli Stati Uniti aprendo una filiale con Carlos Picón a New York nel 2017 e prima ancora membro del dipartimento di arte greca e romana del Metropolitan Museum of Art.

"Quello che mi interessava di più era l'opportunità di lavorare con più materiale", ha detto Coley. “Colnaghi era blue chip, ma credo che il mercato medio sia stato ampiamente ignorato in America. Hanno quella struttura nel Regno Unito, ma non necessariamente negli Stati Uniti. Quando sono stato contattato da Hindman, hanno anche riconosciuto che c'era un modo per colmare quella lacuna

Coley era contento dei risultati della sua prima vendita.

La sezione centrale di un Satiro di marmo romano sarebbe venduta per $ 75.000. Questo taglio scelto di un marmo Satiro misurava 18 pollici e mezzo di altezza e si allinea con la reputazione della creatura per la caccia alle menadi e la ribalda generale. Proviene dalla collezione di Tina e Simon Beriro.

“Penso che a prima vista, la forza della vendita fosse nella ritrattistica classica,”, ha detto. “Da Tolomeo III a Traiano, abbiamo avuto una grande rappresentazione della ritrattistica greca e romana. I primi cinque lotti hanno mostrato il desiderio di marmi di medie e grandi dimensioni. Ma se guardi più da vicino, vedrai che le antiche ceramiche e il vetro si sono comportati davvero bene

La vendita ha trovato il suo leader a $ 137.500 con una scultura romana in marmo di Eros che cavalca un delfino. L'opera misurava 29 pollici e mezzo di altezza e datava tra il I e ​​il II secolo d.C. Aveva una linea di provenienza che risale agli anni '70. Coley ha affermato che l'immagine di Eros con un delfino è prolifica nel tempo, a partire dall'antichità e proseguendo attraverso il Rinascimento, quando queste immagini sono state riscoperte e riprodotte. "Poi c'era la condizione, la qualità e l'esecuzione del lavoro "la qualità del volto e la resa di Eros", ha detto Coley. “A volte i delfini possono essere descritti come mostruosi, ma questo ha più fascino di altri.”

La sezione centrale di un Satiro di marmo romano farebbe meglio della sua alta stima di $ 45.000 per atterrare a $ 75.000. Misurando 18½ pollici di altezza, la statua del secondo secolo CE presentava la parte posteriore e anteriore del satiro nudo e la parte anteriore, i capelli in altorilievo che si insinuavano sulle gambe come un paio di calze autoreggenti. Il fallo del satiro era stato scheggiato ad un certo punto in passato. Coley ha notato il fascino sessuale della parte centrale della bestia mitologica, che ha catalogato come un "torso inferiore". un certo numero di clienti.

Il lotto di copertina della vendita era questa pantera di marmo greca che ha portato $ 68.750. Coley ha notato che potrebbe essere stato un paio con un altro esaurito della collezione della Albright-Knox Gallery nel 2007. Risalente al III-II secolo a.C.

Altri punti salienti romani includevano una testa di ritratto in marmo dell'imperatore Traiano, 11 pollici, venduta per $ 43,750. Un bronzo del II secolo d.C. raffigurante Venere ha portato $ 22.500, mentre un ritratto in marmo di un uomo è stato venduto per $ 22.500. A 27 pollici e mezzo di altezza, il ritratto a grandezza naturale risaliva anche al II secolo d.C. e si distingueva per il suo mantello, che la ditta ha detto che era fissato intorno alle spalle in un modo spesso influenzato da principi e notabili in servizio militare o civile. .”

Con provenienza precedente al 1906, era una testa di pantera greca in marmo tra il III e il II secolo a.C. La casa d'aste ha detto che un tempo apparteneva a una pantera di marmo a grandezza naturale, una figura spesso raffigurata accanto a Dioniso. Gli offerenti lo hanno portato a $ 68.750. Coley ha indicato una figura simile rimossa dalla galleria Albright-Knox a Sotheby’s nel 2007. "Questo è senza dubbio dello stesso laboratorio in soffitta", ha detto. “La teoria è che avrebbero potuto essere una coppia, anche se il collo si spezza in modo diverso. È possibile, sulla base delle prove archeologiche in cui le coppie di animali si trovano comunemente nei lotti di sepoltura o lungo i confini di demarcazione.

Altri oggetti greci andrebbero bene, inclusi $ 56.250 pagati per una stele funeraria in marmo con Eurynome che è stata illustrata nel titolo Classical Attic Tombstones di Clairmont del 1993. L'immagine centrale nel pannello incassato presenta due figure che si stringono la mano, un gesto di addio. Coley lo ha datato al IV secolo a.C. Un ritratto in marmo greco della testa di Tolomeo III, il terzo faraone d'Egitto durante la dinastia tolemaica, sarebbe stato venduto per $ 37.500. Tolomeo III fu responsabile della riunificazione dell'Egitto e della Cirenaica e la dinastia avrebbe raggiunto un crescendo sotto il suo dominio. La scultura risale al 180-222 a.C. circa ed era alta 7 pollici.

Una stele funeraria in marmo con elaborata scultura raffigurante Eurinome ha portato $ 56.250. IV secolo a.C.

Gli oggetti che provenivano da vecchie collezioni o dalla storia delle mostre erano popolari tra gli acquirenti. Prendendo $ 43,750 è stata una figura femminile distesa in marmo delle Cicladi che misurava 10 pollici e mezzo di altezza. Era tra i primi pezzi in vendita, risalenti al terzo millennio a.C. o successivi. L'opera era stata un tempo attribuita al Maestro Stafford da Pat Getz-Gentle, anche se avrebbe rinominato l'artista in Scultore del Louvre. Era stato pubblicato in quattro libri ed esposto tre volte.

Anche da antiche collezioni erano alcuni dei lotti dell'Antico Egitto ad alta quota. Venduta per $ 37.500 era una maschera di mummia di legno, alta solo 4 pollici, che risale al Terzo Periodo Intermedio, circa dal 1070 al 712 a.C. L'opera presentava una vecchia etichetta di inventario per Dikran Kelekian. "Siamo andati all'archivio Kelekian e il numero corrispondeva all'inventario", ha detto Coley, dimostrando che era catalogato prima del 1926. Dikran Kelekian fu tra i primi commercianti a introdurre le antichità nel mercato americano quando fondò una galleria a New York City nel 1893.

Venduta per $ 37.500 era una figura in legno dipinto del dio egizio Ptah-Sokar-Osiride, alta 19 pollici e mezzo. L'opera proveniva dalla collezione di E Towry White, un egittologo della fine del XIX secolo. Era passato anche per il Fitzwilliam Museum di Cambridge. L'azienda ha scritto: "Ptah-Sokar-Osiride era una fusione di tre divinità separate, tutte identificate con la fertilità e la rigenerazione, nonché con la morte e la sepoltura". Coley ha notato che aveva ancora frammenti di minerali nei pigmenti, che rifletterebbe la luce quando illuminata.

L'egittologo inglese della fine del XIX secolo, E. Towry White, è stato elencato sulla provenienza di questa figura in legno dipinto del dio egizio Ptah-Sokar-Osiride, alta 19 pollici e mezzo, venduta per $ 37.500.

Coley è stato in grado di portare alla luce alcune scoperte nella sua ricerca su alcuni oggetti. A 29 pollici di altezza, un supporto di scultura in marmo romano con un torso maschile sarebbe stato leggermente descritto come frammentato, la figura senza testa, braccio e gamba. “Guardandolo, vuoi sapere di cosa si tratta,” Coley. Ben presto trovò un'opera simile, “Hunter with Dog,” al Museum of Fine Arts di Boston (Inv. 1984.167). L'esempio comparabile raffigurava la figura che reggeva un bastone in una mano e una lepre nell'altra, un cinghiale morto a terra e un cane che si lanciava verso l'alto per prendere la lepre dal suo padrone. “Ciò che all'epoca era frammentario, si trasforma in qualcosa di molto di più,” ha detto. È stato venduto per $ 12.500.

Due pannelli di frammenti di mosaico romano venduti uno vicino all'altro in lotti separati a $ 10.000 e $ 10,625. Coley ha osservato: "Questi sono solo umili frammenti di mosaico, ma sono stati pubblicati nel libro di A. Michaelis del 1882, Marmi Antichi in Gran Bretagna. Michaelis era un archeologo e studioso di arte antica e quel libro è un titolo importante, un'opera seminale. He went around to all the treasure houses in England and cataloged their antiquities collections – we know of a lot of these old British collections because of his efforts.” Mosaic panels from this same floor are currently on exhibit at the Art Institute of Chicago.

In leaving New York City, Coley departed one of the more active trading centers for antiquities in the United States, though he noted that the Midwest holds its fair share of bounty.

“The Midwest has a healthy interest in ancient art, and that statement is substantiated by the amount of Midwestern collections consigned to this sale. We had two Midwest private collections and one of them was quite important.

“Overall I’m very pleased with the results,” he concluded. “There were good results in cultures that aren’t necessarily the strongest – people were willing to go outside Greek, Roman and Egyptian.”


Alexander Calder

Sculptor, world renowned for his stabiles and mobiles begun in the 1930 s. Calder’s vision was broad and groundbreaking, and his output was prodigious—ranging from small figurines to large, architecturally related sculptures, from whimsical toys to stage sets.

Joan Stahl Artisti americani in ritratti fotografici dalla Peter A. Juley & Son Collection (Washington, D.C. e Mineola, New York: National Museum of American Art e Dover Publications, Inc., 1995)

Alexander Calder was born in Philadelphia in 1898 , the son of the distinguished academic sculptor A. Stirling Calder. Trained as a mechanical engineer, he turned to art, attending the Art Students League in New York City. There he took classes with George Luks, Guy Pène du Bois, Boardman Robinson, and John Sloan and subsequently he established himself as an illustrator and caricaturist in New York.

While in Paris in 1926 , he took up sculpture. After working on wood pieces, he began to make circus figures composed of twisted wire, wheels, string, and cloth. His miniature circus captured the attention of the avant-garde in Paris, where he met and was influenced by a number of artists.

Impressed by the work of Juan Miró, Jean Arp, and Fernand Léger, he created his first abstract stabiles in 1930 . These works also owe much to the rectilinear designs of Piet Mondrian. From these early works and his interest in movement, Calder developed handcranked, motorized, and then wind-powered constructions that were dubbed ​ “ mobiles” by the French artist Marcel Duchamp. These sculptures, usually painted in bold basic colors, turn, bob, and rotate, in a constantly changing relationship to the space around them.

National Museum of American Art ( CD-ROM ) (New York and Washington D.C.: MacMillan Digital in cooperation with the National Museum of American Art, 1996 )

Crosscurrents: arte moderna dalla collezione Sam Rose e Julie Walters

In ottantotto sorprendenti dipinti e sculture, correnti incrociate cattura il modernismo mentre si è spostato dalle prime astrazioni di O'Keeffe, a Picasso e Pollock a metà del secolo, ai riff pop sulla cultura contemporanea di Roy Lichtenstein, Wayne Thiebaud e Tom Wesselmann, il tutto illustrando il com


Frida Kahlo

Frida Kahlo began to paint in 1925, while recovering from a near-fatal bus accident that devastated her body and marked the beginning of lifelong physical ordeals. Over the next three decades, she would produce a relatively small yet consistent and arresting body of work. In meticulously executed paintings, Kahlo portrayed herself again and again, simultaneously exploring, questioning, and staging her self and identity. She also often evoked fraught episodes from her life, including her ongoing struggle with physical pain and the emotional distress caused by her turbulent relationship with celebrated painter Diego Rivera.

Such personal subject matter, along with the intimate scale of her paintings, sharply contrasted with the work of her acclaimed contemporaries, the Mexican Muralists. Launched in the wake of the Mexican Revolution and backed by the government, the Mexican Muralist movement aimed to produce monumental public murals that mined the country’s national history and identity. An avowed Communist, like her peers Rivera, José Clemente Orozco, and David Alfaro Siqueiros, Kahlo at times expressed her desire to paint “something useful for the Communist revolutionary movement,” yet her art remained “very far from work that could serve the Party.” 1 She nonetheless participated in her peers’ exaltation of Mexico’s indigenous culture, avidly collecting Mexican popular art and often making use of its motifs and techniques. In My Grandparents, My Parents, and I, for example, she adopted the format of retablos, small devotional paintings made on metallic plates. She also carefully crafted a flamboyant Mexican persona for herself, wearing colorful folk dresses and pre-Columbian jewelry, in a performative display of her identity.

Kahlo’s early recognition was prompted by French poet and founder of Surrealism André Breton, who enthusiastically embraced her art as self-made Surrealism, and included her work in his 1940 International Exhibition of Surrealism in Mexico City. Yet if her art had an uncanny quality akin to the movement’s tenets, Kahlo resisted the association: “They thought I was a Surrealist but I wasn’t,” she said. “I never painted dreams. I painted my own reality.” 2

Introduction by Charlotte Barat, Curatorial Assistant, Department of Painting and Sculpture, 2016

Frida Kahlo, The Diary of Frida Kahlo, An Intimate Self-Portrait (New York: Harry N. Abrams, 1995), 252.

“Mexican Autobiography,” Tempo, April 27, 1953, 92.

The research for this text was supported by a generous grant from The Modern Women's Fund.


Guarda il video: scultura in FERROCEMENTO tecnica e pratica (Potrebbe 2022).